|
...
un rincón en la memoria "nuestro cine"
(el de cada uno)
|
|
Última
aportación el
6/04/11
|
|
Esta
sección, al igual que el resto de las que componen ... un rincón
en la memoria, nace con la ilusión de que sirva de punto de
encuentro entre aquellas personas que tengan algo que compartir,
que quieran hacer participes a otros de sus recuerdos, sus emociones
ante la pantalla en la penumbra de una sala de cine.
¡Adelante!
no cortaros y poneros en contacto con nosotros. Será un placer.
|
|
|
El
orden de las aportaciones es cronológico, una vez más, los primeros
serán los últimos y los últimos serán los primeros.
|
|
|
|
| |
| |
Estamos
ante una película de terror, no como el de esas producciones
para púberes palomiteros, en las que abundan vampiros
de diseño y zombis recalcitrantes. Lo que nos provoca
el recomendable documental de Charles Ferguson es auténtico
terror, mientras presenciamos como se gestó la crisis
económica en USA, hasta su estallido en 2008, con su
onda de choque que convulsionó todo el planeta. Como
consecuencia, millones de personas perdieron sus ahorros, sus
empleos y sus casas, mientras que los responsables se repartían
millonarias indemnizaciones y bonificaciones. Enormes ganancias
privadas, enormes pérdidas públicas.
Estructurado
de forma didáctica, dividido en cinco partes, con la
narración en off de Matt Damon, el trabajo de documentación
y esclarecedoras entrevistas de Ferguson, nos lleva in crescendo
hasta el corazón (si lo tuviere) y el cerebro de la Bestia.
En su comienzo, nos muestra imágenes de Islandia que
asemejan un idílico paraíso, hasta que todo se
tuerce cuando permiten la irrupción de empresas multinacionales,
privatizan los tres principales bancos, y permiten la desregulación
que lleva a este país, considerado modélico, a
la ruina. Desregulación, ésta es la palabra clave.
No fue un accidente. La crisis de 2008, que nos sigue afectando,
fue consecuencia de una industria financiera fuera de control,
que a partir de los años 80, con Ronald Reagan en la
presidencia, tuvo libertad para realizar las inversiones de
riesgo más convenientes a su desmedida voracidad.
|
|
|
Tal
vez resulte difícil de seguir, a los no avezados en estas
lides (los que hemos tenido un largo contacto con el proceloso
mundo de la banca, lo tenemos más fácil), la compleja
trama de ingeniería financiero-trapichera de la cadena
de bursatilización, derivados, préstamos subprime
y seguros de impago de deuda. De esta forma, por poner un ejemplo,
Goldman Sachs, cuyo Gerente fue secretario de Tesorería
con Bush Jr, apostaba, mediante seguros de impago, contra el
producto que ellos mismos recomendaban.
Cuanto más perdían sus confiados clientes más
ganaban ellos.
|
|
Llama también la atención, comprobar como las
agencias de calificación, que habían concedido
la máxima nota a las empresas implicadas, que poco después
se hundieron, siguen gozando de credibilidad e incluso se permitan
calificar, y de alguna manera amenazar, a países soberanos.
Con todo, lo más sorprendente es la connivencia de académicos,
de economistas que contribuyen al soporte intelectual de la
trama, defendiendo
la desregulación. Miembros de destacadas universidades
reciben grandes cantidades de dinero por asesorar, participar
en el Gobierno y en la directiva de empresas financieras.
|
|
¿Por qué un ingeniero financiero, se pregunta
uno de los entrevistados, gana hasta cien veces más
que un ingeniero de verdad? Un ingeniero de verdad, prosigue,
construye puentes; mientras que el financiero construye sueños,
y cuando esos sueños resultan ser pesadillas, no es
él, es otra gente, quien lo paga.
Los que crearon esta maldita crisis, y se enriquecieron de
forma exponencial entre 2003 y 2008, han salido con sus fortunas
intactas y siguen sueltos, algunos como consejeros del actual
Gobierno.
Charles Ferguson lo dejó claro al recoger su merecido
Oscar: "Tres años después de que estallara
la crisis, causada por un masivo fraude financiero, ni un
solo ejecutivo ha sido
encarcelado".
Así es, ahora los bancos estadounidenses son más
grandes y poderosos, con menos competencia, y sus "generosas"
contribuciones les hacen mantener una peligrosa influencia
política.
Lo dicho: TERROR EN ESTADO PURO.
Ayanimof,
06.04.2011
|
|
|
| |
|
Ayanimof
-29/03/2011-
When you're strange
"Si
las puertas de la percepción se depurasen,
todo aparecería a los hombres como realmente es: infinito.
Pues el hombre se ha encerrado en sí mismo hasta ver
todas las cosas a través de las estrechas rendijas de
su caverna."
William Blake
Las bodas del cielo y el infierno (1793)
"I
am the Lizard King
I can do anything…"
Jim Morrison
The Celebration of the Lizard (1968)
"Music
is your only friend
until the end, until the end..."
The Doors
When the music is over (1967)
|
|
|
|
Merecido
tributo cinematográfico, dirigido por Tom Dicillo, a
una de las bandas de rock más originales e influyentes
del siglo XX. Utiliza material original de actuaciones y declaraciones
del grupo, en orden cronológico, intercaladas con imágenes
del filme en 35 mm que Morrison realizó con la ayuda
de un compañero de la escuela de cine de UCLA (California),
mientras la voz de Johnny Depp va relatando los acontecimientos.
"Los años sesenta comenzaron con un disparo"
es la primera frase del narrador. En un ambiente de contracultura,
psicodelia y manifestaciones callejeras contra la guerra, se
forjó una de las leyendas de la música popular.
En
el verano de 1965, cuatro jóvenes deciden formar un grupo
musical en la estadounidense ciudad de Los Angeles. Jim Morrison,
que ha leído a Nietzsche, Rimbaud y William Blake, aporta
sus poemas y su voz profunda, Ray Manzareck su habilidad con
los teclados, creando melodías, con la mano derecha,
que acompañan las elucubraciones vocales y físicas
de Morrison, mientras con la mano izquierda marca la línea
de bajo. Robbie Krieger, influído por el flamenco, toca
la guitarra eléctrica sin púa y John Densmore,
aficionado al jazz de Mingus y Coltrane, se encarga de la batería.
Deciden llamarse The Doors, en homenaje a un poema de William
Blake.
|
 |
|
Asistimos
a la metamorfosis de un tímido Jim Morrison que pasa
de cantar de espaldas al público, en las primeras actuaciones,
a convertirse en un provocativo chamán que arrastra a
los asistentes, de sus ya masivas actuaciones, a una catarsis
colectiva, al grito de "Queremos el mundo y lo queremos
ya", antes de ser arrancado del escenario por la policía.
Fue juzgado bajo la acusación de exhibición impúdica,
por simular una masturbación en el escenario. Le condenó
la sociedad conservadora contra la que luchaba, su padre era
almirante, una sociedad puritana e hipócrita, cuyos dirigentes
se escandalizan ante la visión de un pene, mientras enseñan
a los niños a utilizar armas de fuego, bombardean indiscriminadamente
Vietnam o disparan contra jóvenes manifestantes.
El trabajo de montaje de Dicillo, supone un recomendable viaje
iniciático para las nuevas generaciones que no conozcan
la historia de The Doors, un desagravio del mal sabor de boca
que dejó la decepcionante y maniquea película
de Oliver Stone, que flaco favor hizo al cuarteto angelino,
y un baño de gozosa nostalgia a quien trataba de conseguir
sus "singles" en una gris España, que tímidamente
comenzaba a despertar de su santa siesta.
