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... un rincón en la memoria "nuestro cine" (el de cada uno)

Última aportación el 6/04/11

Esta sección, al igual que el resto de las que componen ... un rincón en la memoria,  nace con la ilusión de que sirva de punto de encuentro entre aquellas personas que  tengan algo que compartir, que quieran hacer participes a otros de sus recuerdos, sus emociones ante la pantalla en la penumbra de una sala de cine.

¡Adelante! no cortaros y poneros en contacto con nosotros. Será un placer.


El orden de las aportaciones es cronológico, una vez más, los primeros serán los últimos y los últimos serán los primeros.

Publicaremos tus comentarios a las aportaciones de esta página. Envíalos a:

seccion.estatal@cgtbbva.net

 
 

Estamos ante una película de terror, no como el de esas producciones para púberes palomiteros, en las que abundan vampiros de diseño y zombis recalcitrantes. Lo que nos provoca el recomendable documental de Charles Ferguson es auténtico terror, mientras presenciamos como se gestó la crisis económica en USA, hasta su estallido en 2008, con su onda de choque que convulsionó todo el planeta. Como consecuencia, millones de personas perdieron sus ahorros, sus empleos y sus casas, mientras que los responsables se repartían millonarias indemnizaciones y bonificaciones. Enormes ganancias privadas, enormes pérdidas públicas.

Estructurado de forma didáctica, dividido en cinco partes, con la narración en off de Matt Damon, el trabajo de documentación y esclarecedoras entrevistas de Ferguson, nos lleva in crescendo hasta el corazón (si lo tuviere) y el cerebro de la Bestia.

En su comienzo, nos muestra imágenes de Islandia que asemejan un idílico paraíso, hasta que todo se tuerce cuando permiten la irrupción de empresas multinacionales, privatizan los tres principales bancos, y permiten la desregulación que lleva a este país, considerado modélico, a la ruina. Desregulación, ésta es la palabra clave. No fue un accidente. La crisis de 2008, que nos sigue afectando, fue consecuencia de una industria financiera fuera de control, que a partir de los años 80, con Ronald Reagan en la presidencia, tuvo libertad para realizar las inversiones de riesgo más convenientes a su desmedida voracidad.

 

Tal vez resulte difícil de seguir, a los no avezados en estas lides (los que hemos tenido un largo contacto con el proceloso mundo de la banca, lo tenemos más fácil), la compleja trama de ingeniería financiero-trapichera de la cadena de bursatilización, derivados, préstamos subprime y seguros de impago de deuda. De esta forma, por poner un ejemplo, Goldman Sachs, cuyo Gerente fue secretario de Tesorería con Bush Jr, apostaba, mediante seguros de impago, contra el producto que ellos mismos recomendaban.
Cuanto más perdían sus confiados clientes más ganaban ellos.

Llama también la atención, comprobar como las agencias de calificación, que habían concedido la máxima nota a las empresas implicadas, que poco después se hundieron, siguen gozando de credibilidad e incluso se permitan calificar, y de alguna manera amenazar, a países soberanos. Con todo, lo más sorprendente es la connivencia de académicos, de economistas que contribuyen al soporte intelectual de la trama, defendiendo
la desregulación. Miembros de destacadas universidades reciben grandes cantidades de dinero por asesorar, participar en el Gobierno y en la directiva de empresas financieras.

¿Por qué un ingeniero financiero, se pregunta uno de los entrevistados, gana hasta cien veces más que un ingeniero de verdad? Un ingeniero de verdad, prosigue, construye puentes; mientras que el financiero construye sueños, y cuando esos sueños resultan ser pesadillas, no es él, es otra gente, quien lo paga.

Los que crearon esta maldita crisis, y se enriquecieron de forma exponencial entre 2003 y 2008, han salido con sus fortunas intactas y siguen sueltos, algunos como consejeros del actual Gobierno.

Charles Ferguson lo dejó claro al recoger su merecido Oscar: "Tres años después de que estallara la crisis, causada por un masivo fraude financiero, ni un solo ejecutivo ha sido
encarcelado".

Así es, ahora los bancos estadounidenses son más grandes y poderosos, con menos competencia, y sus "generosas" contribuciones les hacen mantener una peligrosa influencia política.

Lo dicho: TERROR EN ESTADO PURO.

Ayanimof, 06.04.2011

 

Ayanimof -29/03/2011-

 


When you're strange

 

"Si las puertas de la percepción se depurasen,
todo aparecería a los hombres como realmente es: infinito.
Pues el hombre se ha encerrado en sí mismo hasta ver
todas las cosas a través de las estrechas rendijas de su caverna."
William Blake
Las bodas del cielo y el infierno (1793)

 

"I am the Lizard King
I can do anything…"
Jim Morrison
The Celebration of the Lizard (1968)

 

"Music is your only friend
until the end, until the end..."
The Doors
When the music is over (1967)

Merecido tributo cinematográfico, dirigido por Tom Dicillo, a una de las bandas de rock más originales e influyentes del siglo XX. Utiliza material original de actuaciones y declaraciones del grupo, en orden cronológico, intercaladas con imágenes del filme en 35 mm que Morrison realizó con la ayuda de un compañero de la escuela de cine de UCLA (California), mientras la voz de Johnny Depp va relatando los acontecimientos. "Los años sesenta comenzaron con un disparo" es la primera frase del narrador. En un ambiente de contracultura, psicodelia y manifestaciones callejeras contra la guerra, se forjó una de las leyendas de la música popular.

En el verano de 1965, cuatro jóvenes deciden formar un grupo musical en la estadounidense ciudad de Los Angeles. Jim Morrison, que ha leído a Nietzsche, Rimbaud y William Blake, aporta sus poemas y su voz profunda, Ray Manzareck su habilidad con los teclados, creando melodías, con la mano derecha, que acompañan las elucubraciones vocales y físicas de Morrison, mientras con la mano izquierda marca la línea de bajo. Robbie Krieger, influído por el flamenco, toca la guitarra eléctrica sin púa y John Densmore, aficionado al jazz de Mingus y Coltrane, se encarga de la batería. Deciden llamarse The Doors, en homenaje a un poema de William Blake.




Asistimos a la metamorfosis de un tímido Jim Morrison que pasa de cantar de espaldas al público, en las primeras actuaciones, a convertirse en un provocativo chamán que arrastra a los asistentes, de sus ya masivas actuaciones, a una catarsis colectiva, al grito de "Queremos el mundo y lo queremos ya", antes de ser arrancado del escenario por la policía.

Fue juzgado bajo la acusación de exhibición impúdica, por simular una masturbación en el escenario. Le condenó la sociedad conservadora contra la que luchaba, su padre era almirante, una sociedad puritana e hipócrita, cuyos dirigentes se escandalizan ante la visión de un pene, mientras enseñan a los niños a utilizar armas de fuego, bombardean indiscriminadamente Vietnam o disparan contra jóvenes manifestantes.

El trabajo de montaje de Dicillo, supone un recomendable viaje iniciático para las nuevas generaciones que no conozcan la historia de The Doors, un desagravio del mal sabor de boca que dejó la decepcionante y maniquea película de Oliver Stone, que flaco favor hizo al cuarteto angelino, y un baño de gozosa nostalgia a quien trataba de conseguir sus "singles" en una gris España, que tímidamente comenzaba a despertar de su santa siesta.

En los escasos seis años que estuvieron juntos, dejaron un legado de magnífi-cas canciones, que forman parte de la memoria colectiva de la generación que quiso cambiar el mundo, y mantienen su vigencia en este sísmico comienzo de siglo. Desde las incendiarias "Break on through" "Light my fire" y "Love me two times", pasando por le hermosa fragilidad de "The Cristal Ship", la apocalíptica "The End", sin olvidar "Spanish Caravan", en la que Robbie Krieger demuestra sus influencias musicales, basada en la transcripción para guitarra que hizo Francisco Tárrega de "Asturias",composición para piano de Albéniz, o la que da título al documental, hasta la irresistible "Roadhouse blues" y las incluídas en su excelente LP "L.A. Woman", que se cierra con un "Riders on the storm" que sigue estremeciendo desde sus primeras notas de piano sobre fondo de tormenta.

En 1971, tras grabar con sus compañeros el ya citado "L.A. Woman", Morrison decide desplazarse a Paris con su novia, a la que había dedicado dos libros de poemas, para entregarse, en un ambiente más relajado, a la poesía.

Pasea por la capital de Francia con su libreta, en la que anota cuanto se le ocurre. Pero esta nueva vida dura poco, el 3 de julio su corazón deja de latir. Tenía 27 años, la misma edad con la que, el año anterior, habían fallecido Janis Joplin y Jimi Hendrix. Irrepetible trío de artistas que brillaron con luz propia en el convulso firmamento de la época que les tocó vivir, frecuentaron el lado salvaje en busca de enriquecedoras experiencias y acabaron consumidos en su excesivo fulgor.

Después de todo, tal vez no sea tan recomendable abrir, de par en par, las puertas de la percepción. Hay cosas en la noche que es mejor no ver…
Aprovecho para comentar que Francisco Tárrrega, inspirador de Krieger, es el compositor de la melodía más escuchada en la actualidad. El tono de llamada predeterminado de todos los teléfonos Nokia, no es otra cosa que los compases 14 a 17 de la pieza para guitarra titulada "Gran Vals" compuesta por el músico castellonense en 1902. Al parecer el vipresidente de Nokia eligió el fragmento en 1993 y, desde entonces, no ha dejado de sonar en todo el planeta.
¿Quién se lo iba a decir a don Francisco?
 

Tom Hooper dirige con habilidad y nos brinda dos horas de inteligente entretenimiento, basado en una anécdota histórica: la tartamudez de George VI y sus intentos para superarla.

Una acertada mezcla de drama, comedia y fina ironía, en la que destaca la brillante interpretación de Colin Firth (se recomienda la versión original) que nos hace partícipes de sus esfuerzos de superación personal, de su lucha contra los fantasmas interiores y nos contagia su agobio, que le lleva a solicitar la ayuda, como último recurso, de un frustrado actor australiano que se dice experto en curar casos como el suyo. Tal personaje lo encarna de forma magistral Geoffrey Rush, que consigue ser el contrapunto perfecto de un gran duelo interpretativo.

La sobria fotografía recrea con acierto la época en que transcurrieron los acontecimientos, y la bella música de Alexandre Desplat no desmerece.

Para amantes del detalle, los diálogos inteligentes y las inopinadas relaciones de amistad al margen del linaje.

Absténganse los fanáticos de sofisticados efectos de ordenador, terceras dimensiones, magnas explosiones, tiroteos interminables y casquería a tutiplén.


Ayanimof (22.01.2011)

 
HOOD BY HOOK (07-06-2010)

Otra versión más de las numerosas existentes sobre el justiciero de Sherwood. Desde el encanto de Errol Flynn con su gorrito con pluma, su pijama verde, y su Marian de Havilland, pasando por el cansado Robin Connery y su Lady Hepburn hasta recalar en este último Robin Crowe, bestiajo y algo pasado de peso pero convincente, con su Marian Blanchett, que a poco más le come la peli con su personalidad.


El guión marca el rumbo de la película dirigiendo éste al público más adulto, los nenes y adolescentes no hallarán aquí su versión preferida de la leyenda. No hay alardes de efectos especiales al uso, no hay héroes saltarines, hay una historia bien desarrollada por el oficio de Ridley Scott, con mayor peso en la complejidad del poder, en su absoluta falta de moralidad y justicia, en su utilitarismo y su traición, en su falta de necesidad de amparar en ningún valor la toma de decisiones, solamente el poder despótico se justifica en sí mismo. Puede verse que hay algunas cosas que nunca pasan de moda.
También ese planteamiento hace que la película tenga un claro enlace con Gladiador, bastantes puntos comunes las unen. Desde la fotografía, hasta la música aproximan ambas cintas y nos hacen ver a esta nueva, como un complemento de la otra. Salvo que ahora, el Hispano, no muere.

Buena labor en todos los actores, que cumplen muy bien con la creación de sus personajes, dotando a los mismos de los matices con los que quieren ser definidos. El sr. Russell está bien, y mi querida Cate Blanchett demuestra otra vez más que inunda de su personalidad cualquier personaje que interpreta, ensalzando y dando credibilidad a la ficción y poniendo en peligro, como ya hiciese con Indiana Jones y el sr. Ford, la hegemonía masculina del héroe de turno.

También el personaje del Rey Juan, gana cuerpo como nunca antes lo había hecho en ninguna de sus pelis predecesoras. Es este cínico, amoral, caprichoso y falto de entrañas personaje, uno de los puntos más fuertes de todo el reparto. También el viejo papá Loxley, Max von Sydow y el villano scarface, Mark Strong, resultan dignos secundarios, así como mamá Leonor, la reina, el chambelán Hurt y hasta el precioso capricho francés del rey Juan. Y al super cachas "Little" John merece la pena verlo.

Total que la peli se deja ver bastante bien, las flechas dan en el blanco elegido oportunamente, aunque algunas sean demasiado previsibles. De lo que más me gustó, fue el asedio al castillo de Chalus, y la actitud del en otras versiones ensalzado Ricardo Corazón de León, que en la actual no lo hace menos desalmado e innoble que su hermano regente.
Lo que menos me gustó fueron los huidizos proscritos infantiloides que pueblan el bosque y que, sin saber a santo de qué, aparecen en la batalla final en la playa, a lomos de unos ponys y al mando de una Lady Marian disfrazada de Amadís de Gaula que se lanza a la pelea contra el francés. Paso por lo del fraile Tuck, pero lo de los huerfanitos no cuela.

 
Intuyo que el encargado de traducir el título (¿es necesario?) debió pensar que si lo hacía de forma literal sería identificado con el bolero de R. Damemberg y le pareció más adecuado "Corazón Rebelde". Ni tan rebelde, ni tan loco, más bien fuera de compás, a contratiempo late el corazón de Bad Blake, veterano cantante de "country music", que malvive tocando en tugurios. Sus días de gloria musical quedaron atrás. Arrastra la frustración de varios matrimonios fallidos, mientras quema su existencia en la carretera, con la única compañía de su guitarra y el whisky que su precaria economía le permite.

"Es extraña la manera en que caer se parece a volar, sólo por un instante", canta con su voz macerada en alcohol. Conoce a una joven periodista que concierta una entrevista con él. Este hecho le hace albergar cierta esperanza de redención y, a partir de ese momento, la trama toma una deriva bastante convencional.

Los números musicales están bien resueltos, las canciones describen con acierto la encrucijada existencial del protagonista, pero lo que de verdad te atrapa, desde el primer fotograma, lo que justifica que pases por taquilla, es la presencia de un "inmenso" Jeff Bridges que compone un memorable personaje, tan patético como conmovedor.

Pues me llaman, sin razón...

Ayanimof (10.03.10)

 
UP IN THE AIR (la traducción debe de ser “los hijos de puta también vuelan”)
Pakunin (marzo 2010)

Es una película que puede engañar. Es falso lo que dice la sinopsis, lo digo por que algunos van a cines de esos que dan el papel explicándolo todo. Se trata de un gestor personal, un hijo de puta, que se pasa la vida viajando de una ciudad a otra y despidiendo a trabajadores de diferentes empresas. Es un gestor de personal como los de los bancos, pero en este caso, no trabaja para una sola empresa, sino para aquellas que lo contratan. Es un individuo sin conciencia, despiadado, un hijo de puta, sin corazón, tiene un trozo de adoquín. Hace muy bien su trabajo.

El “pobre hombre”, tiene también su vida particular, le gusta “empujar” con todas las que pilla, en los aeropuertos, hoteles, etc. El tiempo pasa para todos, y se “encoña” con una individua, la lleva a la boda de su hermana, y se hace ilusiones. Piensa crear una familia, tener un hijo (supongo que para despedirlo cuando sea mayor, un perro, un chalet, vamos ser un poco normal, es decir, un poco “pringrao”). Le sale todo mal, pero le queda un consuelo, es gestor de personal y puede seguir despidiendo trabajadores, que es lo suyo.

Tengo que reconocer que es normal que el George Clooney, guste a las mujeres, pero este papel es para que le metan dos tiros entre ceja y ceja.

No me ha gustado la película, decirme a estas alturas, que los hijos de puta tienen sentimientos no me dice nada. Hitler, Franco, Pinochet, etc. tenían sentimientos. Eligieron un campo, y los gestores de personal, eligen un campo, juegan a favor del enemigo, hacen bien su papel, podían hacer otro.

Como justifica que en el sistema, todos tenemos un papel (hasta los verdugos), le darán un Oscar o dos, es normal.
 
La dificultad de ser un hombre formal
-A Serious Man (2009) [Joel & Ethan Coen]-
Ayanimof (10.01.10)
Tras un genial, aunque desconcertante prólogo, los hermanos Coen nos introducen en la historia de Larry, profesor judío de física, que tratra de ser fiel a los principios de la Torá mientras una concatenación de acontecimientos adversos se empeña en impedírselo. En su desesperación recurre a varios rabinos para comprobar que no son capaces de darle una solución y , por el contrario, aumentan su duda existencial.

Tan irreverentes cineastas juegan con sus recuerdos infantiles y, al tiempo que cuestionan los estrictos preceptos de la religión judía, consiguen inspirados momentos; como la historia del mensaje en los dientes, que acertadamente subrayan con un fragmento musical de "Machine Gun" (Jimi Hendrix live at Fillmore East-01.01.1970), en el que Jimi emula, con su incendiaria guitarra, el sonido de las ametralladoras mientras Buddy Miles le responde con vigorosos redobles de su batería. Tampoco tiene desperdicio la escena en la que el más anciano de los rabinos, ayudado por el conflictivo hijo de Larry, recita la "alineación" del mítico grupo de rock-psicodélico "Jefferson Airplane".

El juego del absurdo, el azar, el sentimiento de culpa y un desfile de inopinados personajes nos hacen pasar un buen rato de inquietante hilaridad.
 

Cuando casi está retirada de los cines, escribo sobre esta película. Pensé que no necesitaba comentario. Ahora descubro que su poco éxito de taquilla, incluso tras los Goyas, era debido al temor a pasar un mal trago viendo los últimos meses de una niña de doce años con un tumor cerebral.
Ya la carátula del anuncio era poco alentadora: ojos de iluminada y pañuelo en la cabeza ocultando la ausencia de pelo.

Nada que ver con la película que, aunque triste, claro está, transmite optimismo, y alegría pues no faltan las notas de humor y esperanza que, a pesar de la dureza de algunas escenas, logran del espectador una sonrisa permanente.

La interpretación de la pequeña protagonista: soberbia. Junto a ella, su padre, con una ternura que cala el corazón, da el junto contrapunto a una madre cuya absoluta "ceguera" la ha convertido en "carcelera" de sus dos hijas.

Resto de intérpretes: todos de primera, convencen por completo. Y al final el guión, en su línea de inteligencia y maestría, nos entrega un último regalo lleno de dulzura que hace que abandonemos la sala con un corazón exultante que canta, con feliz desenfado, un himno vencedor.

DEHSLAH (29-03-09)

 
La película de WOODY ALLEN "VICKY CRISTINA BARCELONA" rodada en España y producida en España (Mediapro), es la peor película de Woody Allen, en mi opinión. Woody Allen ha tomado unas vacaciones pagadas y ha realizado un film para promocionar Barcelona (sobre todo la parte de Gaudí) y, en menor medida, Oviedo y lo ha hecho aparentemente sin interés, descuidadamente, con apatía; si no fuera así no se comprenderían los fallos clamorosos del film en fotografía, estructura, guión y música. De un guión mediocre generalmente surge un film mediocre. Woody Allen ha elaborado muy poco el guión, tanto en sus situaciones como en sus personajes, puros estereotipos sobretodo los de Javier Barden y Penélope Cruz; de personajes nulamente desarrollados y sin garra surgen interpretaciones vulgares de actores habitualmente magníficos. Y ni siquiera su punto más fuerte, sus excelentes diálogos, brillantes en toda su filmografía, destacan en este film; pues son tan mediocres como sus personajes y su argumento.
Para colmo, la película está narrada por una innecesaria, molesta y tediosa voz en off, que no hace más que explicar lo que se ve en las imágenes, resaltando lo obvio, enfatizando la mediocridad y trivialidad de todo el film.
Ni siquiera las imágenes de Barcelona, el parque Güell, la Sagrada Familia y otros edificios de Gaudí, resaltan, pues se ofrecen de forma desvaída y descuidada, a pesar de que el director de fotografía es el acreditado Javier Aguirresarobe.

En cuanto a los roles que Woody Allen ha diseñado para Javier Barden y Penélope Cruz, parece que no ha podido eludir caer en el tópico y sus personajes caen en los manidos clichés de lo español, sobre todo el de ella, pues representan a una pareja pasional a los que se podía aplicar lo de "contigo ni sin ti tienen mis males remedio..." Su interpretación es histérica y gritona, sobre todo en ella, pero es quizá defecto de sus personajes.
Resumiendo, un film trivial, nimio, mediocre y hasta aburrido, que es el peor adjetivo que se le puede aplicar a un film.
Quizá mi comentario sea duro, pero como fan que soy del "pequeño genio de Manhattan", me ha defraudado su último film. Sólo voy a comentar una cosa que me agrado, la única muestra de ironía propia de Allen: El personaje de cristina va a Barcelona a hacer un Master en "Identidad catalana". ¡Genial!.

Hitch (13-10-08)

 

Este domingo fui a ver una peli española titulada "La Conjura de El Escorial". Fui atraído por la posibilidad de descubrir alguno de los entresijos producidos durante los plenos de nuestra sección que se celebraron en dicha localidad, pero estaba equivocado. Se trata de una ficción histórica a medio camino de la realidad y aborda una historia de luchas por el poder y la influencia durante el reinado de Felipe II, al cual da vida en un buen trabajo el mismísimo Juanjo Puigcorbé. El reparto, muy internacional, compone una historia bastante coral y que se deja ver de forma muy entretenida. Antonio del Real, el director, cocina un guiso muy adecuado, y participa en el guión. Los actores aquí están bien elegidos y aparecen obedientes al proyecto narrativo, aportando su buen hacer sin desvirtuar el resultado, antes bien, colaborando a que el espectador consuma dos horas de su tiempo, metido en las intrigas cortesanas de un imperio en el que no se ponía el sol y eso salía bastante caro.

Las guerras de Flandes, el intento de alianza matrimonial entre el hermano del rey D. Juan de Austria y la escocesa Maria Estuardo, las maniobras de D. Juan Escobedo, una de las raíces de lo que se llamaría "la leyenda negra" producto de los líos amorosos entre la princesa de Ebolí, la divina tuerta, encarnada estupendamente por Julia Ormond, y el todopoderoso secretario real Antonio Pérez, la nobleza, la influencia eclesial y mucho, mucho Monasterio de El Escorial. Riqueza de vestuario, fotografía eficaz sin ser llamativa y bonita música en la que se luce Ainhoa Arteta.

Total, película recomendable que contrasta por su aparente sencillez y su coherencia en el guión, con otras mucho más caras, p.e. El Capitán Alatriste, y que naufragaron en su propia pretenciosidad.

Conclusión: Hay que ser cauto en los amoríos con todas las princesas, con las tuertas en especial, y si han tenido su rey de por medio, ni os cuento!.

Robin Hook (18-09-2008)

 

AYANIMOF (08-09-08)

A pesar de las declaraciones negativas de críticos sesudos he de reconocer que me he divertido, no he parado de mover el pie y he salido de buen humor del cine, lo que no es poca cosa, tras el visionado de la película musical basada en las canciones del famoso grupo sueco ABBA.
Ciertamente la obra no pretende pasar a los anales de la historia del séptimo arte pero te hace pasar un buen rato con la coreografía de "Dancing Queen", "Gimme, gimme, gimme" y " Voulez-Vous". Magnífica Meryl Streep, entregada en la interpretación de mi canción favorita "The winner takes it all" ante un hierático Pierce Brosnan. Hilarante final con un inopinado y jocoso "bonus track". Aprovecho la ocasión para recomendar a quien no lo haya hecho aún el visionado urgente de "La Boda de Muriel", primera vez que Benny Andersson y Björn Ulvaeus dieron autorización para utilizar sus canciones en una película.

Eres la Reina del baile, joven y dulce. Puedes bailar y divertirte como nunca en tu vida. Mira a esa chica, presencia la escena, disfruta con la Reina del baile.

 

Un querido compañero nos recomienda esta película.
No es cine social, no es cine de suspense, no segure una lógica realista, intenta ser (se dice en su ficha) una fábula poética sobre la ambición, sobre el perjuicio moral que ocasiona la búsqueda vehemente del éxito profesional y social.

Título Original: "Bienvenido a Farewell-Gutmann".
Género: Drama.
Dirección: Xavi Puebla .
Guión: Xavi Puebla Jesús G Vilda Jesús Gil Vilda.
Reparto:
Ana Fernández Lluís Soler
Adolfo Fernández Héctor Colomé
Sergio Caballero Pep Anton Muñoz


Fotografía: Ángel Luis Fernández .
Música: Mikel Salas .
Producción: Jordi Domingo .
Duración: 106 minutos.

 
EN UN MUNDO LIBRE
Germinal (08-03-08)
... Han vuelto K. Loach y P. Laberty... Esta vez la cosa va de unas mujeres que hartas de ser explotadas por hombres (o sea, lo que suelen ser la mayoría de los hombres empresarios) deciden montarse su propio negocio: Una agencia de trabajo temporal... La cosa comienza muy bien, pero... Lo de siempre, una cosa lleva a la otra y ¿necesariamente? acaban convirtiéndose en explotadoras, sobre todo la prota, que termina haciéndose despiadada... El poder, la pasta... En fin.

La verdad es que salimos reflexionando sobre si ciertamente "nos han ganado". Me refiero a ellos, a los malos, a los amos del negocio. ¿Será que no hemos sido capaces de desarrollar el internacionalismo?... Porque desde luego ellos le están sacando el jugo a la globalización. Además, merece comprobar que en los países que llevamos por delante, lo van en todo, es decir, también en delincuencia empresarial y en problemas laborales, sociales o de inmigración...

Peli que hay que ver. Yo la vi en una sala y sesión (la de las 7) que éramos media docena.

 
 
Hitch
Iñurria. Enero 2008

 

"DESEO PELIGROSO"

La nueva película de ANG LEE, realizada en China, Shanghay concretamente, es otra película complicada y difícil por su tema, de la que vuelve a salir airoso como ya lo hiciera en "Broke Back Mountain" Nos relata una historia de lujuria y pasión, masoquismo y dominación en los tiempos de la invasión japonesa de China durante los años de 1938 a 1942. Pero Ang Lee no se detiene en los pormenores de la historia de la invasión japonesa en su conjunto sino que se centra casi totalmente en la de dos personas: Un ministro del Gobierno chino colaboracionista con los japoneses dedicado a la captura y represión de los contrarios a éstos y una joven china que huye a Honkong al principio de la invasión y por amor a un exaltado patriota chino intenta convertirse en una matahari romántica para tratar de asesinar al citado colaboracionsita sobre la base de seducirle y ser su amante. Como todo el grupo de espías amateurs es pateticamente inepto, el intento fracasa en Honkong pero lo intenta de nuevo en Shanghay cuatro años después. Aunque la historia no tiene ningún suspense pues esta narrada sin seguir las convenciones narrativas clásicas y por lo tanto con saltos hacia atrás y adelante en el tiempo, no desvelaré el desenlace, lo que si diré es que consigue ser su amante; en esa relación él intenta ejercer un dominio total por medio de vejaciones y hasta violencia y unas cópulas exentas de ternura, más bien todo lo contrario. Aunque acaba sintiendo por ella un sentimiento que no llega a ser amor, pero tampoco sólo una pasión sexual y por parte de ella lo que empieza por un fingimiento total acaba siendo un sentimiento pasional total que se impondrá a su obsesivo deseo de matarle por el bien de la causa china, sacrificándose ella y también a sus patéticos camaradas.

Ang Lee ha tenido que mostrar toda esa transformación masculino-femenina a través de tres secuencias de sexo, más explícito de lo habitual en el cine de hoy día aún medido con baremos europeos y quizá sólo comparable a las películas de Osima "El imperio de los sentidos". Ang Lee planifica estas escenas desde todos los ángulos posibles, con destreza y lentitud, con delectación y ayudado por la gran interpretación de los actores, el ya conocido Tony Leung y la neófita Wei Tang, gran descubrimiento de Ang Lee, que consigue hacer creíble y compleja la historia que de no haber sido así podría haberse ido al traste, pues esas escenas y el cambio que experimenta la protagonista femenina a través de ellas, son la clave para la comprensión del desenlace de la película y también causa de que la película sea feminista, aunque por su tema no lo parezca, pero la protagonista femenina triunfa sobre el torturador y duro, pero al final cobarde, protagonista masculino.

Excelente y bella fotografía de Rodrigo Prieto y gran partitura del emergente francés Alexandre Desplat. Bien narrada y extraordinariamente planificada en resumen. Gran película, intresante por su argumento, nada común en la cinematografía actual.

 
Siempre la música

Por las calles de Dublín vemos a un músico que, acompañado de su inseparable guitarra, interpreta durante el día canciones conocidas a cambio de unas monedas. Al caer la noche se atreve con sus propias composiciones y entona su desgarrado lamento por la chica que le dejó, lo que conmueve a una inmigrante checa que se gana la vida vendiendo flores pero que sabe tocar el piano y es capaz de reconocer el talento del joven cantautor callejero. Surge entre los dos una suerte de complicidad cuyo nexo es la música hasta el punto de llevarles a colaborar en una grabación.

El director dublinés John Carney, sin gran presupuesto ni elaboradas coreografías, nos obsequia con un musical atípico que cuenta a través de las canciones una sencilla historia de amor. Tan sencilla como encantadora. Tan subyugante como sus melodías hechas fotograma.

Excepto los muy duros de oído o de corazón, cualquiera que se acerque a verla quedará prendado de sus imágenes y de su hermosa música.

La música, siempre la música…
ONCE (Una vez)
(Léase: Guans. Nada que ver con cuponazos, ni extremos izquierda)

Director: JOHN CARNEY.(Dublín-1972)
Protagonistas: GLEN HANSARD (Dublín-1970. Cantante, guitarrista, compositor
y miembro fundador del grupo The Frames que ya cuenta con seis álbumes de estudio publicados) y MARKETA IRGLOVA (Monrovia-1988). Reside en Praga. Cantante,
compositora, pianista.

1

AYANIMOF (18-11-07)

 
Robin Hook (10-11-07)

Hubo un tiempo en que a mí el director David Cronemberg me recordaba a David Lynch. Algunos de los tonos que dominaban sus películas me parecían "raros", algo snobs incluso; originales, sí, pero me aburrían a veces con tanta búsqueda de lo inquietante.
Han pasado los años y este canadiense va centrándose de manera muy destacable; sus mensajes son mucho más digeribles, su forma de contar, con mejor coherencia, su fuerza visual más elevada. Todo esto no hace que su discurso haya dejado de ser inquietante, sino que lo ha vuelto más real y cercano, más creíble. Esa frialdad, tal vez consustancial en alguien que viene de una geografía y un clima como el de Canadá, que permanece constante desde sus primeras pelis, remarca la amenaza y contribuye a mantener la tensión en el espectador.

En esta película colabora el ambiente gélido del invierno londinense, pues, aunque muy de pasada y con acertado disimulo, el director nos deja saber que la acción transcurre en Londres. Naomi Watts recorre la ciudad en su vieja motocicleta mientras el frío aumenta su apnea existencial. Y es que con las interpretaciones sensacionales que hacen los hombres de la peli, bastante tiene con salvar la papeleta dignamente. Desde luego, me quedo con la de Viggo Mortensen, hierático, peligroso, humano, según la situación lo requiere. Vincent Cassel, excelente en su papel, con un físico a medida del mismo. El enigmático Armin Mueller-Stahl, llena con su presencia la pantalla en otro personaje con "trastienda" terrible y temible capacidad de fingimiento, que me recordó en algo al del padre de " La Caja de Música". Tres ases de la baraja, que bien llevados y con la elegancia (por cierto, atención al vestuario masculino) que Cronemberg añade con su manera de rodar, te van a hacer recordar esta cinta.

PROMESAS DEL ESTE

La crudeza de la violencia, que abunda en sus manifestaciones físicas y morales, puede sobrecogernos. Eso es señal de que está bien hecho el guiso; nos lo comeremos encantados. Queda una mínima oportunidad para el bien, un destello de bondad en la dureza de la mirada de algunos de esos depredadores urbanos sin escrúpulos. Menos mal, aunque hay quien dice que es lo menos verosímil de toda la película. Total, que no os conté nada del argumento de la cosa. Lo he hecho a propósito para que vayáis a ver esta peli que os recomiendo.

 

SIETE MESAS DE BILLAR FRANCES

Pues en esta otra, cambiamos del protagonismo de los hombres al de las mujeres. La primera de ellas es la directora Gracia Querejeta, cuyo apellido ya va unido indisolublemente al mejor cine español de las últimas décadas. Mujer con poca filmografía aún, pero con muchos premios y calidad dentro, que discurre entre el documental, el cortometraje y los largos. Sensible en su mirada sobre la vida, en el reflejo de la realidad cotidiana, sabe contruir personajes con fuerza para superar adversidades de las que nadie se libra.

Es de esto último de lo que trata Siete Mesas, de la capacidad humana para salir de las situaciones por complicadas que se pongan y de lo que lo facilita el apoyo de otros seres humanos, alguien te hunde y alguien te rescata. La película es un recital de dos actrices estupendas: Maribel Verdú y Blanca Portillo. Un duelo incruento entre ambas, un complemento al verismo de un guión muy bien conseguido, que nos hace al final dudar de con cual de las dos nos quedamos.

Hay riqueza, hay lecciones muy aprovechables para cada espectador, hay profundidad en el planteamiento y excelente ambientación, y también hay un número de secundarios arropando la acción con una espontaneidad y tan bien retratados e interpretados que no se concibe la peli sin ellos. Y hay un niño con una expresión y una naturalidad, con una cara de esas que raras veces se asoman por las pantallas, como en El Sexto Sentido o en Secretos del Corazón, ¡Jopé que niño!. Vamos que también deberíais aflojar la pasta de la entrada para disfrutar de una magnífica película española y cumplir, encantados y con buen provecho, de la cuota de cine español obligada en la pantalla.