En los escasos seis años que estuvieron juntos, dejaron
un legado de magnífi-cas canciones, que forman parte
de la memoria colectiva de la generación que quiso cambiar
el mundo, y mantienen su vigencia en este sísmico comienzo
de siglo. Desde las incendiarias "Break on through"
"Light my fire" y "Love me two times", pasando
por le hermosa fragilidad de "The Cristal Ship", la
apocalíptica "The End", sin olvidar "Spanish
Caravan", en la que Robbie Krieger demuestra sus influencias
musicales, basada en la transcripción para guitarra que
hizo Francisco Tárrega de "Asturias",composición
para piano de Albéniz, o la que da título al documental,
hasta la irresistible "Roadhouse blues" y las incluídas
en su excelente LP "L.A. Woman", que se cierra con
un "Riders on the storm" que sigue estremeciendo desde
sus primeras notas de piano sobre fondo de tormenta.
En 1971, tras grabar con sus compañeros el ya citado
"L.A. Woman", Morrison decide desplazarse a Paris
con su novia, a la que había dedicado dos libros de poemas,
para entregarse, en un ambiente más relajado, a la poesía.
Pasea por la capital de Francia con su libreta, en la que anota
cuanto se le ocurre. Pero esta nueva vida dura poco, el 3 de
julio su corazón deja de latir. Tenía 27 años,
la misma edad con la que, el año anterior, habían
fallecido Janis Joplin y Jimi Hendrix. Irrepetible trío
de artistas que brillaron con luz propia en el convulso firmamento
de la época que les tocó vivir, frecuentaron el
lado salvaje en busca de enriquecedoras experiencias y acabaron
consumidos en su excesivo fulgor.
Después de todo, tal vez no sea tan recomendable abrir,
de par en par, las puertas de la percepción. Hay cosas
en la noche que es mejor no ver…
|
  |
|
Aprovecho para comentar que Francisco Tárrrega, inspirador
de Krieger, es el compositor de la melodía más
escuchada en la actualidad. El tono de llamada predeterminado
de todos los teléfonos Nokia, no es otra cosa que los
compases 14 a 17 de la pieza para guitarra titulada "Gran
Vals" compuesta por el músico castellonense en 1902.
Al parecer el vipresidente de Nokia eligió el fragmento
en 1993 y, desde entonces, no ha dejado de sonar en todo el
planeta.
¿Quién se lo iba a decir a don Francisco?
|
|
| |
|
|
Tom
Hooper dirige con habilidad y nos brinda dos horas de inteligente
entretenimiento, basado en una anécdota histórica:
la tartamudez de George VI y sus intentos para superarla.
Una acertada mezcla de drama, comedia y fina ironía,
en la que destaca la brillante interpretación de Colin
Firth (se recomienda la versión original) que nos hace
partícipes de sus esfuerzos de superación personal,
de su lucha contra los fantasmas interiores y nos contagia su
agobio, que le lleva a solicitar la ayuda, como último
recurso, de un frustrado actor australiano que se dice experto
en curar casos como el suyo. Tal personaje lo encarna de forma
magistral Geoffrey Rush, que consigue ser el contrapunto perfecto
de un gran duelo interpretativo.
La sobria fotografía recrea con acierto la época
en que transcurrieron los acontecimientos, y la bella música
de Alexandre Desplat no desmerece.
Para amantes del detalle, los diálogos inteligentes y
las inopinadas relaciones de amistad al margen del linaje.
Absténganse los fanáticos de sofisticados efectos
de ordenador, terceras dimensiones, magnas explosiones, tiroteos
interminables y casquería a tutiplén.
Ayanimof (22.01.2011)
|
|
| |
| HOOD
BY HOOK (07-06-2010)
Otra
versión más de las numerosas existentes sobre
el justiciero de Sherwood. Desde el encanto de Errol Flynn con
su gorrito con pluma, su pijama verde, y su Marian de Havilland,
pasando por el cansado Robin Connery y su Lady Hepburn hasta
recalar en este último Robin Crowe, bestiajo y algo pasado
de peso pero convincente, con su Marian Blanchett, que a poco
más le come la peli con su personalidad.
|
|
|
|
|
El guión marca el rumbo de la película dirigiendo
éste al público más adulto, los nenes y
adolescentes no hallarán aquí su versión
preferida de la leyenda. No hay alardes de efectos especiales
al uso, no hay héroes saltarines, hay una historia bien
desarrollada por el oficio de Ridley Scott, con mayor peso en
la complejidad del poder, en su absoluta falta de moralidad
y justicia, en su utilitarismo y su traición, en su falta
de necesidad de amparar en ningún valor la toma de decisiones,
solamente el poder despótico se justifica en sí
mismo. Puede verse que hay algunas cosas que nunca pasan de
moda.
También ese planteamiento hace que la película
tenga un claro enlace con Gladiador, bastantes puntos comunes
las unen. Desde la fotografía, hasta la música
aproximan ambas cintas y nos hacen ver a esta nueva, como un
complemento de la otra. Salvo que ahora, el Hispano, no muere.
Buena labor en todos los actores, que cumplen muy bien con la
creación de sus personajes, dotando a los mismos de los
matices con los que quieren ser definidos. El sr. Russell está
bien, y mi querida Cate Blanchett demuestra otra vez más
que inunda de su personalidad cualquier personaje que interpreta,
ensalzando y dando credibilidad a la ficción y poniendo
en peligro, como ya hiciese con Indiana Jones y el sr. Ford,
la hegemonía masculina del héroe de turno.
También el personaje del Rey Juan, gana cuerpo como nunca
antes lo había hecho en ninguna de sus pelis predecesoras.
Es este cínico, amoral, caprichoso y falto de entrañas
personaje, uno de los puntos más fuertes de todo el reparto.
También el viejo papá Loxley, Max von Sydow y
el villano scarface, Mark Strong, resultan dignos secundarios,
así como mamá Leonor, la reina, el chambelán
Hurt y hasta el precioso capricho francés del rey Juan.
Y al super cachas "Little" John merece la pena verlo.
Total que la peli se deja ver bastante bien, las flechas dan
en el blanco elegido oportunamente, aunque algunas sean demasiado
previsibles. De lo que más me gustó, fue el asedio
al castillo de Chalus, y la actitud del en otras versiones ensalzado
Ricardo Corazón de León, que en la actual no lo
hace menos desalmado e innoble que su hermano regente.
Lo que menos me gustó fueron los huidizos proscritos
infantiloides que pueblan el bosque y que, sin saber a santo
de qué, aparecen en la batalla final en la playa, a lomos
de unos ponys y al mando de una Lady Marian disfrazada de Amadís
de Gaula que se lanza a la pelea contra el francés. Paso
por lo del fraile Tuck, pero lo de los huerfanitos no cuela.
|
|
| |
 Intuyo
que el encargado de traducir el título (¿es necesario?)
debió pensar que si lo hacía de forma literal
sería identificado con el bolero de R. Damemberg y le
pareció más adecuado "Corazón Rebelde".
Ni tan rebelde, ni tan loco, más bien fuera de compás,
a contratiempo late el corazón de Bad Blake, veterano
cantante de "country music", que malvive tocando en
tugurios. Sus días de gloria musical quedaron atrás.
Arrastra la frustración de varios matrimonios fallidos,
mientras quema su existencia en la carretera, con la única
compañía de su guitarra y el whisky que su precaria
economía le permite. "Es
extraña la manera en que caer se parece a volar, sólo
por un instante", canta con su voz macerada en alcohol.
Conoce a una joven periodista que concierta una entrevista con
él. Este hecho le hace albergar cierta esperanza de redención
y, a partir de ese momento, la trama toma una deriva bastante
convencional.
Los
números musicales están bien resueltos, las canciones
describen con acierto la encrucijada existencial del protagonista,
pero lo que de verdad te atrapa, desde el primer fotograma,
lo que justifica que pases por taquilla, es la presencia de
un "inmenso" Jeff Bridges que compone
un memorable personaje, tan patético como conmovedor.
|
Ayanimof
(10.03.10)
|
|
| |
|
UP
IN THE AIR (la traducción debe de ser “los hijos de puta
también vuelan”)
|
Pakunin (marzo 2010)
|
Es una película que puede engañar. Es falso lo que
dice la sinopsis, lo digo por que algunos van a cines de esos
que dan el papel explicándolo todo. Se trata de un gestor
personal, un hijo de puta, que se pasa la vida viajando de una
ciudad a otra y despidiendo a trabajadores de diferentes empresas.