 

Le métèque (27-10-07)
"Al Abordaje" nº 10

55. DONOSTIA ZINEMALDIA - FESTIVAL DE SAN SEBASTIAN

Otro año más he estado en el Festival. Sólo unos días, como siempre, pero, ¡oh¡, como se disfruta inmerso en esas manadas de "marcianos" del cine -me refiero a espectadores no al mundo de la farándula-, haciendo colas inmensas para ver películas que a duras penas conseguirán exhibirse, y de lograrlo, estar en pantalla más allá de una ó dos semanas. Bueno, sin más esto es lo que vi:

- L'AVOCAT DE LA TERREUR. Dir: Barbet Schroeder. Documental sobre un personaje fascinante: Jacques Vergès, abogado de militantes del FLN argelino en los años 60, y posteriormente, de militantes de la ultra izquierda de todo tipo. Schroeder nos lleva por los senderos más oscuros de la historia reciente a través de esta enigmática figura. LO MEJOR QUE VI EN EL FESTIVAL. Si algún día tienes oportunidad de verla, no lo dudes, esto es cine de calidad excepcional.

- A THOUSAND YEARS OF GOOD PRAYERS. -Mil años de oración. Dir: Wayne Wang. En la sección oficial. Era razonable que ganase la Concha de Oro de esta edición. Aunque, no vi todas las que competían, el prestigio del director, un "amable" argumento que llega al corazoncito y una narración dentro de cánones clásicos, era difícil que no le tocase algún premio, y se llevó el "gordo". Va de relaciones paterno-filiales, por cierto, tema recurrente en gran parte de las pelis que he visto este año. Para mí, UN FILM INTERESANTE, PERO MENOR.

- DARLING. Dir: Johan Kling. Producción sueca, también sección oficial. Que mala ostia me dejó esta peli. Cuando me cuentan una historia de gente guapa y gente corriente, por lo menos en el cine me gustaría que, de vez en cuando, el futuro de esperanza sea para la gente corriente no para los "guais". Pues aquí no, es la chica imbecil, pero guapa, la que disfrutará de una segunda oportunidad. Tengo que confesar que su realización era lo suficientemente correcta como para alterarme: ME CABREÉ CON LA MORALEJA DE LA HISTORIA.

- THE BLUE HOUR. Dir: Eric Nazarian. Usa. Esta la seleccioné por su hipnosis: cuatro historias en una vecindad obrera de L.A. Incluía una colaboración de Eric Burdon (cantando en un pub). Nada remarcable. Por lo menos no me dormí.

- THE BIRD CAN'T FLY. Dir: Trhees Anna. Producción sudafricana. Ésta la elegí por el país, por su trama que se desarrolla en el desierto de Sudáfrica y, además, porque la protagonista: Barbara Hershey siempre me ha parecido muy "potente" (la Magdalena de LA ULTIMA TENTACION DE CRISTO). Pues fue LO PEOR QUE VI DEL FESTIVAL.

- LADY CHATTERLEY. Dir: Pascale Ferran. Francia. Una de las más esperadas por mí. Venía avalada por muy buenas críticas de su país y muy premiada. Me gustó, pero no me llenó. La estrenarán, seguro.

- HONEYDRIPPER. Dir: John Sayles. Usa. Ves, ésta que es un cuento narrado de forma convencional, me gustó mucho. Tengo debilidad por Sayles, me parece un tío honesto. Como su anterior film me había parecido muy poca cosa, temía que estuviera en decadencia, pero no. IMPRESCINDIBLE PARA AMANTES DEL BLUES Y DE LA MÚSICA EN GENERAL.

- SHADOWS IN THE PALACE/ GOONG NYEO. Corea del Sur. No pongo el nombre de la directora porque no creo que interese su obra futura. La historia va de asesinatos y su investigación en la corte medieval coreana. ¿Sería una especie de "El nombre de la rosa"?. Pues no. Los ramalazos de esoterismo y fantasía destrozan el resultado. A favor: lujo de producción (palacios, vestidos, etc...). En contra: todas las actrices parecían iguales. Imposible distinguir fisonomías orientales en este film, y no es un tópico en este caso. No creo que la estrenen.

- MATAR A TODOS. Dir: Esteban Schhroeder. Uruguay. No esperaba gran cosa y, sin embargo, me gustó. Peli pequeña, pero honrada. Con un guión interesante e informativo sobre la represión en Chile, Uruguay y Argentina. Atención a la actriz protagonista: Roxana Blanco.

- LE VENT DE LA NUIT. Dir: Philippe Garrel. Había que ver algo de auténtica cinefilia. De este director, creo, que no se ha estrenado nada en este país (yo solo he visto LES AMANTS RÉGULIERS del 2005 en DVD con la que ganó una Mostra de Venecia). En ambas, el fantasma de Mayo del 68 está presente. El dolor y la tristeza que emana de uno de los protagonistas: un arquitecto marcado por la muerte de su esposa y ese mayo, hacen de este film una obra de cierta "sabiduría". Elige algo de este directo en tu videoclub ó compra un dvd si puedes, no te arrepentirás.

- BERLIN. Dir: Julian Schnabel. Documental sobre unos recitales de Lou Reed en Brooklyn en Dic-2006 recuperando un álbum del año 73, llamado como el título del film, que nunca llegó a tocar en directo. ACOJONANTE. Imprescindible. Inolvidable la colaboración de ANTONY (el de Anthony & The Jonson).

- PADRE NUESTRO. Dir: Christopher Zalla. Usa. La acaban de estrenar cuando escribo estas líneas. NO TE LA PIERDAS. De lo mejor que vi. Para mí, por encima de la que ganó. No te cuento nada más.

- WHERE GOD LEFT HIS SHOES. Dir: Salvatore Stabile. Usa. Ambientada en Navidad y con niños: urticaria segura aunque vaya de tema social. Alguna cosilla interesante. La estrenarán, seguro. Peli para "buenas conciencias".

- DEATH AT A FUNERAL /Un funeral de muerte. Dir: Franz Oz. G. Bretaña. Siempre se agradece un poco de relax cómico entre tanta trascendencia; y ésta, por lo menos, me hizo reír mucho en su primera parte, luego, me interesó menos. La tienes en cartelera.

- CONTROL. Dir: Antón Corbijn. GB. Otra de la que esperaba muchísimo, y otra que me dejó un poco decepcionado. Muy premiada en Cannes. Va de biopic de Ian Curtis, enigmático cantante suicidado de JOY DIVISION, banda icono del post-punk inglés. Es en blanco y negro, lo digo por si acaso. Excelente fotografía. RECOMENDABLE.

- MEDUZOT. Dir: Edgar Keret y otro. Israel. También premiada en Cannes, motivo de mi selección. Pues no me gustó nada. Que no me van las mezclas de realidad y fantasías. Por lo menos era corta.

- FLAWLESS / Un plan brillante. Dir: Michael Radford. La tienes en cartelera. ¿Algo? Michael Caine.

- CARAMEL. Dir: Nadine Labaki. Líbano. Premio de la Juventud y del Público. Cinco mujeres en un salón de belleza. Protagonizada por la directora. Un poco de todo: costumbrismo, humor, drama, etc... Pero, tiene un cierto tufillo ¿será porque se desarrolla en la comunidad cristiana de Beirut?. La van a estrenar, ya me dirás.

- SOUL CARRIAGE/ALMA CON DESTINO. Dir: Conrad Clark. China/GB. Premio Nuevos Directores. Pues ésta, que durante su proyección se salía el público en oleadas, me pareció la más interesante por su lenguaje cinematográfico, con una narrativa alejada de las propuestas genéricas al uso. Mezcla de ficción y nueva realidad de la China actual.

Por último, te voy a recomendar una que no vi en el festival, sino después, pero si estuvo en Donosti: LUCIO. Documental muy digno que no te debes perder.

Es todo.

Le métèque.

(Si alguien quiere ampliar la información de alguna de las películas comentadas, el firmante estará encantado en contestar. Podéis escribir a: seccion.estatal@cgtbbva.net)

 
Tras el paréntesis veraniego, estos días otoñales son de cine. El clima invita a ello y además es el momento reservado a los estrenos por las distribuidoras. Como cada año existen propuestas interesantes y vamos a hablar de dos de ellas.
Robin Hook (15-10-2007)
La primera es una película española de Iciar Bollaín, Mataharis, título un tanto equívoco respecto del contenido de la peli que suena a argumento distinto. El trabajo como detectives de tres mujeres en nuestra país y en nuestro tiempo, sirve para exponer a nuestra mirada problemas de esta sociedad y provocar nuestra reflexión sobre temas ricos y diversos. Los límites de la intimidad dentro de la pareja, las diferentes interpretaciones que pueden darse de la ocultación de algo, como nos pesa el pasado y la vergüenza, dónde radica la confianza y si ésta va delante del amor, ¿anulan los sentimientos a las preguntas?.
El conflicto de valores morales y principios frente al todo vale (" No somos jueces. No tenemos opinión. Hemos de limitarnos a hacer nuestro trabajo"). El conflicto laboral en el cual se infiltra una de las protagonistas está muy cercano a la realidad, es cotidiano. Se habla de precarización, abaratamiento, subcontratación etc... en el seno de la estrategia de una multinacional. Os sonará sin duda el lenguaje. Si teneis la paciencia o la cinefília necesaria para resistir hasta el final de los títulos de crédito, vereís en los agradecimientos a la CGT y a Eladio Villanueva entre ellos. Bien marcados los papeles sindicales aunque el resultado de la movilización peque de bienintencionado. Efectivamente, muchos habrán enfrentado en algún momento sus principios con su trabajo y habrán tenido que tomar una decisión que marcará su futuro. ¿Qué es lo importante realmente? ¿Vale todo con tal de trabajar, incluso en algo que te gusta?. Todos tratamos de eludir el momento de enfrentarte a ese posicionamiento. Esquivamos las circunstancias que nos llevarían al mismo, pero si no lo lograsemos ¿qué es lo que haríamos?.
El vivir para trabajar, algo en lo que nos hemos instalado en nuestro pueblo, con las jornadas más abultadas en Europa y la sempiterna fama de vagos que nos acompaña como nuestra sombra. Algo que no palían las ornamentales leyes de conciliación de vidas familiares y laborales, algo que se lleva por delante nuestra convivencia, nuestro amor y hasta nuestro desarrollo humano y cultural. Matrimonios enmudecidos, acabados, vidas sombrías instaladas en la rutina laboral. ¿Está ahí nuestra independencia, nuestra liberación como seres humanos?.Trampas en las que es muy fácil caer y muy difícil salir.
La tarea interpretativa de las tres protagonistas, Najwa Nimri, María Vázquez y Nuria González es muy remarcable, componiendo sus personajes desde la actualidad y dotando a los mismos de una cercanía y un realismo completo. A mi me gustó en especial el de Nuría Gonzalez, la de más edad, mujer con un rostro impagable para la vida insatisfecha y tediosa que lleva su personaje, alguien eficiente y práctica en conflicto con su sensibilidad más profunda.
Conclusión: película recomendable en la que uno agradece y reconoce lo necesaria que es la mirada femenina para ayudarnos a entender las cosas importantes de la vida y rectificar, sin miedo, los errores que todos llevemos dentro.
 

Totalmente diferente es la peli de Neil Jordan "La Extraña que hay en ti", con Jodie Foster como protagonista. Neil Jordan pasea su veteranía por todo el metraje, este hombre sabe hacer cine, sabe mover la cámara, domina los ambientes (me gustó la fotografía de exteriores nocturnos que crea y acompaña el climax necesario en cada momento). Es una obra muy completa, no exenta de algo parecido al fatalismo tierno presente en otras pelis de Jordan, p.e. Monna Lisa. Jordan aprovecha la ciudad de Nueva York, para narrar con buen pulso otro gran conflicto moral: hasta qué punto resisten nuestros valores morales el ejercicio gratuito del mal. Es bien distinto hablar de la bondad como espectador, que cuando uno ha pagado un precio terrible ante la maldad.

Para ello nos enfrenta a la agresión brutal que sufre la protagonista, sensible locutora que describe con otra mirada el pulso de la ciudad, por parte de unos pandilleros de barrio. Ella se libra de la muerte pero pierde al novio con el que va a casarse. Como describe el director las dudas, el cambio y el derrumbe de los valores de esa mujer (el terror inicial posterior a la agresión, que la impide salir a la calle de nuevo, está francamente bien) es algo que muestra su buen oficio y en lo que la no menos gran experiencia y calidad como actriz de Jodie Foster, le ayuda considerablemente.
En este punto, la película toma elementos de otras como Taxi Driver de Martin Scorsese (presente en muchos momentos hasta que uno no pueda desprenderse de la idea de que Jordan le homenajea con este film) e incluso, de alguna nota de la serie Harry el Sucio, o El justiciero de la ciudad de la noche con Charles Bronson. La venganza, sentimiento que todos llevamos dentro en una u otra medida, se instala en la acción, pero Jordan establece su contrapunto ético en la figura del inspector de policia, oyente del programa de la protagonista, que, siempre ese pequeño azar que marca el futuro como si todo estuviese escrito en alguna parte, la ha visitado fugazmente mientras ella estaba en coma víctima de la paliza recibida. Amor, compasión, admiración, afecto?. Todo lleva a un desenlace bien resuelto, en que el conflicto moral habrá de decidirse y, en este punto, también puede aproximarse a la comentada anteriormente de Mataharis, ¿qué es lo justo? ¿qué hacer?. Pero eso ya tendreis que ir a ver la película para opinar por vosotros mismos. Todos llevamos un extraño dentro, nadie se conoce lo suficiente.
Todos somos capaces de hacer cosas que no se nos pasarían ni por la cabeza. Descartemos afirmaciones categóricas sobre nuestro modo de ser y roguemos para que no llegen las circunstancias precisas para ello, y, si llegasen, que en nuestro guión aparezca, como aquí, una nimia circunstancia que nos brinde la posibilidad de escapar.
 

Sonata para un buen hombre

 


"Usted es una buena actriz"
"Y usted, un buen hombre"

¿Puede un buen hombre hacer algo malo?. ¡Sí, claro!.
¿Puede un buen hombre, convencido de servir a una causa justa, hacer daño a otro hombre?. ¡Sí, claro!.
¿Puede la belleza del arte, representada en el sonido de un piano, unir, de alguna manera, a dos buenos hombres de diferente ideología. ¡Sí, claro!
¿Puede un buen hombre, tratando de redimir su mala acción, ayudar a otro hombre?
¡Sí, claro!.
¿Puede un buen hombre, que trata de ayudar a otro hombre, poner en peligro el cargo,
que tanto trabajo le ha costado conseguir, hasta el punto de perderlo?. ¡Sí. claro!
¿Puede que aún queden buenos hombres en este mundo?… ¡Sí, claro!.

LA VIDA DE LOS OTROS(2006) Florian Henckel-Donnersmarck

(Para más información léase el acertado comentario de Robin)


Ayanimof (07-04-07)

 

Robin Hook (24-03-07)

 

LA VIDA DE LOS OTROS

Valorada, con toda justicia a mi modesto entender, película alemana. Ganadora de un buen número de premios del cine europeo, también al otro lado del charco, los norteamericanos, dueños de la mayor industria del cine tras ese fenómeno hindú que es Bollywood, decidieron premiarla.

Cine de nuevo para movernos a la reflexión. Realidades históricas y sociales, muy cercanas en el tiempo, que han marcado nuestras últimas décadas con su mensaje incuestionable. Conceptos ideológicos que llenaron el siglo XX como el comunismo, la construcción del socialismo, la subordinación del individuo a esa idea. Ilusión defraudada, traicionada, el cambio que ampara y levanta nuevas oligarquías dictatoriales. Melodía escrita desde las más bajas pasiones humanas, esas que mueven los hilos de este títere que, finalmente, somos todos nosotros. Resultado no buscado o sí, según nuestro grado de análisis político: Dictadura y degradación moral, una vez más. Esta cinta, con inteligencia y apariencia de sencillez, cosa bien difícil de conseguir en el cine sin un buen guión, fotografía, montaje, dirección artística, música y trabajo de un buen equipo muy bien dirigido, con bajo presupuesto y una labor de actores excelente, nos enfrenta a la dureza de la realidad en una sociedad comunista dictatorial y nos hace, una pequeñísima concesión para la esperanza, aunque sin milagros artificiales, en un final que devuelve una porción de equilibrio, de equidad moral a toda la historia.