Es un gestor de personal como los de los bancos, pero en este
caso, no trabaja para una sola empresa, sino para aquellas que
lo contratan. Es un individuo sin conciencia, despiadado, un hijo
de puta, sin corazón, tiene un trozo de adoquín.
Hace muy bien su trabajo.
El “pobre hombre”, tiene también su vida particular, le
gusta “empujar” con todas las que pilla, en los aeropuertos, hoteles,
etc. El tiempo pasa para todos, y se “encoña” con una individua,
la lleva a la boda de su hermana, y se hace ilusiones. Piensa
crear una familia, tener un hijo (supongo que para despedirlo
cuando sea mayor, un perro, un chalet, vamos ser un poco normal,
es decir, un poco “pringrao”). Le sale todo mal, pero le queda
un consuelo, es gestor de personal y puede seguir despidiendo
trabajadores, que es lo suyo.
Tengo que reconocer que es normal que el George Clooney, guste
a las mujeres, pero este papel es para que le metan dos tiros
entre ceja y ceja.
No me ha gustado la película, decirme a estas alturas,
que los hijos de puta tienen sentimientos no me dice nada. Hitler,
Franco, Pinochet, etc. tenían sentimientos. Eligieron un
campo, y los gestores de personal, eligen un campo, juegan a favor
del enemigo, hacen bien su papel, podían hacer otro.
Como justifica que en el sistema, todos tenemos un papel (hasta
los verdugos), le darán un Oscar o dos, es normal. |
|
|
| |
|
La
dificultad de ser un hombre formal
-A Serious Man (2009) [Joel & Ethan Coen]-
|
Ayanimof
(10.01.10)
|
|
|
|
Tras
un genial, aunque desconcertante prólogo, los hermanos
Coen nos introducen en la historia de Larry, profesor judío
de física, que tratra de ser fiel a los principios de
la Torá mientras una concatenación de acontecimientos
adversos se empeña en impedírselo. En su desesperación
recurre a varios rabinos para comprobar que no son capaces de
darle una solución y , por el contrario, aumentan su
duda existencial.
Tan irreverentes cineastas juegan con sus recuerdos infantiles
y, al tiempo que cuestionan los estrictos preceptos de la religión
judía, consiguen inspirados momentos; como la historia
del mensaje en los dientes, que acertadamente subrayan con un
fragmento musical de "Machine Gun" (Jimi Hendrix live
at Fillmore East-01.01.1970), en el que Jimi emula, con su incendiaria
guitarra, el sonido de las ametralladoras mientras Buddy Miles
le responde con vigorosos redobles de su batería. Tampoco
tiene desperdicio la escena en la que el más anciano
de los rabinos, ayudado por el conflictivo hijo de Larry, recita
la "alineación" del mítico grupo de
rock-psicodélico "Jefferson Airplane".
El juego del absurdo, el azar, el sentimiento de culpa y un
desfile de inopinados personajes nos hacen pasar un buen rato
de inquietante hilaridad.
|
|
| |
|
|
Cuando
casi está retirada de los cines, escribo sobre esta
película. Pensé que no necesitaba comentario.
Ahora descubro que su poco éxito de taquilla, incluso
tras los Goyas, era debido al temor a pasar un mal trago viendo
los últimos meses de una niña de doce años
con un tumor cerebral.
Ya la carátula del anuncio era poco alentadora: ojos
de iluminada y pañuelo en la cabeza ocultando la ausencia
de pelo.
Nada que ver con la película que, aunque triste, claro
está, transmite optimismo, y alegría pues no
faltan las notas de humor y esperanza que, a pesar de la dureza
de algunas escenas, logran del espectador una sonrisa permanente.
La interpretación de la pequeña protagonista:
soberbia. Junto a ella, su padre, con una ternura que cala
el corazón, da el junto contrapunto a una madre cuya
absoluta "ceguera" la ha convertido en "carcelera"
de sus dos hijas.
Resto de intérpretes: todos de primera, convencen por
completo. Y al final el guión, en su línea de
inteligencia y maestría, nos entrega un último
regalo lleno de dulzura que hace que abandonemos la sala con
un corazón exultante que canta, con feliz desenfado,
un himno vencedor.
DEHSLAH
(29-03-09)
|
|
| |
|
La
película de WOODY ALLEN "VICKY CRISTINA BARCELONA"
rodada en España y producida en España (Mediapro),
es la peor película de Woody Allen, en mi opinión.
Woody Allen ha tomado unas vacaciones pagadas y ha realizado
un film para promocionar Barcelona (sobre todo la parte de Gaudí)
y, en menor medida, Oviedo y lo ha hecho aparentemente sin interés,
descuidadamente, con apatía; si no fuera así no
se comprenderían los fallos clamorosos del film en fotografía,
estructura, guión y música. De un guión
mediocre generalmente surge un film mediocre. Woody Allen ha
elaborado muy poco el guión, tanto en sus situaciones
como en sus personajes, puros estereotipos sobretodo los de
Javier Barden y Penélope Cruz; de personajes nulamente
desarrollados y sin garra surgen interpretaciones vulgares de
actores habitualmente magníficos. Y ni siquiera su punto
más fuerte, sus excelentes diálogos, brillantes
en toda su filmografía, destacan en este film; pues son
tan mediocres como sus personajes y su argumento.
Para colmo, la película está narrada por una innecesaria,
molesta y tediosa voz en off, que no hace más que explicar
lo que se ve en las imágenes, resaltando lo obvio, enfatizando
la mediocridad y trivialidad de todo el film.
Ni siquiera las imágenes de Barcelona, el parque Güell,
la Sagrada Familia y otros edificios de Gaudí, resaltan,
pues se ofrecen de forma desvaída y descuidada, a pesar
de que el director de fotografía es el acreditado Javier
Aguirresarobe.
|
 |
En
cuanto a los roles que Woody Allen ha diseñado para
Javier Barden y Penélope Cruz, parece que no ha podido
eludir caer en el tópico y sus personajes caen en los
manidos clichés de lo español, sobre todo el
de ella, pues representan a una pareja pasional a los que
se podía aplicar lo de "contigo ni sin ti tienen
mis males remedio..." Su interpretación es histérica
y gritona, sobre todo en ella, pero es quizá defecto
de sus personajes.
Resumiendo, un film trivial, nimio, mediocre y hasta aburrido,
que es el peor adjetivo que se le puede aplicar a un film.
Quizá mi comentario sea duro, pero como fan que soy
del "pequeño genio de Manhattan", me ha defraudado
su último film. Sólo voy a comentar una cosa
que me agrado, la única muestra de ironía propia
de Allen: El personaje de cristina va a Barcelona a hacer
un Master en "Identidad catalana". ¡Genial!.
Hitch
(13-10-08)
|
|
| |
Este
domingo fui a ver una peli española titulada "La
Conjura de El Escorial". Fui atraído por la posibilidad
de descubrir alguno de los entresijos producidos durante los
plenos de nuestra sección que se celebraron en dicha
localidad, pero estaba equivocado. Se trata de una ficción
histórica a medio camino de la realidad y aborda una
historia de luchas por el poder y la influencia durante el
reinado de Felipe II, al cual da vida en un buen trabajo el
mismísimo Juanjo Puigcorbé. El reparto, muy
internacional, compone una historia bastante coral y que se
deja ver de forma muy entretenida. Antonio del Real, el director,
cocina un guiso muy adecuado, y participa en el guión.