Me gustan, ya lo he dicho otras veces, las pelis "matrioskas", esas que tienen varias más en su interior que al espectador no le importaría descubrir cuando finalizan, aunque ello representase embarcarse en una sesión continua sucesiva. La interpretación de los tres protagonistas principales, actores para mí desconocidos, es excelente. En especial la del capitán Wiesler, Ulrich Mühe, calculadamente contenida, coherentemente fría, distante del espectador pero atrapando siempre su atención. Tanto el intelectual "oficial", el actor Sebastián Koch, como su actriz amante, interpretada por Martina Gedeck. Sus interpretaciones no nos permitan más que alcanzar a ver partes de su personalidad, suficientes para situarles, y que nos abren el interés de profundizar en las zonas de ellos y de su historia que nos dejarían conocer y entender mejor sus comportamientos, sus sentimientos. Se diría que el director Florian Henckel Donnersmarck no ha querido que salgamos de nuestro papel de mirones en una sala oscura desde la que contemplamos lo que les sucede a unas personas en un tiempo y bajo unas circunstancias condicionantes, para que, tras el desenlace de la historia, volvamos a revisarla en nuestro interior, aposentemos su mensaje, y obtengamos nuestras conclusiones.
Se describe y radiografía como es una dictadura, sus claves, su control, su asfixia; como se mueve y funciona orientada a un único objetivo: anular todo tipo de libertad, impedir el peligro del pensamiento crítico, del juicio imparcial, del criterio personal. En eso reside el riesgo para todas las dictaduras de cualquier corte que han sido a lo largo de la historia. Y a ello enfrentaran todos los medios y formas para impedir, erradicar, coartar y aplastar cualquier factor que promueva los valores individuales que comportarían la aniquilación del sistema. Guerra entre este y los individuos cuyo patrón no se considera adecuado, aquellos potencialmente peligrosos que se apartan de la conducida masa, esa que, por miedo, presión económica, incluso creyendo de buena fe en la necesidad del sistema, colabora en su organización, desarrollo y pervivencia.
"Somos el escudo y la espada del Partido", se les inculca a los funcionarios disciplinados y amorales, encargados, eficazmente, de reprimir a sus conciudadanos, vecinos, compañeros, familiares y compañeros sentimentales si hace al caso. Terriblemente real de nuevo.

El arranque de la película, el interrogatorio, la clase impartida, los gestos, la eficacia exenta de toda perspectiva moral propia, la pulcritud de ese probo capitán, brillante en su asqueroso cometido, pone los pelos de punta. Trabajo bien hecho, frente a la habilidad para trepar de su compañero y, más tarde, superior.
Si tienes información de cada individuo, tienes control sobre él, una importante ventaja para someterle (la escena de la vecina y la mirilla, es un buen ejemplo). Una sociedad permanentemente vigilada, cuyos datos se manejan, no una ficción por desgracia, ni una hipótesis creativa. La República Democrática Alemana del año 1.989 y su policía política, la Stasi, están ahí, ancladas en la historia cercana y explicando los problemas sociales que aún hoy enfrentan los alemanes como resultado de una herencia maldita que marcó su pasado siglo con una locura colectiva cuyos efectos se negasen a desaparecer.
Muchos de esos pulcros ciudadanos de la R.D.A. seguirán pagando toda su vida el tributo personal por esos años de control, adoctrinamiento y coacción que padecieron inmerecidamente quizá, víctimas de la confusión instalada a lo largo del siglo XX, de los intereses ajenos y de las circunstancias que marcaron el rumbo de la historia convulsa de su nación.
Otro aspecto que mueve nuestra reflexión, es aquel sobre cuales son los factores que modifican la mentalidad y de ahí, el comportamiento del eficaz capitán Wiesler. Tal vez en su caso, es una persona ceñida más por la creencia del valor de su trabajo, al que ha entregado toda su vida, pagando el precio de la soledad y el desarraigo, que por una carga ideológica interiorizada que si encajaría con el personaje del intelectual afecto al régimen, el cambio, viene de la mano de algo tan primario como el amor, la atracción física, el factor sexual, la mujer y su fuerza, en definitiva.
Esa fuerza incalificable que produce que, desde el poder encarnado en su ministro, hasta la reacción al mismo, todo gravite sobre ese misterio femenino, ese poder último, pese a que la tragedia devore a la parte más débil, sacrificio redentor presente que se resuelve dentro del tono natural que preside toda la narración en imágenes.
Poder y debilidad, peso y contrapeso, tiovivo en movimiento continuo, fascinación perpetua.
Película pues, entretenida y de calidad. De emociones y miradas conmovedoras que las transmiten y engrandecen. De interiores ramplones que subrayan la ramplonería de todo el conjunto social, de arte viviendo en montones de libros desordenados, de vidas y gentes reducidas a interminables hileras de expedientes en estanterías de archivo, de tomas de conciencia y de los cambios profundos que los humanos, incluso sorprendidos y resignados, somos capaces de afrontar y asumir. De miedos inducidos, de cobardías y valor, de vileza y grandeza, de amor y de cómo la vida evoluciona, aunque pueda sabernos a poco, cuando la " Sonata para un Hombre Bueno" se interpreta correctamente.
 
Ayanimof (6-03-07)
 

Goodbye America
(Hasta siempre "Granpa")

 

Me atrevería a afirmar que la gran mayoría de personas que lean este artículo, máxime si rondan o han superado ya los cincuenta años (y disfrutan de tan magnífica edad), reconocerían al instante la siguiente frase: "Y Al Lewis como el abuelo".


Claro, el final de la presentación de los entrañables personajes de La Familia Munster, estrenada en nuestra televisión en 1965, en la que aparecía la hermosa Ivonne de Carlo (Lily), Fred Gwynne(Herman) y el inolvidable "Granpa" , ese drácula irónico y bonachón, al que daba vida Al Lewis. Para los seguidores de series televisivas de aquellos años diré que Fred Gwynne ya había coincidido con Al Lewis en una serie anterior: Car 54, where are you?, aquí conocida como "Patrulla 54".
Tuvieron que pasar unas cuantas décadas para que en el año 2003 el director de cine Sergio Oksman, que pretendía hacer un reportaje sobre Pacífica Radio, emisora fundada en 1949 en Berkeley (California), asistiera al programa que Lewis estaba realizando en dicha emisora y, seducido por su magnetismo, le convirtiera en el protagonista de la cinta.
De esta manera, podemos ver al nonagenario actor, sentado frente al espejo, mientras le maquillan para volver a representar el personaje que le hizo granjearse el cariño de toda una generación, rememorando con envidiable lucidez y portentosa memoria, sus vivencias como activista de izquierdas en USA ante hechos tan determinantes como "La caza de brujas de McCarthy", La guerra de Vietnam (donde recuerda que sólo enviaban a negros, hispanos o blancos muy pobres pero ni a un solo hijo de congresista) o los atentados de 11/09/2001, al tiempo que nos deleita con jugosas anécdotas. El montaje intercala primeros planos de Al, siempre saboreando un habano, con imágenes de archivo y, cuando termina, deja el regusto amargo de no poder seguir disfrutando con las memorias de tan envidiable anciano.
 
VENUS
AYANIMOF (28-02-07)
Un septuagenario actor, de mermada salud, se siente revivir ante la inopinada llegada de Jessie (convincente Jodie Whitaker), hija de una sobrina de su amigo Ian, que esconde su inseguridad bajo un aparente descaro.

De esta manera Maurice (excelente Peter O'Toole bordando una interpretación irónica y conmovedora, mejor en v.o. para disfrutar con su dicción) se aferra al último vagón del último tren que pasa por su vida y lo hace con todas sus fuerzas, con las que le quedan, hasta agotarlas.

A pesar del inicial rechazo de la desorientada joven y del abismo generacional que les separa, se va creando, entre ambos, una complicidad no exenta de cierto morbo. En sus momentos más bajos, el viejo actor acude a casa de su ex-mujer, la gran Vanessa Redgrave, en busca de un poco de ternura (tibios rescoldos de su pasado), mientras intenta recuperar el tiempo perdido en el aroma de un joven cuello femenino.

La calculadora vejez enfrentada a la despreocupación juvenil crea un llamativo contraste, como el de la blanca carne de la Venus del Espejo con el oscuro paño en el que descansa.
Dirección: Roger Michell

Peter O'Toole….Maurice
Leslie Phillips….Ian
Vanessa Redgrave…Valerie
Richard Griffiths…Donald
Jodie Whitaker….Jessie
 
M.F (19-02-2007)
LA SCIENCE DES RÉVES. Michel Gondry
(La ciencia del sueño)
Es sólo lunes y ya noto la mente llena: de productos, de remesas, de "escaneos"... de novedades. ¡Al cine!, me voy al cine. Esta tarde, a la sesión de las cuatro. En este edificio, pocos, muy pocos, nos vamos a las tres. Cada cual tiene su razón para quedarse.

¿Babel? No, mañana ¿La science des rêves? Sí, esa sí. Búsqueda de sueños o realidades que nos hagan sentir bien. Ciento cinco minutos, atrapada en sus movimientos artesanales, en sus sueños, en los míos, un barco, se habla de gatos. "Uno", dos, tres estábamos en la sala, mientras suena la música, todavía las luces apagadas, un ruido extraño a mi lado, busco a oscuras en el suelo, una piedra que entrego sonriente a "Uno" sentado en la primera fila, después... mi imaginación y la lluvia.
1
 
PAKUNIN (13-01-07)
BABEL
A las razones ya dichas para ver esta película, añadiría las siguientes aportaciones que me ha sugerido su visión:
Estamos ante una película que su visión resulta a ratos angustiosa, hay peligros que se ciernen sobre los posibles protagonistas y vas teniendo la certeza de que va a suceder algo, y que se puede empeorar la situación. Otra de sus virtudes es mostrarnos como los débiles del mundo siempre se llevan la peor parte, cuando hay dificultades no sólo no tienen medios, no saben explicarse y además el poder es inflexible con ellos, no les escucha. Es una buena muestra de la insolidaridad, el egoísmo y la soledad, facetas que van siempre unidas.

La incomunicación alcanza la máxima expresión y está plasmada de una manera magistral fundamentalmente a través de una chica japonesa sordomuda.

No estamos ante una película deprimente, no muestra nada que no conozcamos ya. Tampoco da muchas esperanzas, aunque muestra que la amistad y la mano que está dispuesta a ayudarte está muy cerca, y como siempre no te das cuenta.

 
Germinal (28-12-06)
BABEL
... En el mundo global que, al parecer, nos encontramos hay hechos, fortuitos o no, accidentes o incidentes que establecen una comunicación continua entre diferentes puntos del planeta. Poco importa ya que hablemos lenguas distintas (o que seamos sordomudos incluso); el castigo bíblico de estar condenados a no entendernos por pretender alcanzar lo inalcanzable, ha devenido en una condena probablemente mucho más "perversa", la de, en cualquier momento, en cualquier lugar, estar implicados en un cambio de circunstancias, en una reacción equivocada, en un riesgo cierto y mortal. Esto es BABEL, una excelente cinta de González Iñarritu que os recomiendo... Marruecos, USA, México, Japón son unidos de pronto por la casualidad y ¡zas!... A los que hemos viajado, a los que nos gusta viajar, nos dan ganas de no salir de casa, entendiendo por "casa", no salir de la rutina, del pensamiento ordinario, de los hábitos cotidianos, de nuestra seguridad... Vedla... Por cierto, Brad Pitt ya no es sólo un "guaperas".
 
BORAT Germinal, noviembre 2006

Supongo que los amigos cinéfilos ya estaréis un poco al tanto del fenómeno "Borat". He visto la peli y, efectivamente, es inaudito el trabajo realizado por el amigo Sacha Baron Cohen. Resulta que haciéndose pasar por un ciudadano "kazajo" se larga mandatado por su Gobierno a tomar nota de la vida en los "E-E-U-U" (lo más de lomás. El Imperio) y nos sacude un bombazo (cámara al hombro, estilo Michael Moore) de lo que se encuentra. Es verdad que él parte de una situación de "paletismo" escalofriante, de una situación social cuasi prehistórica, pero lo que se encuentra desde New York hasta Hollywood (cual Quijote en busca de su Dulcinea. En este caso la exhuberante Pamela Anderson), es sencillamente impresionante. ¿Dónde está el verdadero paletismo? ¿Cuáles son los valores que celosamente guarda la metrópoli? ¿Cuál es la diferencia entre himnos? (genial la mezcla de la supuesta letra del kazajo con la música del yanqui). ¿Cuál es la diferencia entre la fiesta del "encierro del judío"y el rodeo americano?... Los saludos, la comunicación, los bailes, los homosexuales, las minorías (negros), los jóvenes, las prostitutas, la
guerra, el dinero, la religión... Maravillosa, de verdad. Cinéfilos y/o acratosos, anteponed su visionado, si podéis, a cualquier otra. Creo que vais a pasar un buen rato.

 
SCOOP, de W. Allen... Germinal
(19-11-2006)

Quizá alguno se estuviera preguntando si todavía no había visto a mi admirado Woody. Menos mal que AYANIMOF nos había colgado ya una reseña sobre su nueva peli. No obstante, y a pesar de suscribir lo dicho por Ayanimof, me resisto a no comentar algo...

Efectivamente, después de Match Point (magistral. Yo hasta me la he agenciado en DVD para conservarla), puede que no cupiera hacer otra "obra maestra" (tengamos en cuenta que Allen nos lanza una obra por año, más o Menos). De modo que Scoop (cavidad, hueco... siempre hay alguno) es una "variación" sobre el mismo tema tratado en Match Point. En este caso Allen aparece como actor y nos ha vuelto a descubrir que tras el "bombonazo" Scarlett (una de las pocas rubias que me gustan), hay un pedazo de actriz...

Id a ver la peli si no lo habéis hecho aún y recordad que cuando los Beatles hicieron Sargent Pepper´s no siempre volverían a alcanzar esa cima, pero Yellow Submarine o Let It Be no estaban mal ¿verdad?

 
LORCA, EL MAR DEJA DE MOVERSE AYNADAMAR (06-11-06)

Película documental minoritaria a la fuerza por cuanto, que yo sepa, al menos en Madrid, se proyecta en sala y sesión únicas de Lunes a Jueves en un solo pase. Director y guionista que no conozco pero seguramente buenos.

Cualquier trabajo sobre Lorca provoca desde hace ya algunos años cierto hartazgo. ¿Se habrá hablado y escrito sobre el poeta? ¿Se habrán subido oportunistas al simbólico carro de su recuerdo? Y, por cierto ¿Se conoce su obra, obligado fuera, como enorme figura de la literatura?

Bien. A pesar de todo y con las lógicas reservas, entendí la conveniencia de ver este film. Me sorprendió gratamente.

Con una narración de hechos muy bien descritos, opiniones de estudiosos y testimonios de allegados muy convincentes, ubicación perfecta del contexto, y el acertado recurso a producciones anteriores insertando escenas llevadas a la pantalla donde se refleja fielmente determinadas situaciones de aquellos días de Agosto 36; se compone un conjunto tan bien ensamblado, que logra presentar un trabajo muy atractivo para el espectador y alcanza perfectamente lo que entiendo que es su objetivo: la necesidad de poner a cada uno en su sitio en el escenario de aquel suceso donde nunca se reparará lo uficiente la honra del poeta.

Tanto y tanto hemos revistado esta página de nuestra historia que resulta complicado invitar se vuelva una vez mas sobre ella. No obstante, considero muy recomendable visitar la sala y sesión minoritarias.

También me tomo la libertad de escoger el cuarto y último poema de la composición "Llanto por Ignacio Sánchez Megías" (1935) como humilde homenaje al poeta desde esta revoltosilla tribuna. Gracias.
No te conoce el toro ni la higuera,
ni caballos ni hormigas de tu casa.
No te conoce el niño ni la tarde
porque te has muerto para siempre.

No te conoce el lomo de la piedra,
ni el raso negro donde te destrozas.
No te conoce tu recuerdo mudo
porque te has muerto para siempre.

El otoño vendrá con caracolas,
uva de niebla y monjes agrupados,
pero nadie querrá mirar tus ojos
porque te has muerto para siempre.

Porque te has muerto para siempre,
como todos los muertos de la Tierra
como todos los muertos que se olvidan
en un montón de perros apagados.

No te conoce nadie. No. Pero yo te canto.
Yo canto para luego tu perfil y tu gracia.
La madurez insigne de tu conocimiento.
Tu apetencia de muerte y el gusto de su boca.

La tristeza que tuvo tu valiente alegría.
Tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace,
un andaluz tan claro, tan rico de aventura.
Yo canto su elegancia con palabras que gimen
y recuerdo una brisa triste por los olivos.
...

 
SCOOP

Divertimento en clave menor que sabe a poco tras su magnífica "Match point". No obstante nos permite pasar un buen rato (¡qué no es poco!) y volver a ver a Woody Allen delante de la cámara, representando su ya conocido personaje, esta vez disfrazado de prestidigitador, que siempre obsequia con alguna frase inteligente o irónico juego de palabras ("¿Hijos?, No he querido tener hijos; los cuidas, te desvives por ellos y cuando han crecido te acusan de padecer alzheimer"). Tambien nos brinda la oportunidad de ver a Scarlett Johansson en un personaje más entrañable y encantador que el de seductora rubia platino que pretende adjudicarle la interesada industria del celuloide. En definitiva esperemos que se trate de un pequeño descanso humorístico antes de acometer un nuevo proyecto de mayor enjundia.

AYANIMOF (02-10-2006)
 
Germinal (16-10-06)

"El viento que agita la cebada" (The wind that shakes the barley), de Ken Loach.

Una vez más, Loach, da un nivel extraordinario al utilizar el cine como un medio de comunicación para algo más que para el espectáculo que, siendo parte esencial de este arte, no lo es todo. La obra de Loach es siempre una obra "comprometida", sin ambages, sin autocensura, sin concesiones comerciales, intentando reflejar lo que hay y lo que todos sabemos o nos imaginamos. Se dice que en esta ocasión ha levantado "ampollas" entre el "stablishment" británico. Y ante esto, uno se pregunta, pero esta gente ¿qué querrá?... Los britanicos han sido el, probablemente, "último imperio descarado", digo descarado porque ahora, en nuestros días, los imperialistas yanquis y sus adláteres utilizan justificaciones (guerras preventivas, ataques defensivos, derrocamiento de tiranos...), aunque perversas, pero justificaciones...

Y de esto trata la peli, del imperialismo británico (inglés) en su vecina Irlanda, un imperialismo que aún colea en Irlanda del Norte. Para ello, Loach y Laverty (el guionista magistral que, por cierto, vive en Madrid), sitúan la acción en la Irlanda de los años 20, a los pocos años de la Gran Guerra (aquella que había dejado más de 15 millones de muertos). Lo primero que nos enseñan es a los "ocupantes" como matones y chulos de taberna, después como militares que son unos "mandados" y se limitan a cumplir las órdenes "legales" de su gobierno, luego a los "colaboracionistas", los acaudalados terratenientes a los que la presencia del dominio mediante la fuerza infunde el suficiente miedo para la sumisión de los pobres... Luego ponen encima de la mesa, la reacción, la rebelión, la necesidad de responder organizados, la necesidad de cumplir la disciplina, el hecho de saltar los límites de los afectos, la amistad por el bien de conseguir los objetivos (¿el fin justifica los medios? ¿para todos? ¿sólo a veces?); las diferentes posturas de algunos curas de la tradicionalmente católica Irlanda y la de la Iglesia Oficial...

Y, al fin, las razones políticas de "soluciones prácticas" de "negociación y concesiones" frente a los que se han embarcado para soltarse del yugo del invasor, para tener entidad propia, para los que prefieren morir de pie que seguir viviendo de rodillas, para los que quieren ver el mundo nuevo que llevan en sus corazones (ya sabéis, aquello de si ganar la guerra o hacer la revolución, ¿nos suena, verdad?)...
Buena ambientación, buena fotografía, actores magníficos... (Irlanda, tú conoces el secreto)... En fin, imprescindible, foreros. Quien no lo haya hecho, que la vea.

 
Germinal (14-09-06)
Germinal (02-10-06)
SALVADOR
... Quienes entren en "Un rincón en la memoria", apartado libros, aún pueden encontrar la reseña que el 24 de febrero de 2002 hice sobre la aparición de la obra "Cuenta atrás" de F. Escribano, contando la vida (sobre todo lo relativo al final de sus días) de Salvador Puig Antich... Mañana, 15 de septiembre se estrena la peli "Salvador" basada en esta obra. Durante este tiempo he venido siguiendo noticias sobre el proyecto. También he seguido noticias sobre el empeño que se tiene (muy especialmente la familia, claro) de que la causa sea revisada y se reconozca el "error oficial", restableciendo la memoria y el buen nombre de Puig Antich. Todos los dos de marzo de cada año, y ya hace treinta y dos, he recordado aquel día del 74. Era el corazón de la década del cambio. Lo viví y lo recuerdo. Y lo que son las cosas, intenté adquirir una entrada gratuita para el preestreno, pero llegué tarde. Veré la peli. Ya hablaremos de su calidad, pero ya es importante que el hecho se ponga sobre la mesa de la opinión pública y que, nosotros los interesados en la memoria libertaria, exijamos que se pida perdón, que se rehabilite a estas víctimas también ¿o no?... Veré la peli y me quedaré en la garganta un ¡Viva la Anarquía!
Después de ver la película, Germinal nos comenta:

"...No sé si comenté en el Foro que había recogido una información en la página de Rebelión.org de un grupo de gente reivindicando la memoria no sólo de Puig Antich, sino de los componentes del MIL (recordemos que J. Marc Rouillan aún está en prisión en Francia. Desde 1987). En esta información se expresaba una queja sobre lo que consideran una visión edulcorada de la película. Bien, nunca llueve a gusto de todos.

Yo, como ya he manifestado recuerdo aquellos asuntos porque en aquel tiempo tenía 23 años y ya estaba en la ebullición política en la Universidad. Desconozco los entresijos de aquellos grupos de vanguardia (algún día deberíamos hacer un debate sobre la ingenuidad de determinadas luchas y momentos).

Sí es cierto que en la vida sindical, en los datos bibliográficos y en algunos testimonios he conocido algunas cosas más. Por tanto, tengo una opinión formada, aunque, no digo que no, quizá errónea.

La película, basada en la narración de F. Escribano (La cuenta atrás) es bastante fiel al relato y es, no hay que olvidarlo, sólo una película (que además ha optado a ser enviada a los Oscar. ¡Qué paradoja!, por cierto), no se trata de un documental o de un reportaje partidista.

Basándose en lo que se basa, el relato de Escribano, me ha parecido muy buena. Sé, porque lo he segudio siempre que ha aparecido alguna noticia, que la familia en su día tuvo reparos para consentir, y contribuir, a la publicación de la biografía. Hoy, al parecer, han visto con muy buenos ojos la realización de la peli. Seguramente piensan que ayudará a la lucha que, desde hace años, mantienen por la revisión del caso y la recuperación del buen nombre de Salvador Puig Antich. Y en verdad, creo que la peli puede contribuir a ello. Ahora, lo que debemos hacer, en mi opinión, es reivindicar de nuevo esta figura, cosa que si no, nadie va a hacer (y no sólo ésta figura, sino todas las del movimiento libertario. Empujar todos, sin partidismos). El viernes, sesión tarde/noche, en la sala que yo la vi estábamos a un tercio de ocupación...

Me ha gustado mucho. Una interpretación magnífica (sobre todo, claro, la del Daniel Brühl. Pero también la de Ulloa, la de Watling, la de Sbaraglia y la de los demás un poco más noveles). El guión es muy fiel en su resumen. La ambientación es muy buena (te traslada a aquella época) y la música estupenda. Al final, no grité de rabia, pero se me humedecieron los ojos mientras Llach cantaba "... Y si canto trist"... Vedla y hagámosla nuestra. Puig Antich murió y todos tuvimos un poco la culpa (unos más que otros, claro) al no saber o poderlo evitar, pero automáticamente, como Aquiles en aquella Iliada que él leía, se convirtió en inmortal. Como Sacco y Vanzatti, como Granado y Delgado, como tantos... Por cierto, los sátrapas también "agarrotaron" aquel 2 de marzo a H. Chez..."

Germinal

 
Germinal (16-09-06)
El Capitán Alatriste
... Al final, cuando al Tercio Viejo de Cartagena sólo le quedan muertos, heridos y magullados, una delegación de franceses del sitio de Rocroi se dirige a parlamentar bajo bandera blanca... Vienen a decir algo parecido a que "dice su Comandante que dado el enorme valor con el que han combatido los españoles, están dispuestos a aceptar una rendición con todos los honores"... El Capitán Alatriste (magullado, pero todavía con algo de voz) es uno de los pocos que puede contestar que "agradecen mucho la consideración de su Comandante, pero que son un Tercio Español y..."

Quizás ésa es la moraleja, tanto del relato como de la película: El sentido del deber, de la lealtad, del honor, de la valentía, a la hora de la verdad (que se diría en términos taurinos), ha residido en España, muy probablemente, siempre en el pueblo, mientras los gobernates y sus adláteres han sido sátrapas, déspotas, caprichosos, envidiosos, clerigalla, meapilas, beatería, autócratas, conspiradores, corruptos, etc. etc.

Una enorme producción la de Alatriste. No alcanza al Señor de los Anillos, por ejemplo, por razones económicas obvias, pero de verdad que es una gran producción. Los actores (impresionantes, no sólo Mortensen, sino Cámara, Echanove, Anaya, Ugalde, Noriega...), la fotografía, el guión (que no es fácil. Se ha hecho a partir de cinco volumnes publicados con un metraje de algo más de dos horas), los efectos especiales (quizá es donde se pueda notar más la escasez económica. Pues una producción de este tipo con 20 millones de euros da para lo que da), la ambientación, todo grandioso y de calidad.

Se recomienda.
 
 
El Taxista Ful
(El límite que nos impide vivir...)
AYANIMOF (18.06.2006)

Sobre un fundido en negro oímos la voz del protagonista: "A Barcelona vine con 12 años. Nos vinimos porque la miseria era muy grande. Compartíamos un piso de 60 metros cuadrados más de 20 personas. Así que cuando oigo hablar de la inmigración, pienso que es lo mismo, sean las personas de un país o de otro”.

De esta manera comienza la película de Jordi Solé (Barcelona 1968) inspirida en el caso real de un falso taxista que recorría las calles de Barcelona, lo que le sirve de hilo conductor para reflexionar sobre un drama cotidiano: La precariedad. “La precariedad entendida como ese límite que nos impide vivir. Un límite marcado por las condiciones de vida impuestas por la mundialización de la lógica inherente al capitalismo”.

Filmada a modo de falso documental, denuncia la injusticia de una sociedad que relega a los trabajadores que han cumplido cierta edad y tienen la desgracia de quedarse en paro, a mendigar, día tras día, un puesto de trabajo; lo que en muchos casos hace caer a estas personas en un estado de desesperación, de falta de estima, que les lleva a ser rechazados, incluso, por sus seres queridos.

El protagonista de este docudrama, en su intento por mantener la dignidad y poder seguir alimentando a su familia, lleva a cabo una idea absurda, tan absurda como el sistema que le oprime. En su huida de la “justicia” entablará amistad con un joven militante de grupos antisistema y, gracias a la solidaridad de éste, descubrirá que hay otras opciones, otras formas de vida, que poco a poco y no sin esfuerzo irá entendiendo. El contraste entre la forma de ver el mundo del protagonista y las personas que conoce, pertenecientes a organizaciones que denuncian el sistema capitalista como la llamada: “Dinero Gratis”, dará lugar a jugosos diálogos no exentos de irónica autocrítica.
En definitiva; ¿Qué puede hacer una persona con 52 años y sin trabajo en una sociedad que le ignora?

Tal vez tomar prestada una herramienta de trabajo, que en ese momento no utiliza nadie, y atravesar la noche de la gran ciudad tratando de agujerear la realidad.
¡¡¡¡SIGA AL GORILA!!!!

(o "de cómo a Peter Jackson se le fue la olla")

Gato Jazz (22-05-06)
Existió una vez un gordito simpático que soñaba con contar viejas historias. Aquellas que en su adolescencia le habían hecho soñar. Aquellas que en su fuero interno deseaba que alguien llevara a la pantalla de cine.

Este gordito simpático creció, y como nadie se animaba, y a él no se le daba en el fondo demasiado mal eso de hacer películas, se dijo: ¿por qué no yo?

Y se embarcó en la nada desdeñable tarea de filmar no uno, sino tres sueños.

"Tres anillos para los Reyes Elfos, bajo el cielo…"


Y al acabarlos, ni corto ni perezoso, se lió la manta a la cabeza, y la emprendió contra el gorila más "supervitaminado y mineralizado" de la historia del cine: el mítico rey Gorila, el "Gran" King Kong.

Si servidor ya salió más cabreado que una mona del estreno de "The Lord… por la ligereza y la irreverencia con que el señor Jackson había tratado la obra de Tolkien (posteriormente ya me he disculpado repetidas veces con Mr.Peter: "reconozco mi error y te beso el culo"), lo del gorila fue ya el acabose.


Y es que uno no puede dejar la imaginación fuera del cine, limitarse a abrir mucho los ojos y dejar entrar todo lo que director y guionistas hayan tenido a bien servir en 35 milímetros. No.
Uno tiene que meter la imaginación dentro del cine, y ponerse a "jorobar" la marrana mientras ve la película.
(Aviso de las autoridades: si ven a alguien con imaginación dentro de la sala, avisen al acomodador o al personal del cine, que procederán a su expulsión inmediata y tomarán las medidas que marca la ley).

Y con la imaginación, los prejuicios. Y las dudas. O Peter Jackson ha parido la broma más gloriosa desde aquella del "¡ganarás el pan con el sudor de tu frente!", o son ciertas las palabras que más repetí (entre carcajadas eso sí), mientras duró la proyección: "a Peter Jackson se le ha ido la olla".

Puede que haya tenido algo que ver que el gordito simpático y bonachón, que recogió con carretilla y alpargatas un millón de oscars hace nada, haya perdido peso, y con los kilos esa apariencia de hobbit que lució en un cameo memorable en la aldea de Bree.

O también un casting demencial. ¿Adrien Brody de aventurero intrépido?. Ya está bien que en El Pianista de Polansky yo me pasara gran parte de la película pensando cual de los miembros de Ketama era ese tío que salía delgadito y con barba. Pero es que en el Gorilón siempre que aparecía el Brody me lo imaginaba agarrado a una lata de pepinos, y claro, eso rompe cualquier climax.
También pensaba en qué momento dejó de crecer Billy Ellyot, para quedarse así de retaco.
Y eso que hay grandes aciertos. Un director de cine jeta donde los haya, con la frescura y el carácter del mejor John Houston. Parecían a punto de largarse a filmar la Reina de África.
O Andy Serkins, el grandioso Smeagol, o Gollum, que borda su papel de cocinero todoterreno. Escapa tú de una estampida de dinosaurios en un desfiladero sin que te pisen para terminar absurdamente devorado por una especie (¡esa es otra!) de solitaria gigante.

Y llegamos a nuestro prota, a King Kong. Si Jackson ha pretendido transformar a Kong en tópico amante americano, felicidades, bien por él. Porque lo ha conseguido. Crucero por mar, patinaje sobre hielo, paseos por Central Park, y como colofón, una cita en lo alto del Empire State. Parecía "Algo para recordar".

Ya en plena vorágine del absurdo, va Brody-Carmona y se monta en un taxi y pronuncia la frase que para mí resume el espíritu de toda la cinta: ¡siga al gorila!. Y el taxista, cabal donde los haya, le manda a mamarla a Parla.

Mi consejo es que Peter Jackson no deje las cosas a medias y que cuando la novia del gorila salga del hospital, (cuando uno recordaba a Jessica Lange seduciendo al gorila y esperaba algo a la altura va la bella de turno y se pone … ¡a hacer malabares!. Y menuda ensalada de hos… le mete el gorila a lo bobo mientras se partía el trasero de risa. Entre eso, y los meneos p'arriba y p'abajo que le arrea mientras pelea con los tres dinoloquesean, la chica habrá necesitado cuando menos un collarín), que cuando salga del hospital protagonicen un final como se merece la historia:

Matrimonio en las Vegas, y Cataratas del Niágara.


 

Ro(V)in Hook (24-04-2006)

V DE VENDETTA
Esta peli le gustará a nuestro amigo del foro Gato Jazz. Es una muy buena adaptación a la pantalla de un comic de David Lloyd sobre un futuro no muy lejano, lo que agrava la inquietud que el asunto nos aporta, dominado por un ejercicio del poder tiránico y fascistoide al que se ha llegado aprovechando el terror colectivo general y los todopoderosos medios de comunicación, especialmente visuales, de masas. Terriblemente cercano, terriblemente familiar.

La mano en el guión y la producción de los hermanos Wachowski se nota mucho y el espectador sale ganando de una estética futurista pero nada distante, muy cuidada, perfectamente adecuada para realzar el clima opresivo que preside y potencia el conjunto del film. También una magnífica fotografía contribuye al resultado final, con rojos, negros y blancos muy equilibrados y vistosos. Buena banda sonora, bien integrada en la imagen y subrayando la acción cuando hace falta.

Curiosamente se trata de el debut en la dirección de un tal James McTeigue, que sale francamente airoso y con nota del experimento y al que me parece la tarea de producción ha llevado en volandas. Solamente el diseño de producción de todo lo relacionado con la máscara y traje del anónimo protagonista, cargado de seducción en sí mismo, ya merece más de un premio a mi entender.No tardaremos en ver estas máscaras llenando los carnavales de nuestras ciudades. Secundarios como John Hurt y Stephen Fry estan sensacionales, Natalie Portman, nada principesca, coquetea con el auténtico lado oscuro de la Fuerza y lo padece, y uno de esos actores con cara de palo que tan bien lo hacen en cada uno de sus trabajos, Stephen Rea, repite en el papel de investigador cuasi honrado en un sistema que no le gusta pero que asume con profesionalidad. El rostro de este hombre es de los más secos, anodinos y tristones que recuerdo pero su talla como actor y su manejo del mismo, le hacen admirable.

Película para disfrutar de buenas escenas de acción y pelea, de ambientes secretos exquisitamente subterráneos cargados de objetos artísticos en un eclecticismo decorativo lujoso y elitista, del morbillo de la investigación, de explosiones como la del mismísimo Parlamento londinense, Big Ben incluido, con un realismo impecable. Un héroe anónimo tras su disfraz, atormentado, un fantasma del metro, un vengador, un subversivo insumiso que no ha cerrado los ojos al peligro que se asentaba en su sociedad como han hecho los demás, tenaz, vírico ¿Será capaz de lograr algo más que su vendetta?

Y una película que deja poso y hace pensar en la actualidad, en el camino por el que nos llevan o nos pueden llevar, a la que puedes volver y sacarle punta en muchas ocasiones, pues su contenido y las cargas de profundidad que aloja pueden tardar en explotar.


Casualmente la V encerrada en un círculo se parece, si le damos la vuelta, a una A encerrada en otro que nos puede ser muy conocida. Sobre todo si se trata de una producción de la Warner en colaboración con ANARCHOS Productions Inc, otra casualidad?