Los actores aquí están bien elegidos y aparecen
obedientes al proyecto narrativo, aportando su buen hacer
sin desvirtuar el resultado, antes bien, colaborando a que
el espectador consuma dos horas de su tiempo, metido en las
intrigas cortesanas de un imperio en el que no se ponía
el sol y eso salía bastante caro.
Las
guerras de Flandes, el intento de alianza matrimonial entre
el hermano del rey D. Juan de Austria y la escocesa Maria
Estuardo, las maniobras de D. Juan Escobedo, una de las raíces
de lo que se llamaría "la leyenda negra"
producto de los líos amorosos entre la princesa de
Ebolí, la divina tuerta, encarnada estupendamente por
Julia Ormond, y el todopoderoso secretario real Antonio Pérez,
la nobleza, la influencia eclesial y mucho, mucho Monasterio
de El Escorial. Riqueza de vestuario, fotografía eficaz
sin ser llamativa y bonita música en la que se luce
Ainhoa Arteta.
|
|
|
|
Total,
película recomendable que contrasta por su aparente sencillez
y su coherencia en el guión, con otras mucho más
caras, p.e. El Capitán Alatriste, y que naufragaron en
su propia pretenciosidad.
Conclusión: Hay que ser cauto en los amoríos con
todas las princesas, con las tuertas en especial, y si han tenido
su rey de por medio, ni os cuento!.
Robin
Hook (18-09-2008)
|
|
| |
AYANIMOF
(08-09-08)
|
A
pesar de las declaraciones negativas de críticos sesudos
he de reconocer que me he divertido, no he parado de mover el
pie y he salido de buen humor del cine, lo que no es poca cosa,
tras el visionado de la película musical basada en las
canciones del famoso grupo sueco ABBA.
Ciertamente la obra no pretende pasar a los anales de la historia
del séptimo arte pero te hace pasar un buen rato con
la coreografía de "Dancing Queen", "Gimme,
gimme, gimme" y " Voulez-Vous". Magnífica
Meryl Streep, entregada en la interpretación de mi canción
favorita "The winner takes it all" ante un hierático
Pierce Brosnan. Hilarante final con un inopinado y jocoso "bonus
track". Aprovecho la ocasión para recomendar a quien
no lo haya hecho aún el visionado urgente de "La
Boda de Muriel", primera vez que Benny Andersson y Björn
Ulvaeus dieron autorización para utilizar sus canciones
en una película.
Eres
la Reina del baile, joven y dulce. Puedes bailar y divertirte
como nunca en tu vida. Mira a esa chica, presencia la escena,
disfruta con la Reina del baile.
|
|
| |
 |
Un
querido compañero nos recomienda esta película.
No es cine social, no es cine de suspense, no segure una lógica
realista, intenta ser (se dice en su ficha) una fábula
poética sobre la ambición, sobre el perjuicio
moral que ocasiona la búsqueda vehemente del éxito
profesional y social.
Título
Original: "Bienvenido a Farewell-Gutmann".
Género: Drama.
Dirección: Xavi Puebla .
Guión: Xavi Puebla Jesús G Vilda Jesús
Gil Vilda.
Reparto:
Ana Fernández Lluís Soler
Adolfo Fernández Héctor Colomé
Sergio Caballero Pep Anton Muñoz
Fotografía: Ángel Luis Fernández .
Música: Mikel Salas .
Producción: Jordi Domingo .
Duración: 106 minutos.
|
|
| |
|
EN
UN MUNDO LIBRE
|
Germinal
(08-03-08)
|
|
...
Han vuelto K. Loach y P. Laberty... Esta vez la cosa va de unas
mujeres que hartas de ser explotadas por hombres (o sea, lo
que suelen ser la mayoría de los hombres empresarios)
deciden montarse su propio negocio: Una agencia de trabajo temporal...
La cosa comienza muy bien, pero... Lo de siempre, una cosa lleva
a la otra y ¿necesariamente? acaban convirtiéndose
en explotadoras, sobre todo la prota, que termina haciéndose
despiadada... El poder, la pasta... En fin.
La
verdad es que salimos reflexionando sobre si ciertamente "nos
han ganado". Me refiero a ellos, a los malos, a los amos
del negocio. ¿Será que no hemos sido capaces de
desarrollar el internacionalismo?... Porque desde luego ellos
le están sacando el jugo a la globalización. Además,
merece comprobar que en los países que llevamos por delante,
lo van en todo, es decir, también en delincuencia empresarial
y en problemas laborales, sociales o de inmigración...
Peli
que hay que ver. Yo la vi en una sala y sesión (la de
las 7) que éramos media docena.
|
|
|
| |
| |
Hitch
Iñurria. Enero 2008
|
|
|
|
La nueva película de ANG LEE, realizada en China, Shanghay
concretamente, es otra película complicada y difícil
por su tema, de la que vuelve a salir airoso como ya lo hiciera
en "Broke Back Mountain" Nos relata una historia de
lujuria y pasión, masoquismo y dominación en los
tiempos de la invasión japonesa de China durante los
años de 1938 a 1942. Pero Ang Lee no se detiene en los
pormenores de la historia de la invasión japonesa en
su conjunto sino que se centra casi totalmente en la de dos
personas: Un ministro del Gobierno chino colaboracionista con
los japoneses dedicado a la captura y represión de los
contrarios a éstos y una joven china que huye a Honkong
al principio de la invasión y por amor a un exaltado
patriota chino intenta convertirse en una matahari romántica
para tratar de asesinar al citado colaboracionsita sobre la
base de seducirle y ser su amante. Como todo el grupo de espías
amateurs es pateticamente inepto, el intento fracasa en Honkong
pero lo intenta de nuevo en Shanghay cuatro años después.
Aunque la historia no tiene ningún suspense pues esta
narrada sin seguir las convenciones narrativas clásicas
y por lo tanto con saltos hacia atrás y adelante en el
tiempo, no desvelaré el desenlace, lo que si diré
es que consigue ser su amante; en esa relación él
intenta ejercer un dominio total por medio de vejaciones y hasta
violencia y unas cópulas exentas de ternura, más
bien todo lo contrario. Aunque acaba sintiendo por ella un sentimiento
que no llega a ser amor, pero tampoco sólo una pasión
sexual y por parte de ella lo que empieza por un fingimiento
total acaba siendo un sentimiento pasional total que se impondrá
a su obsesivo deseo de matarle por el bien de la causa china,
sacrificándose ella y también a sus patéticos
camaradas.
Ang Lee ha tenido que mostrar toda esa transformación
masculino-femenina a través de tres secuencias de sexo,
más explícito de lo habitual en el cine de hoy
día aún medido con baremos europeos y quizá
sólo comparable a las películas de Osima "El
imperio de los sentidos". Ang Lee planifica estas escenas
desde todos los ángulos posibles, con destreza y lentitud,
con delectación y ayudado por la gran interpretación
de los actores, el ya conocido Tony Leung y la neófita
Wei Tang, gran descubrimiento de Ang Lee, que consigue hacer
creíble y compleja la historia que de no haber sido así
podría haberse ido al traste, pues esas escenas y el
cambio que experimenta la protagonista femenina a través
de ellas, son la clave para la comprensión del desenlace
de la película y también causa de que la película
sea feminista, aunque por su tema no lo parezca, pero la protagonista
femenina triunfa sobre el torturador y duro, pero al final cobarde,
protagonista masculino.
Excelente y bella fotografía de Rodrigo Prieto y gran
partitura del emergente francés Alexandre Desplat. Bien
narrada y extraordinariamente planificada en resumen. Gran película,
intresante por su argumento, nada común en la cinematografía
actual.
|
|
| |
|
Siempre
la música
Por las calles de Dublín vemos a un músico que,
acompañado de su inseparable guitarra, interpreta durante
el día canciones conocidas a cambio de unas monedas.