Os animo a verla, a comentarla y a recordarla. A Eranos le aviso que no le gustará. Pero él fue hippie y eso marca a cualquiera.

 
Ayanimof (15-04-2006)
OTROS TIEMPOS
Título original:Les temps qui changent
Año:2004 Duración:90 min. Francia

Reparto:
Catherine Deneuve -Cécile
Gerard Depardieu -Antoine
Gilbert Melki -Nathan
Lubna Azabal -Nadia/Aicha
Malik Zidi -Sami
Tanya Lopert -Rachel
Jabir Elomri -Said
Nabila Baraka -Nabila
Nadem Rachati -Bilal

Dirección:
Andre Techine

Guión:
Andre Techine
Aurent Guyot
Ascal Bonitzer

Música:
Juliette Garrigues

Reflexión sobre el paso del tiempo, sobre amor y renuncia, sobre la fuerza de los sentimientos, sobre la obsesión. Recuperar el tiempo perdido, volver al primer amor.

El autor ha elegido Tánger como escenario y a esta ciudad fronteriza entre Africa y Europa, donde conviven personas aferradas a su tradición con otras que miran hacia España con el anhelo de atravesar la franja de agua que les separa, acude Antoine con el pretexto de acelerar unos trabajos de construcción pero con el secreto objetivo de volver a ver a Cécile, su amor de juventud y su única gran pasión. Al mismo tiempo que vemos como Sami, hijo de Cécile, que necesita a Nadia para que dé equilibrio a su vida no puede frenar su atracción hacia el joven Bilal. Ante la frialdad y el rechazo de Cécile, casada con Nathan, un médico judío, más joven que ella, Antoine no dudará en recurrir a la brujería, a la magia que parece redimirle en el último momento.

Los simpatizantes del idioma de Victor Hugo tienen ocasión de ver la película en V.O.

Conste que no es una película perfecta. Valiente, como a veces el amor, pero no perfecta. Temeraria, como la pasión, pero no perfecta. En cualquier caso siempre quedan esas pequeñas nadas, como la canción que Cécile pone en su programa radiofónico:

"Ce sont ces petits riens qui me venaient de vous..."
 
Ayanimof
(03-04-06)
Azul oscuro casi negro
 

Ese color que a veces confundimos, lo que nos demuestra que no siempre percibimos las cosas como son. El engaño. El destino. Desafiar al destino a base de engañarnos. Jorge, el protagonista, asume lo que el destino le ha deparado, se siente responsable de ello hasta que inopinadamente conoce a una mujer que le hace replantearse su vida. Tal vez podría dejar toda esa carga que le atenaza, obviar todo lo que los demás esperan de él y dejarse llevar por el deseo.

Primer largometraje de Daniel Sánchez Arévalo (premiado por diversos cortometrajes) interpretado por jóvenes y convincentes actores. Drama con golpes de humor, como la vida misma.

Azul oscuro, pero en la oscuridad si abres bien los ojos, si sabes dilatar las pupilas, puedes captar algo de luz. Azul oscuro, muy oscuro a veces, casi negro, pero en el fondo Azul.

 
 
(08-03-2006)
Rosario Pi (primera directora española del cine sonoro español)

Nacida en Barcelona en 1899 fue desde siempre una mujer emprendedora. Presidenta de la productora Star Films, su primera producción sería un mediometraje (61 m) dirigido por Edgard Neville, ¡Yo quiero que me lleven a Hollywood! Edgar Neville explica: "Doña Rosario, a pesar de una ligera enfermedad que le hacía andar con un bastón, tenía alma de productora, pero carecía, desgraciadamente, de cuenta corriente. Nunca se pudo averiguar cómo movilizaba cada diez o quince días un operador, unas cajas de negativo, unos proyectores y demás personal técnico que necesita una película, por modesta que sea. Ni yo ni los artistas cobrábamos un céntimo, y lo hacíamos todo por afición, por ayudar a esta atrevida señora".

En 1935 dirige su primera película El gato montés y en 1938 (plena guerra civil) Molinos de viento.


 
Germinal
(22-02-2006)
BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE

Hasta ahora la imagen que teníamos de Clooney era de la de uno de los guaperas simpáticos de Hollywood. Un buen chaval. Bueno, pues nos ha hecho llegar esta peli en la que se nos muestra, además, como un creador muy interesante.

Dicen los críticos que el presupuesto del filme es una bagatela, unos siete millones de dólares. Y la verdad es que sí, que para lo que se gastan los yanquis en hacer superproducciones, no es dinero.

Con un guión magnífico y unos actores también magníficos (Clooney se muestra en un segundo plano, probablemente intencionado) rueda una película en blanco y negro y muy bien ambientada, con una música exquisita. Es la época de la caza de brujas en USA, o sea, la persecución del mundo intelectual (cine, música, periódicos...) por el senador McCarthy.

Se me antoja que vista desde el punto de vista europeo ésta es una película de las que llamaríamos "comprometida". Creo también, que es una película que vemos de forma muy diferente las personas politizadas y las que no lo están tanto (esto lo podemos discutir).

Para los politizados, nosotros, puede mover a unas reflexiones que, así que pasen las décadas, no cambian, es más, puede que estén de rabiosa actualidad. La censura de hoy, en el mundo occidental, no es, desde luego, de una paranoia tan explícita como la que se muestra en la peli, pero existe. Ya lo creo. Ahí estamos hoy día tratando de "controlar" los medios, aupando a los autores que "interesan" y "hundiendo" a los que no. Manipulando la información....Y tratando de definir, en fin, qué o qué deja de ser la libertad de información, ¿dónde empieza y acaba?

Vedla (sobre todo ahora que esta prohibido fumar. Veréis por qué).

 

GERMINAL (20-02-2006)

 

MUNICH

En 1972, en las Olimpiadas de Munich, un grupo de palestinos cometieron un atentado en la Villa Olímpica contra atletas israelíes. La película, como dice el cartel de anuncio, narra los hechos que vinieron después.

Es decir, el gobierno de Israel presidido por G. Meir, decidió responder al atentado localizando y "ajusticiando" a los 11 palestinos que, supuestamente, planearon o cometieron los sucesos.

Spielberg pone encima de la mesa el conflicto palestino-israelí. La lucha de cada uno por su territorio, las razones para ello, la lucha armada pura y dura (porque quizás no queda otra, al menos en ese momento), los servicios secretos, las mafias que hacen negocio de estos conflictos y que "trabajan" tan tranquilos para el que mejor paga, los fundamentalismos, las resistencias, el "ojo por ojo"...

Sinceramente no creo que Spielberg necesite hacer cosas como ésta por dinero (supongo que le sobra), de modo que quiero pensar que detrás está su interés como creador que lanza un grito de protesta, de "basta ya", de que esto no puede seguir así... Al parecer ya ha levantado una gran polémica en diferentes sectores (hasta nosotros en Occidente, llegan antes y más los de los judíos, pero también los habrá levantado entre palestinos).

Como no puede ser de otra forma, el filme está muy bien hecho, con un guión, creo, muy bien adaptado y una música (de J. Williams) espléndida. Los actores también están excelentes (muy bien Eric Bana, el Héctor de Troya).

Vedla y, a ver si aparte de algún Oscar, merece que polemicemos.

 
PAKUNIN (06-02-2006)
BROKEBACK MOUNTAIN
(en terreno vedado)
Es una interesante película y no porque sea muy premiada. Hay que despejar falsas ideas, es una historia de amor entre vaqueros homosexuales que no quieren reconocer su condición dado el entorno social que les rodea. Los acontecimientos se desarrollan entre 1963 y 1975, una época donde la condición de homosexual en el ambito rural y tradicional norteamericano no estaba nada aceptado. Hay una lucha feroz entre la llamada vida "normal" y la pasión y el amor entre estos dos hombres. Además la película nos muestra los sentimientos de las esposas de estos dos vaqueros y su relación con los hijos.
Los paisajes y los escenarios elegidos combinan perfectamente los elementos de belleza, opresión y desolación en la vida de los protagonistas. El ritmo lento y monotono a veces, nos muestra la vida rutinaria de trabajo, vuelta al hogar, hijos y esposa, con el único horizonte de la escapada para encontrar la relación que de verdad les llena.
El director es Ang Lee que tiene en su carrera unos trabajos interesantes y de temática muy diversa ("El banquete de boda", "Comer, beber, amar," "Sentido y sensibilidad", "La tormenta de hielo", "Tigre y Dragón", etc).

En una palabra que es buena esta película, puede parecer larga pero no lo es, una historia de amor vivida por homosexuales.

 
Germinal (16-11-05)
MATCH POINT

Quizá alguno de los que entráis en "un rincón para la memoria" ya me habréis leído mi incondicionalidad con W. Allen. Pues sí, en cuanto he podido me he metido para el cuerpo Match Point.

Sólo unas pequeñas pinceladas que añadir a la magnífica y entrañable reseña de Ayanimof. Esta vez nos encontramos con un Allen apartado de su "vis" cómica y de su inteligente manejo del sarcasmo. Nos encontramos con un Allen que, desde lo cotidiano, como siempre, nos propone un ejercicio filosófico lleno de rigor. Combinando algo tan de moda como el tenis con un argumento de F. Dostoiesky (igual me falta alguna letra) nos hace "viajar" hacia una polémica interesante: ¿Es más importante y decisivo el camino de la toma de decisiones, que tanto ha preocupado a psicólogos y terapeutas, o todo al final depende del puro y simple azar?...
Vedla. Maravillosos actores, claro está. Música, como siempre. Y Scarlett, aunque a mí las rubias no me dicen mucho, ¡Preciosa y genial! Igual Allen a redescubierto a Marilyn...
 
AYANIMOF (07-11-2005)
MATCH POINT
(La música del azar o como ganar un "tie-break" a cualquier precio)
15 a nada.- Woody cambia de campo. Ciertamente sus últimas obras se antojaban un tanto reiterativas y mostraban un evidente cansancio. El primer tanto a favor de Allen es haber sabido cambiar de escenario trasladándonse a Londres. Filmar a la orilla del Támesis le sienta de maravilla y el elenco de actores británicos cumple con acierto su cometido.Inquietante Jonathan Rhys-Meyers. Encantadora en su fragilidad Emily Mortimer.

30 a nada.- La trama, con su engañoso comienzo en clave de comedia, vira hacia un turbio drama. Y así podemos observar, en esta adaptación libre de "Crimen y Castigo" de Dostoievski, como se va complicando la ascensión, en la alta sociedad británica, del desclasado protagonista (profesor de tenis), a causa de su desmedida ambición, víctima de sus bajas pasiones.

40 a nada.- La película nos habla tambien del azar, de lo que puede la suerte influir en el destino de nuestras vidas. Sin embargo, estoy seguro de que no fue por azar que Allen eligiera como única actriz no británica a Scarlett Johansson, turbadora desde su primera aparición. Más bien quedaría prendado tras ver su ensoñador trabajo en "Lost in translation". Nuevo y gran acierto del entrañable director.
Juego para Woody.- Una más que agradable sorpresa, este reencuentro con el gran realizador, no tanto, quizás, para los que ya habíamos disfrutado con su obra de 1989 "Delitos y Faltas". En esta última entrega deja constancia de su inspirada madurez retomando el tema de la culpabilidad, del crimen sin castigo, denunciando esta sucia sociedad en la que, a diario, se cometen crímenes que no son castigados e incluso en más de una ocasión se ven generosamente recompensados. El metraje pasa por primera vez de las dos horas. Contiene las escenas de sexo más apasionadas de su carrera, resueltas, eso sí, con elegancia. Y como golpe final para conseguir el tanto definitivo: la música. Nada de jazz, que es cambiado acertadamente por fragmentos de ópera que se erigen en el subrayado perfecto a este drama contemporáneo con que nos obsequia el viejo amigo Woody Allen.
 

GERMINAL (05-11-2005)

 

Esta vez como he andado listo, quiero decir rápido, pues anoche fui al cine invitado por El País, que nos invita de vez en cuando a los suscriptores, eso sí, como digo, si andamos rápidos y nada más ver el anuncio llamamos
solicitando entradas.

La peli se llama "El jardinero fiel". Me pasó lo que nos advierte R. Hook hablándonos de El Método, que salí cabreado. Y pensando algo así como, "hay que ver lo que está pasando y yo discutiendo de beneficios sociales y de
oficinas sfp".

La peli está dirigida por Fernando Meirelles, el de "Ciudad de Dios", y el guión está basado en una novela de John Le Carré. Los principales protagonistas son Ralph Fiennes y Rachel Weisz.

Cuando acabó la proyección, la sala, llena de suscriptores de El País (os podéis imaginar que tipo de "ganado") quedó enmudecida. Daba la impresión de que habíamos asistido a un "golpazo", bellísimo creo yo, pero golpazo. La dirección es buena, el guión también, la interpretación magnífica y la música impresionante.


Pero hete aquí, que hoy veo el anuncio de su estreno en el periódico y en el mismo recogen algunas apreciaciones de los críticos de diferentes medios y han optado por resaltar que es una historia de amor o de acción. Bueno. También es una peli que denuncia la intervención canallesca de las multinacionales farmacéuticas (en este caso) en Africa, los modos del reparto de alimentos, la explotación laboral (si se le puede llamar laboral), la precariedad de infraestructuras, la hipocresía de los gobiernos occidentales al mirar a "otro lado" ante formas de dominio medieval (esta vez con armas automáticas)...


Vedla, disfrutad de sus paisajes, de los rostros de sus gentes, escuchad la música y... cabreaos, que el mundo nuevo que llevamos en nuestros corazones da para más que para beneficios sociales (perdón por la demagogia).

 
Robin Hook (28-10-2005)

 

 

EL METODO

 

 

Hay un tipo de cine cuya virtud es, precisamente, la de no diferenciarse de la realidad cotidiana. Si buscas evasión, no vayas a ver esta estupenda película o volverás el lunes a trabajar con la depre entre las cejas, salvo que seas delegado sindical, en cuyo caso, resulta una formación de obligado cumplimiento su visionado, y, además, ya estarás hecho al sufrimiento.

 

Un inteligente argumento, cargado de trampas, que mantiene tu interés hasta un final que dista de resultar evidente y del que no cometeré la torpeza de facilitarte siquiera una pista. Excelente labor de actores, diálogos intensos y naturalidad expresiva. Decorados fríos y que favorecen la opresión de los personajes realzando las tensiones entre los mismos. Contrapunto musical con algunas concesiones humorísticas que se agradecen. Buen guión y buena mano en la tarea de dirección y en el montaje. En resumen, equilibrio que se traduce en que al espectador se le hace corta una película que se desarrolla exclusivamente en interiores y que en algo recuerda "Doce hombres sin piedad".

Es de esas que dan que pensar durante muchos días, de las que vuelves a visitar con la memoria de cuando en cuando. Personajes que pareces conocer, bien definidos y encajables, incluso, con modelos a imitar en esta sociedad de triunfadores (?) y divinos de la muerte. Ejecutivos gladiadores, ratas del tamaño de Godzilla dispuestas y entrenadas para sobrevivir a base de alimentarse de entrañas ajenas, trepas tramposos atrapados en su propia trampa, prestigio social bien pagado a ritmo de "maricón el último", humillados gusanos ansiosos de humillar, póker de deshumanizados humanos de la cultura del éxito, gentes de pulso firme para moverse en el mundo de la empresa machacando a cualquiera sin miramientos, pisoteadores de sentimientos y dignidades; si esto no es directamente fascismo, se le parece mucho.

Podría haberse titulado "La parada de los monstruos" si Tod Browning no hubiese llegado antes, con la particularidad, de que estos nos dan más miedo.¡ Ojalá pudiesemos pensar que se trata de mera ficción!.

Si nuestros directivos tienen la mitad de las características de los protagonistas hemos de optar sin remedio por:

a) Prejubilarnos cuanto antes.
b) Consumir en los servicios la mayoría de nuestra jornada.
c) Presentar toda la batalla colectiva posible, sin reparar en armamento.

Personalmente, mucho antes de ver "El método" había elegido la tercera opción, pero, si aún no te habías decidido, esta película te dará el empujón definitivo.

 

 
MIDNIGHT COWBOY-John Schlesinger-(1969)
-Jon Voight//Dustin Hoffman

A través de la ventanilla del autocar vemos a Joe Buck abrazando el cuerpo inerte de su amigo Rizzo, vestido con una camisa de palmeras que, en la parada anterior, le había comprado para que complementara su sueño de llegar a Florida. La tristeza azul de los ojos de Joe se mezcla con los reflejos de la playa, símbolo del dorado sueño de Rizzo, que ha conseguido alcanzar sólo su cuerpo, pues la vida se la ha escapado durante el largo trayecto.