Al caer la noche se atreve con sus propias composiciones y entona
su desgarrado lamento por la chica que le dejó, lo que
conmueve a una inmigrante checa que se gana la vida vendiendo
flores pero que sabe tocar el piano y es capaz de reconocer
el talento del joven cantautor callejero. Surge entre los dos
una suerte de complicidad cuyo nexo es la música hasta
el punto de llevarles a colaborar en una grabación.
El director dublinés John Carney, sin gran presupuesto
ni elaboradas coreografías, nos obsequia con un musical
atípico que cuenta a través de las canciones una
sencilla historia de amor. Tan sencilla como encantadora. Tan
subyugante como sus melodías hechas fotograma.
Excepto los muy duros de oído o de corazón, cualquiera
que se acerque a verla quedará prendado de sus imágenes
y de su hermosa música.
La música, siempre la música…
|
|
|
ONCE
(Una vez)
(Léase: Guans. Nada que ver con cuponazos, ni extremos
izquierda)
Director: JOHN CARNEY.(Dublín-1972)
Protagonistas: GLEN HANSARD (Dublín-1970. Cantante, guitarrista,
compositor
y miembro fundador del grupo The Frames que ya cuenta con seis
álbumes de estudio publicados) y MARKETA IRGLOVA (Monrovia-1988).
Reside en Praga. Cantante,
compositora, pianista.
1
AYANIMOF
(18-11-07)
|
|
| |
| Robin
Hook (10-11-07) |
|
Hubo
un tiempo en que a mí el director David Cronemberg me
recordaba a David Lynch. Algunos de los tonos que dominaban
sus películas me parecían "raros", algo
snobs incluso; originales, sí, pero me aburrían
a veces con tanta búsqueda de lo inquietante.
Han pasado los años y este canadiense va centrándose
de manera muy destacable; sus mensajes son mucho más
digeribles, su forma de contar, con mejor coherencia, su fuerza
visual más elevada. Todo esto no hace que su discurso
haya dejado de ser inquietante, sino que lo ha vuelto más
real y cercano, más creíble. Esa frialdad, tal
vez consustancial en alguien que viene de una geografía
y un clima como el de Canadá, que permanece constante
desde sus primeras pelis, remarca la amenaza y contribuye a
mantener la tensión en el espectador.
En esta película colabora el ambiente gélido del
invierno londinense, pues, aunque muy de pasada y con acertado
disimulo, el director nos deja saber que la acción transcurre
en Londres. Naomi Watts recorre la ciudad en su vieja motocicleta
mientras el frío aumenta su apnea existencial. Y es que
con las interpretaciones sensacionales que hacen los hombres
de la peli, bastante tiene con salvar la papeleta dignamente.
Desde luego, me quedo con la de Viggo Mortensen, hierático,
peligroso, humano, según la situación lo requiere.
Vincent Cassel, excelente en su papel, con un físico
a medida del mismo. El enigmático Armin Mueller-Stahl,
llena con su presencia la pantalla en otro personaje con "trastienda"
terrible y temible capacidad de fingimiento, que me recordó
en algo al del padre de " La Caja de Música".
Tres ases de la baraja, que bien llevados y con la elegancia
(por cierto, atención al vestuario masculino) que Cronemberg
añade con su manera de rodar, te van a hacer recordar
esta cinta.
|
PROMESAS
DEL ESTE
|
|
La
crudeza de la violencia, que abunda en sus manifestaciones físicas
y morales, puede sobrecogernos. Eso es señal de que está
bien hecho el guiso; nos lo comeremos encantados. Queda una
mínima oportunidad para el bien, un destello de bondad
en la dureza de la mirada de algunos de esos depredadores urbanos
sin escrúpulos. Menos mal, aunque hay quien dice que
es lo menos verosímil de toda la película. Total,
que no os conté nada del argumento de la cosa. Lo he
hecho a propósito para que vayáis a ver esta peli
que os recomiendo.
|
| |
|
|
SIETE
MESAS DE BILLAR FRANCES
Pues
en esta otra, cambiamos del protagonismo de los hombres al de
las mujeres. La primera de ellas es la directora Gracia Querejeta,
cuyo apellido ya va unido indisolublemente al mejor cine español
de las últimas décadas. Mujer con poca filmografía
aún, pero con muchos premios y calidad dentro, que discurre
entre el documental, el cortometraje y los largos. Sensible
en su mirada sobre la vida, en el reflejo de la realidad cotidiana,
sabe contruir personajes con fuerza para superar adversidades
de las que nadie se libra.
Es
de esto último de lo que trata Siete Mesas, de la capacidad
humana para salir de las situaciones por complicadas que se
pongan y de lo que lo facilita el apoyo de otros seres humanos,
alguien te hunde y alguien te rescata. La película es
un recital de dos actrices estupendas: Maribel Verdú
y Blanca Portillo. Un duelo incruento entre ambas, un complemento
al verismo de un guión muy bien conseguido, que nos hace
al final dudar de con cual de las dos nos quedamos.
|
|
Hay riqueza, hay lecciones muy aprovechables para cada espectador,
hay profundidad en el planteamiento y excelente ambientación,
y también hay un número de secundarios arropando
la acción con una espontaneidad y tan bien retratados
e interpretados que no se concibe la peli sin ellos. Y hay un
niño con una expresión y una naturalidad, con
una cara de esas que raras veces se asoman por las pantallas,
como en El Sexto Sentido o en Secretos del Corazón, ¡Jopé
que niño!. Vamos que también deberíais
aflojar la pasta de la entrada para disfrutar de una magnífica
película española y cumplir, encantados y con
buen provecho, de la cuota de cine español obligada en
la pantalla.
|
|
| |
|
Le
métèque (27-10-07)
"Al Abordaje" nº 10
55.
DONOSTIA ZINEMALDIA - FESTIVAL DE SAN SEBASTIAN
Otro año más he estado en el Festival. Sólo
unos días, como siempre, pero, ¡oh¡, como
se disfruta inmerso en esas manadas de "marcianos"
del cine -me refiero a espectadores no al mundo de la farándula-,
haciendo colas inmensas para ver películas que a duras
penas conseguirán exhibirse, y de lograrlo, estar en
pantalla más allá de una ó dos semanas.
Bueno, sin más esto es lo que vi:
|
|
-
L'AVOCAT DE LA TERREUR. Dir: Barbet Schroeder. Documental
sobre un personaje fascinante: Jacques Vergès, abogado
de militantes del FLN argelino en los años 60, y posteriormente,
de militantes de la ultra izquierda de todo tipo. Schroeder
nos lleva por los senderos más oscuros de la historia
reciente a través de esta enigmática figura. LO
MEJOR QUE VI EN EL FESTIVAL. Si algún día tienes
oportunidad de verla, no lo dudes, esto es cine de calidad excepcional.
- A THOUSAND YEARS OF GOOD PRAYERS. -Mil años
de oración. Dir: Wayne Wang. En la sección
oficial. Era razonable que ganase la Concha de Oro de esta edición.
Aunque, no vi todas las que competían, el prestigio del
director, un "amable" argumento que llega al corazoncito
y una narración dentro de cánones clásicos,
era difícil que no le tocase algún premio, y se
llevó el "gordo". Va de relaciones paterno-filiales,
por cierto, tema recurrente en gran parte de las pelis que he
visto este año. Para mí, UN FILM INTERESANTE,
PERO MENOR.
|
|
|
-
DARLING. Dir: Johan Kling. Producción sueca, también
sección oficial. Que mala ostia me dejó esta peli.
Cuando me cuentan una historia de gente guapa y gente corriente,
por lo menos en el cine me gustaría que, de vez en cuando,
el futuro de esperanza sea para la gente corriente no para los
"guais". Pues aquí no, es la chica imbecil,
pero guapa, la que disfrutará de una segunda oportunidad.
Tengo que confesar que su realización era lo suficientemente
correcta como para alterarme: ME CABREÉ CON LA MORALEJA
DE LA HISTORIA.