AYANIMOF
(12-10-2005)
Les rêves trompés. Broken dreams. Aferrarse a un sueño, en la desesperación, aunque nos vaya la vida en ello. Joe Buck ha dejado su mísero trabajo de friega platos, en un perdido pueblo de Texas, para ir a Nueva York, convencido de que su agraciado físico hará que las señoras de la gran ciudad caigan rendidas y le recompensen generosamente sus favores. Pero desde que inicia el viaje la terca realidad le irá golpeando. Las personas a las que se dirige no muestran mayor interés en él. Así que se aferra a su radio portátil como a una especie de talismán. Ya en la ciudad que nunca duerme, irá de un desengaño en otro, hasta acabar convertido en un cowboy de medianoche ofreciéndose en la calle 42. En su desorientación se topa con Rizzo, un patético personaje (una especie de Lazarillo de Tormes urbano) que sobrevive de la picaresca forjada en la inmundicia de tan injusta sociedad. Son dos perdedores que se unen en su fracaso, entablan amistad, y caminan juntos por el bulevar de los sueños rotos, perseguidos por los recuerdos de una triste infancia. Unen sus escasas fuerzas para seguir adelante, comparten una vivienda tan condenada como ellos y combaten el frío bailando en su desvencijado hogar.

Cuando parece que la cosa empieza a mejorar que, por fin, Joe podrá vivir de sus habilidades con las mujeres, la salud de Rizzo entra en un estado crítico y nuestro vaquero decide hacer realidad su sueño, empeña su querida radio e incluso vende su sangre para comprarle medicinas y dos billetes para el viaje en autocar a Florida, tierra soñada por Rizzo, el cual asegura que el Sol le sanará y que Joe encontrará tantas clientas como quiera.Se completa el círculo, y este segundo viaje ya sabéis como acaba ( ¿ o no?).

La belleza de las inolvidables escenas de esta película, tan inolvidables como sus dos personajes principales, se ve incrementada por la hermosa canción de Fred Neil que interpreta de forma magistral Harry Nilsson:

"Todo el mundo me habla
No oigo una sola palabra de lo que dicen
Tan sólo el eco de mi mente…
…Voy a donde el sol sigue brillando
sobre la copiosa lluvia
Donde el clima hace juego
con mi ropa…"

En cualquier caso, ¡que importa!, mis botas seguirán, siempre, reluciendo, porque, lo creáis o no, soy el Cowboy de la medianoche.
 
 
  AYANIMOF (01-10-2005) BLOW UP (1966)-Michelangelo Antonioni
 

The Yardbirds

The Yardbirds

Una escena :

Hay películas que pertenecen a una época determinada, que se muestran rehenes del tiempo en que fueron creadas. Sin embargo, algunas conservan un extraño encanto. Por ejemplo, una que no dudo en revisitar cuando tengo ocasión. Tal vez porque soy aficionado a la fotografía, también por la presencia de una joven, Vanessa Redgrave (¡que señora!),


 

por la acertada banda sonora de Herbie Hancock, pero sobre todo por una escena que justifica, por sí sola, su visión: el protagonista entra en una especie de local nocturno. Nada más abrir la puerta un creciente zumbido de guitarra lo invade todo. Keith Ralf se acerca al micrófono y comienza a cantar de forma hipnótica. La cámara nos muestra a los espectadores como una especie de zombis con la mirada fija en el escenario. Mientras nuestro hombre trata de abrirse paso entre el estático personal, la canción alcanza su punto máximo de ebullición y la yuxtaposición del sonido, "in crescendo", de las dos guitarras, te golpea en algún recóndito lugar del cerebro dejándote pegado al respaldo del asiento. Sólo vuelves en tí cuando empieza a fallar uno de los amplificadores y Jeff Beck, desesperado, lo golpea con su guitarra. Por supuesto, se trata de The Yardbirds interpretando su Stroll on.. El otro guitarrista es Jimmy Page, poco antes de iniciar su glorioso vuelo en Zeppelín, pero eso es otra historia.

 
 
PAKUNIN (05-10-05)  

PRINCESAS
Fernando León de Aranoa

Me sentí inquieto, nervioso, emocionado, molesto, le acabé cogiendo manía al dichoso sonido del móvil. Bueno, pues todo eso lo consigue la película Princesas de León de Aranoa. Desasosiego esa es la sensación, la palabra que la define. Creo que eso debe ser cine, no me extiendo, ya está todo dicho, es una película impecable en todos sus apartados: dirección, actrices, guión, música, etc. Hubiera sido fácil cargar las tintas en la violencia, pero sin embargo de una manera sutil, sin mostrarla consigue transmitirla. No es una historia bonita, no puede serlo, es una de las muchas historias que viven aquellas personas que nos rodean, aunque la mayoría de las veces sean para nosotros "invisibles", nos molesta. Desde luego la prostitución sigue siendo un asunto que si no es ya tabú como en otras épocas, procuramos pasar de él o hacer un chiste fácil. Es una asignatura pendiente, para todos y todas, y esta es una buena ocasión para empezar el debate.

 

 
GERMINAL (29-09-05)

PRINCESAS

Fernando León nos ha vuelto a poner en las pantallas una de las historias habituales con las que, nos guste o no, convivimos. Una de esas situaciones a las que todos nos referimos con eufemismos, con sonrisas, cómplices o no... Puestos a utilizar eufemismos, él ha utilizado uno encantador, "Princesas". El debate está servido. ¿Hablamos de sordidez? ¿Hablamos de algo deleznable? ¿Hablamos de necesidad?... Hay personajes para todos los gustos.

La peli es sencilla a la par que magistral, probablemente se trate del cine heredero de los realismos español e italiano. Buen cine, buen guión, buenos actores... y las princesas, preciosas... Vedla.


LAS MUJERES INVISIBLES (Fernando León de Aranoa) "Princesas "

Las mujeres invisibles no existen, no trabajan en la casa de campo cada noche, no pasean casi desnudas entre sus árboles asombrados, como de bosque encantado venido a menos. Podréis verlas allí, haciendo equilibrios sobre la cuerda floja de sus arcenes, paseando inestables, hermosas, entre el caudal lento y metalizado de los coches. Podréis verlas, pero en realidad no estarán ahí. No tienen papeles que lo demustren, que les den la identidad y la vida, el derecho a caminar por las calles sin miedo a los uniformes. Tampoco su trabajo existe, aunque pagan a diario los altos impuestos de la precariedad, la triple cuota diaria de la persecución y el dolor, triple por mujeres, por ilegales, por putas. Tienen tantos jefes al día como clientes abrazan su fe y los riestgos laborales que asumen son tan grandes que de saberse, harían enrojecer a sindicatos, ministros y primeros de mayo

Las mujeres invisibles carecen además de voz. Oiréis a muchos hablr en su nombre, nunca a ellas. Cuando las quieran salvar, cuando las quieran proteger, cuando las quieran esconder, cuando las quieran echar, tampoco podréis escucharlas, porque nadie les pregunta, nada, nunca.

Sin embargo, cada noche, en la casa de campo, sale vaho de sus bocas cuando ríen, reunidas en torno a la hoguera cómplice de su conversación. Si escucharais con atención las oiríais hablar con una ternura desacostumbrada de sus novios, de sus hijos, de lo que la vida tiene aún reservado para ellas; las oiríais discutir, prometer, lamentarse a veces, aunque discretamente, sin perjuicio de la alegría. Si escucharais, las oiríais también celebrar su cumpleaños un día, con un pollo rostizado comprado a los ambulantes que frecuentan sus espacios. Luego el brindis emocionado, cerveza y plástico, las palabras que se anudan en la garganta, los aplausos y las risas, los bolsillos de la memoria cedidos ya a fuerza de tanta ausencia.

Mientras, a su espalda, el horizonte soberbio de la ciudad, con sus torres de cristal, duerme tranquilo, ajeno a todo, también a su propia fragilidad. Pero allí arriba, arriba, está la vida, hablando en muchas lenguas distintas el idioma común de la esperanza. Son las mujeres invisibles. No las podréis ver pero son, tal vez, lo único real.

 
 

AYANIMOF (06-08-05)

REVISITAR EL BUEN CINE. REVISITAR LA BELLEZA


Tres colores: Rojo. El color de la fraternidad, de la solidaridad. En cada fotograma el rojo, en cada fotograma: la vida, con sus muchos contras y algún pro, pero vida al fin. Vidas que se cruzan, que se entrelazan, como esos cables telefónicos del comienzo, como si girasen en una noria sin fin. Pero siempre hay esperanza. A pesar de que su avanzada enfermedad le anunciaba que el fin estaba cerca, quiso Kieslowski regalarnos este canto final a la esperanza representado en la figura del juez, que vive aislado, renegado del mundo, y sólo disfruta espiando las miserias ajenas reflejadas en conversaciones telefónicas.

Nunca somos del todo dueños de nuestras vidas. Estamos sometidos a diversas influencias y también al azar. Sí, al azar (pregúntale a Paul Auster). Y es por azar, por una inopinada circunstancia que el juez recibe la visita de una enigmática joven, Valentina, que le hará replantearse su postura, que le devolverá la fe en la humanidad, o al menos en algún ser humano. Nunca sabe uno. A veces lo vemos todo tan oscuro que llegamos a convencernos de que ya no queda esperanza. Craso error. Hay que seguir adelante ("walk on, walk on with hope in your heart and you'll never walk alone) porque de vez en cuando la vida toma conmigo café. Sí, de veras. Y está tan bonita que (no te lo puedes imaginar) da gusto verla.

En una escena, ella le cuenta que está muy preocupada por la vida que lleva su hermano, por sus problemas de drogadicción, y se muestra desesperada:-¿Qué puedo hacer?- "Sea"- .-¿Cómo?- Sí, que sea usted misma. Lo mejor que puede hacer por los demás es: ser usted misma. Gran enseñanza, condensada en tres letras. Más de una vez nos hemos visto inmersos en algo parecido y efectivamente si nuestra desesperación nos lleva a dejar de ser nosotros mismos, a caer también en la degeneración de nuestra forma de ser, poco podremos ayudar.

Y así vemos como el juez se redime a través del amor que empieza a sentir por la joven. Abandona incluso su voluntario encierro. Sale. Se enfrenta de nuevo a la vida y propicia que la protagonista coincida en su viaje con un joven, cuyas conversaciones telefónicas ha espiado. Auguste, una especie de alter ego del juez. El juez con treinta años menos. Se siente feliz contribuyendo a que la persona que le ha devuelto la esperanza conozca a alguien con quien vivir hermosos momentos.

Tres colores: Rojo. Una vez vista la película, el color de la belleza.

 
 

Germinal (04-07-2005)

 

"Tapas"

J. Corbacho y J. Cruz.

 

 

Buena de verdad. Se trata de una peli tragicómica que, partiendo, de un retrato muy auténtico de lo cotidiano, nos puede permitir elucubrar o filosofar con "qué pasaría si... o que pasa si me reconduzco, rectifico y veo". En fin.

 

 

 

 

Otra cosilla ya no se puede ver. Ha sido la representación de Julius Caesar bajo la dirección de D. Warner. ¿Actores?, qué deciros. La escuela inglesa es lo que es (y eso que la argentina en nuestro entorno no le va a la zaga). ¿El montaje? Parece ser que a ciertos "entendidos" no les hagustado mucho. A mí me ha encantado. ¿El texto?, pues bueno, después de ver estas cosas a uno le dan ganas de quedarse en Shakespeare. Ahí está todo ya, demás, en vigor. Y mira que ha llovido...

 

RAKEL (02-06-2005)

HABANA BLUES, dirigida por Benito Zambrano

Es una historia centrada en el mundo de los músicos en Cuba, concretamente en la Habana. Dos amigos, Ruy y Tito, sueñan con triunfar. Y justo cuando están preparando su primer concierto, aparecen unos productores españoles que les proponen grabar discos fuera de Cuba con determinadas condiciones, oferta que les hará cuestionarse su vida, sus afectos y pondrá a prueba su gran amistad.

La película está hecha en tono semidocumental, con lo que nos transmite, de forma magistral, la vida cotidiana de la Isla, con las carencias motivadas por el largo bloqueo económico que vienen padeciendo los cubanos, al mismo tiempo que se nos muestra la gran vitalidad y alegría de vivir que tienen, resaltando sobre todo la enorme dignidad con la que afrontan una vida de precariedad.

Es un canto a la amistad y a los sentimientos profundos que se dan en las relaciones entre ellos, mostrando el especial cariño que hay entre nieto y abuela, hermanos, hijos, primos o amigos, tan lejos del individualismo e indiferencia instalados en los países del "mundo capitalista", donde se poseen muchas cosas, pero se carece de las fundamentales: dignidad y alegría de vivir.

Benito Zambrano estudió cine en Cuba y dice que con esta película ha querido hacer un homenaje a ese país que le dio tanto. También dice que no ha querido hacer un filme de buenos y malos. Por ello plasma, sin juzgarlos, tanto a los que quieren salir de la isla con la esperanza de un mundo mejor, como a los que quieren quedarse, entendiendo que allí están sus raíces y su "modus vivendi", a pesar de la falta de medios con que se encuentran.

La música es el hilo conductor de la película, mostrándonos una sociedad viva. Dice Zambrano que "fue a Cuba en busca de trovadores y cantautores y se encontró con un mundo contracultural, potente, casi marginal y underground de grupos de rock, hip-hop, reggae y heavy metal, una juventud creativa y superviviente, que se mueven en pocos espacios, pero muy poderosos". Es una radiografía de Cuba, sobre todo de la realidad social de buena parte de la juventud, que a pesar de las dificultades económicas, están viviendo al margen de la revolución, buscando espacios de libertad a través de la música.

La banda sonora es sensacional, con 18 temas originales cautiva desde el inicio hasta el último título de crédito que aparece en pantalla, dejando a los espectadores clavados en los asientos hasta escuchar la última nota.


 
PAKUNIN (19-05-2005)

 

HABANA BLUES

 

Es la segunda película de Benito Zambrano, director de Solas (1999) y desde luego no decepciona. Continua explorando las relaciones humanas y los sentimientos a través de historias que enganchan en un clima cotidiano. No es solo una película musical, aunque la música que se hace en la isla y que es tan alternativa como la que podemos escuchar en cualquier lugar del mundo esta presente, y es diferente a la que podíamos esperar. Hay una historia de fondo, donde hombres y mujeres viven su vida, aman y sueñan. En ningún momento, y es una tentación, se convierte en un panfleto anticastristas, aunque salen algunas pinceladas de la miseria que se vive en la isla. La Habana, con sus miserias y grandezas solo es un telón de fondo sobre el que se desarrolla la vida Tampoco es un canto a Cuba, en todo caso destacaría la dignidad y la entereza de los protagonistas para vivir sus sueños y para afrontar los retos que presenta la vida.


 

PAKUNIN (11.04.05)

 

ENTRE COPAS



Es una magnífica película dirigida por Alexander Payne y protagonizada en sus principales papeles por Paul Giamatti, Thomas Haden Church y Virginia Madsen. La historia nos presenta a dos prototipos de hombres: Miles, es un escritor fracasado, catador de vinos, divorciado, traumatizado, incapaz de olvidar a su antigua pareja y de disfrutar de las maravillas que le rodean. Por otro lado Jack, un actor fracasado a punto de casarse, catador de mujeres y sin ningún complejo ante los problemas que ofrece la vida. Una bonita historia en la cual todos podemos vernos reflejados en unos casos por excesiva timidez y falta de valoración, y en otros casos por exceso de autosuficiencia. Los dos personajes encerrados en si mismo, olvidan que pueden herir a las personas que les rodean. Una divertida historia donde nos invitan a disfrutar de la vida sin necesidad de hacer méritos, aceptándonos tal y como somos. Una película que merece la pena ver en compañía para poder comentar después.
 

AYANIMOF (07.02.05)

 

MILLION DOLLAR BABY
(La Espléndida Madurez de Clint Eastwood)

 

Quien acuda a ver esta película pensando en un Rocky en versión femenina se llevará una sorpresa, pues la historia que se nos cuenta, basada en un relato corto, 40 páginas, de un exparcheador de boxeadores (los que se dedican a curarles las heridas entre un asalto y otro), llamado Jerry Boyd , con magnífico guión de Paul Harris, utiliza el mundo del boxeo como máscara, haciendo del cuadrilátero una metáfora de la vida y sus heridas de difícil cicatrización. De hecho Frankie, memorable personaje atormentado que caracteriza de
forma magistral un veterano Eastwood , experto en cortar las hemorragias de sus pupilos para que puedan combatir en el siguiente asalto, es incapaz de cerrar esa herida profunda, producida por la negativa de su hija a contestar las cartas que semanalmente envía y que le son irremediablemente devueltas. Una herida que no para de supurar y que le hace acudir diariamente a la iglesia en búsqueda de consuelo. Ha cometido algún grave error en el pasado, que el espectador desconoce y que su hija es incapaz de perdonarle. Este hecho ha provocado su distanciamiento del resto de los mortales, aplicando para sí el lema que repite a todos sus boxeadores: ¡Protégete!. Su única relación con el mundo es a través del gimnasio que regenta, por el que pululan personajes marginales en busca de un sueño que difícilmente conseguirán, como es el caso del enternecedor Peligro y a cuyo mantenimiento le ayuda su viejo amigo Scrap (que encarna con su habitual maestría Morgan Freeman). A este gimnasio llega una chica, Maggie, de miserable existencia, dispuesta a cambiar su suerte triunfando en tan duro deporte. Frankie mantiene su lema de protegerse y la despacha con un: "Yo no entreno a chicas", pero la tenacidad de la muchacha, ayudada por Scrap, que resiste sus desprecios y las mofas de los compañeros, le hace cambiar de opinión. Digamos que, por primera en 23 años, baja la guardia y se verá obligado a afrontar las consecuencias.