- THE BLUE HOUR. Dir: Eric Nazarian. Usa. Esta la seleccioné
por su hipnosis: cuatro historias en una vecindad obrera de
L.A. Incluía una colaboración de Eric Burdon (cantando
en un pub). Nada remarcable. Por lo menos no me dormí.
- THE BIRD CAN'T FLY. Dir: Trhees Anna. Producción
sudafricana. Ésta la elegí por el país,
por su trama que se desarrolla en el desierto de Sudáfrica
y, además, porque la protagonista: Barbara Hershey siempre
me ha parecido muy "potente" (la Magdalena de LA ULTIMA
TENTACION DE CRISTO). Pues fue LO PEOR QUE VI DEL FESTIVAL.
- LADY CHATTERLEY. Dir: Pascale Ferran. Francia. Una
de las más esperadas por mí. Venía avalada
por muy buenas críticas de su país y muy premiada.
Me gustó, pero no me llenó. La estrenarán,
seguro.
- HONEYDRIPPER. Dir: John Sayles. Usa. Ves, ésta
que es un cuento narrado de forma convencional, me gustó
mucho. Tengo debilidad por Sayles, me parece un tío honesto.
Como su anterior film me había parecido muy poca cosa,
temía que estuviera en decadencia, pero no. IMPRESCINDIBLE
PARA AMANTES DEL BLUES Y DE LA MÚSICA EN GENERAL.
- SHADOWS IN THE PALACE/ GOONG NYEO. Corea del Sur. No
pongo el nombre de la directora porque no creo que interese
su obra futura. La historia va de asesinatos y su investigación
en la corte medieval coreana. ¿Sería una especie
de "El nombre de la rosa"?. Pues no. Los ramalazos
de esoterismo y fantasía destrozan el resultado. A favor:
lujo de producción (palacios, vestidos, etc...). En contra:
todas las actrices parecían iguales. Imposible distinguir
fisonomías orientales en este film, y no es un tópico
en este caso. No creo que la estrenen.
- MATAR A TODOS. Dir: Esteban Schhroeder. Uruguay. No
esperaba gran cosa y, sin embargo, me gustó. Peli pequeña,
pero honrada. Con un guión interesante e informativo
sobre la represión en Chile, Uruguay y Argentina. Atención
a la actriz protagonista: Roxana Blanco.
- LE VENT DE LA NUIT. Dir: Philippe Garrel. Había
que ver algo de auténtica cinefilia. De este director,
creo, que no se ha estrenado nada en este país (yo solo
he visto LES AMANTS RÉGULIERS del 2005 en DVD con la
que ganó una Mostra de Venecia). En ambas, el fantasma
de Mayo del 68 está presente. El dolor y la tristeza
que emana de uno de los protagonistas: un arquitecto marcado
por la muerte de su esposa y ese mayo, hacen de este film una
obra de cierta "sabiduría". Elige algo de este
directo en tu videoclub ó compra un dvd si puedes, no
te arrepentirás.
-
BERLIN. Dir: Julian Schnabel. Documental sobre unos recitales
de Lou Reed en Brooklyn en Dic-2006 recuperando un álbum
del año 73, llamado como el título del film, que
nunca llegó a tocar en directo. ACOJONANTE. Imprescindible.
Inolvidable la colaboración de ANTONY (el de Anthony
& The Jonson).
- PADRE NUESTRO. Dir: Christopher Zalla. Usa. La acaban
de estrenar cuando escribo estas líneas. NO TE LA PIERDAS.
De lo mejor que vi. Para mí, por encima de la que ganó.
No te cuento nada más.
- WHERE GOD LEFT HIS SHOES. Dir: Salvatore Stabile. Usa.
Ambientada en Navidad y con niños: urticaria segura aunque
vaya de tema social. Alguna cosilla interesante. La estrenarán,
seguro. Peli para "buenas conciencias".
- DEATH AT A FUNERAL /Un funeral de muerte. Dir: Franz
Oz. G. Bretaña. Siempre se agradece un poco de relax
cómico entre tanta trascendencia; y ésta, por
lo menos, me hizo reír mucho en su primera parte, luego,
me interesó menos. La tienes en cartelera.
- CONTROL. Dir: Antón Corbijn. GB. Otra de la
que esperaba muchísimo, y otra que me dejó un
poco decepcionado. Muy premiada en Cannes. Va de biopic de Ian
Curtis, enigmático cantante suicidado de JOY DIVISION,
banda icono del post-punk inglés. Es en blanco y negro,
lo digo por si acaso. Excelente fotografía. RECOMENDABLE.
- MEDUZOT. Dir: Edgar Keret y otro. Israel. También
premiada en Cannes, motivo de mi selección. Pues no me
gustó nada. Que no me van las mezclas de realidad y fantasías.
Por lo menos era corta.
- FLAWLESS / Un plan brillante. Dir: Michael Radford.
La tienes en cartelera. ¿Algo? Michael Caine.
- CARAMEL. Dir: Nadine Labaki. Líbano. Premio
de la Juventud y del Público. Cinco mujeres en un salón
de belleza. Protagonizada por la directora. Un poco de todo:
costumbrismo, humor, drama, etc... Pero, tiene un cierto tufillo
¿será porque se desarrolla en la comunidad cristiana
de Beirut?. La van a estrenar, ya me dirás.
- SOUL CARRIAGE/ALMA CON DESTINO. Dir: Conrad Clark.
China/GB. Premio Nuevos Directores. Pues ésta, que durante
su proyección se salía el público en oleadas,
me pareció la más interesante por su lenguaje
cinematográfico, con una narrativa alejada de las propuestas
genéricas al uso. Mezcla de ficción y nueva realidad
de la China actual.
Por último, te voy a recomendar una que no vi en el festival,
sino después, pero si estuvo en Donosti: LUCIO. Documental
muy digno que no te debes perder.
Es todo.
Le métèque.
(Si
alguien quiere ampliar la información de alguna de las
películas comentadas, el firmante estará encantado
en contestar. Podéis escribir a: seccion.estatal@cgtbbva.net)
|
|
| |
|
Tras
el paréntesis veraniego, estos días otoñales
son de cine. El clima invita a ello y además es el momento
reservado a los estrenos por las distribuidoras. Como cada año
existen propuestas interesantes y vamos a hablar de dos de ellas.
|
| Robin
Hook (15-10-2007) |
|
|
La
primera es una película española de Iciar Bollaín,
Mataharis, título un tanto equívoco respecto del
contenido de la peli que suena a argumento distinto. El trabajo
como detectives de tres mujeres en nuestra país y en
nuestro tiempo, sirve para exponer a nuestra mirada problemas
de esta sociedad y provocar nuestra reflexión sobre temas
ricos y diversos. Los límites de la intimidad dentro
de la pareja, las diferentes interpretaciones que pueden darse
de la ocultación de algo, como nos pesa el pasado y la
vergüenza, dónde radica la confianza y si ésta
va delante del amor, ¿anulan los sentimientos a las preguntas?.
|
|
El conflicto de valores morales y principios frente al todo
vale (" No somos jueces. No tenemos opinión. Hemos
de limitarnos a hacer nuestro trabajo"). El conflicto laboral
en el cual se infiltra una de las protagonistas está
muy cercano a la realidad, es cotidiano. Se habla de precarización,
abaratamiento, subcontratación etc... en el seno de la
estrategia de una multinacional. Os sonará sin duda el
lenguaje. Si teneis la paciencia o la cinefília necesaria
para resistir hasta el final de los títulos de crédito,
vereís en los agradecimientos a la CGT y a Eladio Villanueva
entre ellos. Bien marcados los papeles sindicales aunque el
resultado de la movilización peque de bienintencionado.
Efectivamente, muchos habrán enfrentado en algún
momento sus principios con su trabajo y habrán tenido
que tomar una decisión que marcará su futuro.