Algunas claves de la película son:
-REDENCION: La que Frankie, por fin, encuentra en esa especie de adopción de Maggie que viene a llenar
el doloroso vacío de la ausencia de su verdadera hija.
-TENACIDAD: La que tiene Maggie (inolvidable interpretación de Hilary Swank) que se aferra a su última oportunidad de cambiar su miserable existencia.
-AMISTAD: La que existe entre Scrap y Frankie aunque nunca se lo digan. (Dos seres golpeados, dentro y fuera del ring, que ocultan sus sentimientos)
-AMOR: El que se establece entre Maggie, que busca alguien que crea en ella, atormentada por la pronta pérdida de su padre y el rechazo de su madre, y Frankie que encuentra en Maggie a la hija perdida.

Cine en estado puro, filmado con maestría, con esa sobriedad , esa aparente sencillez de la que hace gala
Clint Eastwood. Magníficos interiores en claroscuros cuando el protagonista, curtido en mil batallas, tiene que tomar la decisión más difícil de su vida, a sabiendas de que haga lo que haga, nunca volverá a ser el mismo. Nada volverá a ser igual. Las luces y las sombras que le atenazan.
Eastwood resuelve la película con valentía. Nos regala algo más de dos horas de cine clásico, nos hace tomar partido, nos pone contra las cuerdas. Filmada en sólo 37 días y con un presupuesto cuatro veces inferior al de El Aviador; ahora que en Hollywood imperan los efectos especiales, las superproducciones pretendidamente históricas, encarnadas por guapitos de moda, muy poco creíbles para este humilde aficionado, o las biografías descafeinadas con las que pretenden que nos interesemos por la vida de multimillonarios cuya mayor preocupación era la de pilotar aviones y seducir mujeres famosas; la película de Eastwood nos habla de las relaciones humanas, de la soledad, de personajes reales, que se mueven a ras de tierra, que saltan a diario al ring de la vida, aferrados a un sueño que se les escapa.
 

(26-11-04)

Rejas en la memoria (2004)


Documental en el que hablan las víctimas del franquismo. Imágenes de archivo, algunas inéditas, testimonio de políticos, periodistas e historiadores sobre los sucesos en más de 100 campos de concentración en los que se obligó a trabajos forzados sólamente por pensar diferente.

 

 

Hay motivo (2004)

Treinta y dos cortometrajes de tres minutos, temas que van desde la manipulación de los medios de comunicación al problema de la educación, la sanidad, los malos tratos o la inmigración.

http://www.haymotivo.com/es/cortos.html

 

 

A.Citta (19-08-04)

LA GRAN SEDUCCIÓN
(Una comedia irresitible que nos habla del aislamiento y la dignidad humana... Un cuento universal)

Al final todo se sabe.

Un grupo de gente cansada, aburrida de su destino en un lugar perdido, desea salir de su abatimiento, buscar su dignidad. Construyen una falsa realidad, investigan, mienten, actúan. Todos participan con una fuerza y energía que dan envidia. A través de una mentira logran que se entienda su verdad y modificar su tediosa vida.

Después, si la película continuara ¿serían capaces de autogestionar la nueva fábrica construída con la misma creatividad? o ¿dejarían de luchar y se someterían a cada vez más horas de trabajo convertidas ya en tedio y aburrimiento?

 

AYANIMOF (26-04-04)

EL PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES
(Principio, y fin, de los mandos intermedios)
Ver ficha técnica

Algunas mañanas, un compañero situado a mi izquierda, física que no ideológica, a modo de chanza, pregunta:¿Sabes tú si lo de Viriato fue crimen o asesinato?
Yo siempre le contesto: "Está muy claro, tío, le mataron 3 mandos intermedios".

Precisamente una mando intermedio (gran hallazgo para los empresarios en el escalafón laboral) es el eje sobre el que gira la historia de Belén Gopegui convertida en recomendable película bajo la dirección de Gerardo Herrero.

Sonia, tal es el nombre de la protagonista, comienza a plantearse si merece la pena su ritmo de vida, que la está alejando de sus seres queridos, en pos del éxito profesional, mientras se deteriora cada vez más su relación familiar.

En una escena, que define perfectamente este sentimiento, la vemos mirando con fijación a un exprimidor industrial de naranjas ( de esos que tienen en ciertas cafeterias) y ,sin necesidad de palabras, leemos en su mirada lo que se está preguntando:

¿Cuánto más me van a exprimir? ¿ A cuantos más tendré que exprimir para seguir escalando?. A partir de aquí las cosas se van complicando cuando su amiga Rocío a la que ella ha recomendado para un puesto en la empresa se convierte en su competidora. Pero no voy a contaros más; tan sólo destacar una escena , protagonizada de forma excelente por Vicky Peña, que venciendo el miedo se decide, por fin, a hablar de manera tan clara y sencilla como emotiva, soltando toda la frustración acumulada, al comprobar que sus muchos trienios de entrega a la empresa sólo sirven para que la quieran eliminar sin ningún miramiento.

Gerardo Herrero dirige buscando la máxima naturalidad.Tanto es así que, en algunas ocasiones, los actores miran directamente a la cámara y te hablan. Sí, te hablan a ti que estás en el tramo final de tu vida laboral y un poco de vuelta de todo, pero tambien y sobre todo a ti que estás comenzando o llevas ya algunos años en este mundillo y sientes la tentación, si es que no has caído ya en ella, de dejarte llevar por los cantos de sirena del éxito profesional y la escalada rápida, en el escalafón, a cualquier precio.

En definitiva, si sientes que eres algo más que un número, si te niegas a ser otro ladrillo más en el muro, si estás convencido de que la dignidad no es sólo una palabra...

¡ Haz caso a Germinal y no dejes de verla¡

 

 

Germinal (22-04-2004)

"El principio de Arquímedes"... (Para flotar hay que empujar)...



Es una peli para nosotros, los de la CGT, pero también para los que se emocionan y no les importa que se les escape una lágrima, para los que piensan que un beso es revolucionario, para los que creen que hay que ir más allá de la negociación, para los que consideran que un trabajo no es el lugar en el que se sufre, para los que no quieren ser exprimidos, para los que no quieren ser víctimas, para los que luchan contra los aprovechados, para los que gustan de la verdad, para los que piensan en defenderse, para los que a lo personal oponen lo colectivo, para los que aman la literatura, para los que los hijos no son una carga, para los que la nómina abultada no es un éxito, para los que están contra la optimización de resultados, para los que piensan que los humanos no somos recursos, para los que pueden contribuir por pequeño que sea su esfuerzo, para los que no estamos locos de "su" locura, para los que creen que el Estado les explota... para los que, seguramente son pocos, pero TIENEN UN NOMBRE. No dejéis de verla



 

Luis García Dadebat (09-02-2004)

21 GRAMOS

Al parecer según las creencias de alguna cultura antigua, en el momento de expirar el peso del cuerpo humano disminuía en 21 gramos. Este parece ser el peso del alma. Es un asunto curioso.

El director mexicano Alejandro González de Iñárritu reflexiona sobre la existencia y la muerte desde unos personajes unidos por un suceso trágico en el que, de una u otra forma, se ven todos envueltos.

Es el segundo largometraje de éste director. El primero fue Amores perros. También participó con 11 minutos en el largometraje colectivo "1.09.01. 11 de septiembre".

21 gramos me parece una película muy recomendable. Durante 125 minutos Iñárritu muestra un sentido particular de la vida y de la muerte, muchas veces vehemente y apasionado.

El puzzle formado por los personajes y complementado con saltos adelante y atrás en el tiempo, se va componiendo en nuestras cabezas en un tránsito, a veces convulso, entre la desesperación y la esperanza.

 

Germinal (31-12-2003)

Cita anual con Woody Allen y su nueva novela, perdón película, "Todo lo demás" (Anything else)...Realmente se debería titular, "Qué difícil es ser bueno", te pueden terminar llamando terrorista... Ah, por cierto, sale una actuación de Diana Krall. No dejéis de verla, qué más os puedo decir?


 

BOWLING FOR COLUMBINE

Miedo. Miedo a un posible enemigo exterior. Miedo al vecino.
Miedo a todo. La cultura del miedo que ha empujado a un pueblo,
el de los Estados Unidos de América, a armarse hasta los dientes.
Esto es lo que refleja Michael Moore en su admirable documental
de dos horas de duración que se ven sin pestañear. Y así nos cuenta que el miedo que sienten los norteamericanos se remonta a la época en que la población de esclavos llegó a ser de cuatro millones.

Pero en esto llegó Samuel Colt (1863) con un invento llamado revólver que permitía efectuar hasta seis tiros seguidos, algo imposible hasta ese momento. Con tan bonito artefacto los blancos del Sur mantuvieron la esclavitud 25 años más. Además fue una gran ayuda para exterminar a los indios. Por el miedo  fundaron el Ku Klux Klan y poco después la Asociación Nacional del Rifle, que pretendía que las armas las tuvieran exclusivamente los blancos, de tal forma que gran parte de los 250 millones de pistolas  y fusiles existentes en USA son propiedad de los blancos que viven atrincherados en barrios residenciales donde acaban empleándolas contra ellos mismos.

Esta paranoia se fomenta desde los medios de comunicación y las declaraciones de un presidente que amenaza con un imperio del mal dispuesto a atacarles. Desgraciadamente esta locura tratan de exportarla a todo el planeta pasando de las pistolas a los misiles y las bombas nucleares. Algo que tristemente estamos volviendo a comprobar con esta maldita guerra pues la consecuencia que deben de estar sacando muchos países es la siguiente: "Armate lo más que puedas para que no te ataquen".

Así nos encontramos en el año 2003 con unos paises que cada vez gastan más en armamento mientras en otros la población muere a diario de inanición.

El curioso título se basa en el hecho de que los dos estudiantes que entraron disparando en el instituto de enseñanza secundaria de Columbine en 1999 y asesinaron a doce estudiantes y un profesor, habían estado por la mañana en su clase de bolos.

Bowling for Columbine. Jugando a los bolos en Columbine.
Bowling for Irak. Jugando a los bolos en Irak.
¡Ya podrán!. Que fácil es hacer pleno (en seres humanos) con "bombas racimo".

¡QUE VERGÜENZA!
  

AYANIMOF

Las Horas

Tres mujeres. Un día. Tres vidas en un día

Buena música envolviendo las tres vidas

Buena interpretación

Lenta e inteligente.

Al final... una sola historia.


"Las horas" The hours EE.UU., 2002, 114'

Dirección
Stephen Daldry

Producción:
Scott Rudin, Robert Fox

Guión:
David Hare, basado en la novela de Michael Cunningham

Fotografía:
Seamus McGarvey

Música:
Philip Glass

Montaje:
Peter Boyle

Protagonistas:
Nicole Kidman, Meryl Streep, Julianne Moore, Ed Harris, Toni Colette, Claire Danes, Jeff Daniels, Stephen Dillane, Miranda Richardson, John C. Reilly y Allison Janney

Género
Drama

 
A.Citta

UNA CASA DE LOCOS

La película de Cédric Klapisch trata el tema de la convivencia entre estudiantes con la beca Erasmus, con un argumento en el que siete universitarios de distinta nacionalidad comparten piso en Barcelona.

La historia principal que vamos siguiendo es la de un joven francés estudiante de economía que viaja a Barcelona con la beca Erasmus y comparte piso con otros seis estudiantes: un alemán, un italiano, una inglesa, una belga, una española y un danés.

Pese a que pueda parecer que se pasa por encima de los personajes sin profundizar mucho en ellos, yo creo que lo que hace la película es meter al espectador en la piel del protagonista, sufriendo todas sus dudas y observando

su evolución desde que coge ese avión para España hasta que regresa a París, y dentro de ese papel sólo profundiza en los personajes que tienen una mayor relación con Xavier, el protagonista francés, que son Wendy, la estudiante inglesa, y la estudiante belga con la que comparte habitación.

De ese modo nos pone en una situación en la que nosotros, los espectadores, sabemos lo mismo que Xavier y además llegamos a sentir como él esa tristeza cuando se marcha de España o ese agobio horrible, al final de la película, cuando se ve sentado en un despacho para el resto de su vida. Situación en la que todos pensamos "¡huye!", y no nos decepciona.

Además esta película tiene el encanto cotidiano y acogedor de las películas francesas, que hace sentir cómodo al espectador durante dos horas, en las que seguro pasarás un buen rato, y no te arrepentirás de haber ido a verla.

Dafne

"Un final made in Hollywoood" de W. Allen.

Antes que nada una confesión: Aunque parezca una vulgaridad, me encanta el Cine. Por comodidad y quizá por la televisión voy muchísimo menos de lo que me gustaría. Como además tengo una perra maravillosa a la que me cuesta dejar sola (me entenderán quines tengan perro), pues la verdad es que voy poco. Pero cuando llega la cita anual de Woody, casi que lo dejo todo y acudo de inmediato a ver que me cuenta.

Yo me quiero imaginar al Sr. Allen escondido tras sus gafas y que de pronto, aunque la regularidad con que lo hace parezca un encargo, se le ocurre un chiste. Va y llama a su Productor habitual, se lo cuenta y deciden llamar a los del Casting y se hacen una peli que, una vez más, resulta maravillosa y que pone a los críticos en el brete de intentar descifrar algo nuevo. Los de su País han optado directamente por ponerle a "caer de un burro". Aquí, los de Europa, nos limitamos a decir que genial, maravilloso, que recuerda mucho a tal y cual, incluso hay alguno que le saca defectos.


Esta vez el elenco de actores es poco conocido, salvo G. Hamilton al que le propina un papelito magnífico, pero vaya trabajito que se hacen.

El guión encierra la ceguera como moraleja (por cierto, el final del chiste, estupendo). Una ceguera psicosomática nos sirve para ver cómo un director genial venido a menos tras inmensos fracasos, tanto personales como profesionales, es capaz de transformarse desde ese estado de invalidez transitoria. Y así, el Sr. Allen, nuestro amigo Woody que anda estos días por aquí "alucinando" con premios y príncipes se nos vuelve a mostrar como el gran iconoclasta que es, el estupendo ácrata que lleva dentro. La ironía y el desenfado amigos. Esas sí que son armas peligrosas. Hacedme caso, moved el culo y vedla.

Germinal

He visto la película" LOS LUNES AL SOL" y sin menoscabo de una buena interpretación por todos los actores, el guión me ha parecido pésimo. ¿Todavía da de si la plañidera de FULL MONTY?

MESSIDOR

LOS LUNES AL SOL de Fernando León

Hay una escena en la película en la que uno de los protagonistas (magníficio Javier Bardem) se encuentra a una conocida que lleva al médico a su pequeño hijo. Santa (el nombre del personaje de Bardem) le coge el sobre de las radiografías, que según le dice la madre son del brazo del niño, y con cara seria las mira al tiempo que la madre le pregunta si es médico. No, contesta él, trabajé en un hospital...Tras un breve silencio, concluye "a mi me parecen normales"...

Se me antoja, quizás sea sólo lo que me parece a mi, que eso es lo que pretende hacer Fernando León con su película, una radiografía del paro y lo que es más, que parezca normal. Esa para mí es la moraleja, que el fenómeno del paro se ha instalado en nuestras vidas y parece "normal" y claro, como es normal, es lógico, inevitable, ¿o no?


Como nos tiene acostumbrados con sus anteriores trabajos, Fernando León hace buen cine con poco presupuesto (como me decía un amigo quizás estemos ante el Ken Loach español). Hay varios de los actores que ni siquiera son conocidos por el gran público. El guión es espléndido. Asistimos a una película de las llamadas corales en la que se cruzan diferentes historias partiendo de un grupo de compañeros despedidos de unos astilleros. El del Comité ha puesto un bar con la indemnización, alguno ha encontrado otro trabajo y los más se dedican a deambular y sobrevivir con el vino, con los sablazos, con no pagar o con la que gana su mujer en un contrato temporal. Se nos va mostrando cómo los parados pasan a formar una "casta" en el entramado social y cómo comienzan a "acostumbrarse" y a "abandonarse" hasta llegar al suicidio, a tener miedo por la mujer que les abandona o se plantea hacerlo porque no aguanta, por no ser jóvenes o por no ser "sujetos activos" y no tener derecho a un crédito (memorable la secuencia del Banco).

Dicen los de El País en la publicidad de la peli que entretiene, que divierte, que emociona...Yo creo que también deprime, al menos si se ve solo. Así que quizás sea recomendable ir acompañado de alguien agradable...En cualquier caso, una peli muy recomendable. He dicho.

Germinal.


"Los lunes al sol"

Un lunes, un compañero me dice que tengo que ver la última película de Fernando León de Aranoa, "Los lunes al sol" ya que en los títulos del final aparece un agradecimiento a la CGT.

He visto la película. La sonrisa es casi constante.

Si vas a verla, intenta "ser" los personajes. Observa lo que ocurre en ese espacio real para ellos.

Si en algún momento quisieras atravesar la pantalla para colocar objetos en espacios vacíos (una toalla), no porque lo material sea lo importante, si no por lo que significa esa ausencia.

O si notas que tu cuerpo es dominado por la indignación.

Entonces al salir del cine deberías preguntarte por qué esos sufrimientos sin sentido y deberías perder el miedo implicándote en su solución.

ANITYA

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