¿Qué es lo importante realmente? ¿Vale
todo con tal de trabajar, incluso en algo que te gusta?. Todos
tratamos de eludir el momento de enfrentarte a ese posicionamiento.
Esquivamos las circunstancias que nos llevarían al mismo,
pero si no lo lograsemos ¿qué es lo que haríamos?.
|
|
El
vivir para trabajar, algo en lo que nos hemos instalado en nuestro
pueblo, con las jornadas más abultadas en Europa y la
sempiterna fama de vagos que nos acompaña como nuestra
sombra. Algo que no palían las ornamentales leyes de
conciliación de vidas familiares y laborales, algo que
se lleva por delante nuestra convivencia, nuestro amor y hasta
nuestro desarrollo humano y cultural. Matrimonios enmudecidos,
acabados, vidas sombrías instaladas en la rutina laboral.
¿Está ahí nuestra independencia, nuestra
liberación como seres humanos?.Trampas en las que es
muy fácil caer y muy difícil salir.
|
|
|
|
La
tarea interpretativa de las tres protagonistas, Najwa Nimri,
María Vázquez y Nuria González es muy remarcable,
componiendo sus personajes desde la actualidad y dotando a los
mismos de una cercanía y un realismo completo. A mi me
gustó en especial el de Nuría Gonzalez, la de
más edad, mujer con un rostro impagable para la vida
insatisfecha y tediosa que lleva su personaje, alguien eficiente
y práctica en conflicto con su sensibilidad más
profunda.
Conclusión: película recomendable en la que uno
agradece y reconoce lo necesaria que es la mirada femenina para
ayudarnos a entender las cosas importantes de la vida y rectificar,
sin miedo, los errores que todos llevemos dentro.
|
| |
|
Totalmente diferente es la peli de Neil Jordan "La Extraña
que hay en ti", con Jodie Foster como protagonista. Neil
Jordan pasea su veteranía por todo el metraje, este hombre
sabe hacer cine, sabe mover la cámara, domina los ambientes
(me gustó la fotografía de exteriores nocturnos
que crea y acompaña el climax necesario en cada momento).
Es una obra muy completa, no exenta de algo parecido al fatalismo
tierno presente en otras pelis de Jordan, p.e. Monna Lisa. Jordan
aprovecha la ciudad de Nueva York, para narrar con buen pulso
otro gran conflicto moral: hasta qué punto resisten nuestros
valores morales el ejercicio gratuito del mal. Es bien distinto
hablar de la bondad como espectador, que cuando uno ha pagado
un precio terrible ante la maldad.
|
|
|
|
Para
ello nos enfrenta a la agresión brutal que sufre la protagonista,
sensible locutora que describe con otra mirada el pulso de la
ciudad, por parte de unos pandilleros de barrio. Ella se libra
de la muerte pero pierde al novio con el que va a casarse. Como
describe el director las dudas, el cambio y el derrumbe de los
valores de esa mujer (el terror inicial posterior a la agresión,
que la impide salir a la calle de nuevo, está francamente
bien) es algo que muestra su buen oficio y en lo que la no menos
gran experiencia y calidad como actriz de Jodie Foster, le ayuda
considerablemente.
|
|
En
este punto, la película toma elementos de otras como
Taxi Driver de Martin Scorsese (presente en muchos momentos
hasta que uno no pueda desprenderse de la idea de que Jordan
le homenajea con este film) e incluso, de alguna nota de la
serie Harry el Sucio, o El justiciero de la ciudad de la noche
con Charles Bronson. La venganza, sentimiento que todos llevamos
dentro en una u otra medida, se instala en la acción,
pero Jordan establece su contrapunto ético en la figura
del inspector de policia, oyente del programa de la protagonista,
que, siempre ese pequeño azar que marca el futuro como
si todo estuviese escrito en alguna parte, la ha visitado fugazmente
mientras ella estaba en coma víctima de la paliza recibida.
Amor, compasión, admiración, afecto?. Todo lleva
a un desenlace bien resuelto, en que el conflicto moral habrá
de decidirse y, en este punto, también puede aproximarse
a la comentada anteriormente de Mataharis, ¿qué
es lo justo? ¿qué hacer?. Pero eso ya tendreis
que ir a ver la película para opinar por vosotros mismos.
Todos llevamos un extraño dentro, nadie se conoce lo
suficiente.
Todos somos capaces de hacer cosas que no se nos pasarían
ni por la cabeza. Descartemos afirmaciones categóricas
sobre nuestro modo de ser y roguemos para que no llegen las
circunstancias precisas para ello, y, si llegasen, que en nuestro
guión aparezca, como aquí, una nimia circunstancia
que nos brinde la posibilidad de escapar.
|
|
| |
|
Sonata
para un buen hombre
"Usted
es una buena actriz"
"Y usted, un buen hombre"
|
|
|
¿Puede
un buen hombre hacer algo malo?. ¡Sí, claro!.
¿Puede un buen hombre, convencido de servir a una causa
justa, hacer daño a otro hombre?. ¡Sí, claro!.
¿Puede la belleza del arte, representada en el sonido
de un piano, unir, de alguna manera, a dos buenos hombres de
diferente ideología. ¡Sí, claro!
¿Puede un buen hombre, tratando de redimir su mala acción,
ayudar a otro hombre?
¡Sí, claro!.
¿Puede un buen hombre, que trata de ayudar a otro hombre,
poner en peligro el cargo,
que tanto trabajo le ha costado conseguir, hasta el punto de
perderlo?. ¡Sí. claro!
¿Puede que aún queden buenos hombres en este mundo?…
¡Sí, claro!.
|
| LA
VIDA DE LOS OTROS(2006) Florian Henckel-Donnersmarck
(Para
más información léase el acertado comentario
de Robin)
Ayanimof (07-04-07)
|
|
|
| |
|
Robin
Hook (24-03-07)
LA
VIDA DE LOS OTROS
|
Valorada,
con toda justicia a mi modesto entender, película alemana.
Ganadora de un buen número de premios del cine europeo,
también al otro lado del charco, los norteamericanos,
dueños de la mayor industria del cine tras ese fenómeno
hindú que es Bollywood, decidieron premiarla.
|
|
|
Cine de nuevo para movernos a la reflexión. Realidades
históricas y sociales, muy cercanas en el tiempo, que
han marcado nuestras últimas décadas con su mensaje
incuestionable. Conceptos ideológicos que llenaron el
siglo XX como el comunismo, la construcción del socialismo,
la subordinación del individuo a esa idea. Ilusión
defraudada, traicionada, el cambio que ampara y levanta nuevas
oligarquías dictatoriales. Melodía escrita desde
las más bajas pasiones humanas, esas que mueven los hilos
de este títere que, finalmente, somos todos nosotros.
Resultado no buscado o sí, según nuestro grado
de análisis político: Dictadura y degradación
moral, una vez más. Esta cinta, con inteligencia y apariencia
de sencillez, cosa bien difícil de conseguir en el cine
sin un buen guión, fotografía, montaje, dirección
artística, música y trabajo de un buen equipo
muy bien dirigido, con bajo presupuesto y una labor de actores
excelente, nos enfrenta a la dureza de la realidad en una sociedad
comunista dictatorial y nos hace, una pequeñísima
concesión para la esperanza, aunque sin milagros artificiales,
en un final que devuelve una porción de equilibrio, de
equidad moral a toda la historia.
|
|
Me
gustan, ya lo he dicho otras veces, las pelis "matrioskas",
esas que tienen varias más en su interior que al espectador
no le importaría descubrir cuando finalizan, aunque ello
representase embarcarse en una sesión continua sucesiva.
La interpretación de los tres protagonistas principales,
actores para mí desconocidos, es excelente. En especial
la del capitán Wiesler, Ulrich Mühe, calculadamente
contenida, coherentemente fría, distante del espectador
pero atrapando siempre su atención. Tanto el intelectual
"oficial", el actor Sebastián Koch, como su
actriz amante, interpretada por Martina Gedeck. Sus interpretaciones
no nos permitan más que alcanzar a ver partes de su personalidad,
suficientes para situarles, y que nos abren el interés
de profundizar en las zonas de ellos y de su historia que nos
dejarían conocer y entender mejor sus comportamientos,
sus sentimientos. Se diría que el director Florian Henckel
Donnersmarck no ha querido que salgamos de nuestro papel de
mirones en una sala oscura desde la que contemplamos lo que
les sucede a unas personas en un tiempo y bajo unas circunstancias
condicionantes, para que, tras el desenlace de la historia,
volvamos a revisarla en nuestro interior, aposentemos su mensaje,
y obtengamos nuestras conclusiones.
|
|
Se
describe y radiografía como es una dictadura, sus claves,
su control, su asfixia; como se mueve y funciona orientada a
un único objetivo: anular todo tipo de libertad, impedir
el peligro del pensamiento crítico, del juicio imparcial,
del criterio personal. En eso reside el riesgo para todas las
dictaduras de cualquier corte que han sido a lo largo de la
historia. Y a ello enfrentaran todos los medios y formas para
impedir, erradicar, coartar y aplastar cualquier factor que
promueva los valores individuales que comportarían la
aniquilación del sistema. Guerra entre este y los individuos
cuyo patrón no se considera adecuado, aquellos potencialmente
peligrosos que se apartan de la conducida masa, esa que, por
miedo, presión económica, incluso creyendo de
buena fe en la necesidad del sistema, colabora en su organización,
desarrollo y pervivencia.
|
|
|
"Somos
el escudo y la espada del Partido", se les inculca a los
funcionarios disciplinados y amorales, encargados, eficazmente,
de reprimir a sus conciudadanos, vecinos, compañeros,
familiares y compañeros sentimentales si hace al caso.
Terriblemente real de nuevo.
El arranque de la película, el interrogatorio, la clase
impartida, los gestos, la eficacia exenta de toda perspectiva
moral propia, la pulcritud de ese probo capitán, brillante
en su asqueroso cometido, pone los pelos de punta. Trabajo bien
hecho, frente a la habilidad para trepar de su compañero
y, más tarde, superior.
|
|
|
Si
tienes información de cada individuo, tienes control
sobre él, una importante ventaja para someterle
(la escena de la vecina y la mirilla, es un buen ejemplo).
Una sociedad permanentemente vigilada, cuyos datos se
manejan, no una ficción por desgracia, ni una hipótesis
creativa. La República Democrática Alemana
del año 1.989 y su policía política,
la Stasi, están ahí, ancladas en la historia
cercana y explicando los problemas sociales que aún
hoy enfrentan los alemanes como resultado de una herencia
maldita que marcó su pasado siglo con una locura
colectiva cuyos efectos se negasen a desaparecer.
|
|
Muchos
de esos pulcros ciudadanos de la R.D.A. seguirán
pagando toda su vida el tributo personal por esos años
de control, adoctrinamiento y coacción que padecieron
inmerecidamente quizá, víctimas de la confusión
instalada a lo largo del siglo XX, de los intereses ajenos
y de las circunstancias que marcaron el rumbo de la historia
convulsa de su nación.
|
|
|
Otro
aspecto que mueve nuestra reflexión, es aquel sobre
cuales son los factores que modifican la mentalidad y
de ahí, el comportamiento del eficaz capitán
Wiesler. Tal vez en su caso, es una persona ceñida
más por la creencia del valor de su trabajo, al
que ha entregado toda su vida, pagando el precio de la
soledad y el desarraigo, que por una carga ideológica
interiorizada que si encajaría con el personaje
del intelectual afecto al régimen, el cambio, viene
de la mano de algo tan primario como el amor, la atracción
física, el factor sexual, la mujer y su fuerza,
en definitiva.
|
|
|
Esa
fuerza incalificable que produce que, desde el poder encarnado
en su ministro, hasta la reacción al mismo, todo
gravite sobre ese misterio femenino, ese poder último,
pese a que la tragedia devore a la parte más débil,
sacrificio redentor presente que se resuelve dentro del
tono natural que preside toda la narración en imágenes.
|
|
|
Poder
y debilidad, peso y contrapeso, tiovivo en movimiento continuo,
fascinación perpetua.
Película pues, entretenida y de calidad. De emociones
y miradas conmovedoras que las transmiten y engrandecen. De
interiores ramplones que subrayan la ramplonería de todo
el conjunto social, de arte viviendo en montones de libros desordenados,
de vidas y gentes reducidas a interminables hileras de expedientes
en estanterías de archivo, de tomas de conciencia y de
los cambios profundos que los humanos, incluso sorprendidos
y resignados, somos capaces de afrontar y asumir. De miedos
inducidos, de cobardías y valor, de vileza y grandeza,
de amor y de cómo la vida evoluciona, aunque pueda sabernos
a poco, cuando la " Sonata para un Hombre Bueno" se
interpreta correctamente.
|
|
| |
|
Ayanimof
(6-03-07)
|
|
|
Goodbye
America
(Hasta siempre "Granpa")
Me
atrevería a afirmar que la gran mayoría de personas
que lean este artículo, máxime si rondan o han
superado ya los cincuenta años (y disfrutan de tan magnífica
edad), reconocerían al instante la siguiente frase: "Y
Al Lewis como el abuelo".
|
|
|
|
Claro, el final de la presentación de los entrañables
personajes de La Familia Munster, estrenada en nuestra televisión
en 1965, en la que aparecía la hermosa Ivonne de Carlo
(Lily), Fred Gwynne(Herman) y el inolvidable "Granpa"
, ese drácula irónico y bonachón, al que
daba vida Al Lewis. Para los seguidores de series televisivas
de aquellos años diré que Fred Gwynne ya había
coincidido con Al Lewis en una serie anterior: Car 54,
where are you?, aquí conocida como "Patrulla 54".
Tuvieron que pasar unas cuantas décadas para que en el
año 2003 el director de cine Sergio Oksman, que pretendía
hacer un reportaje sobre Pacífica Radio, emisora fundada
en 1949 en Berkeley (California), asistiera al programa que
Lewis estaba realizando en dicha emisora y, seducido por
su magnetismo, le convirtiera en el protagonista de la cinta.
|
|
|
|
De
esta manera, podemos ver al nonagenario actor, sentado frente
al espejo, mientras le maquillan para volver a representar el
personaje que le hizo granjearse el cariño de toda una
generación, rememorando con envidiable lucidez y portentosa
memoria, sus vivencias como activista de izquierdas en USA ante
hechos tan determinantes como "La caza de brujas de McCarthy",
La guerra de Vietnam (donde recuerda que sólo enviaban
a negros, hispanos o blancos muy pobres pero ni a un solo hijo
de congresista) o los atentados de 11/09/2001, al tiempo que
nos deleita con jugosas anécdotas. El montaje intercala
primeros planos de Al, siempre saboreando un habano,
con imágenes de archivo y, cuando termina, deja el regusto
amargo de no poder seguir disfrutando con las memorias de tan
envidiable anciano.
|
|
| |
|
VENUS
|
AYANIMOF
(28-02-07)
|
|
Un
septuagenario actor, de mermada salud, se siente revivir ante
la inopinada llegada de Jessie (convincente Jodie Whitaker),
hija de una sobrina de su amigo Ian, que esconde su inseguridad
bajo un aparente descaro.
De
esta manera Maurice (excelente Peter O'Toole bordando una interpretación
irónica y conmovedora, mejor en v.o. para disfrutar con
su dicción) se aferra al último vagón del
último tren que pasa por su vida y lo hace con todas
sus fuerzas, con las que le quedan, hasta agotarlas.
A
pesar del inicial rechazo de la desorientada joven y del abismo
generacional que les separa, se va creando, entre ambos, una
complicidad no exenta de cierto morbo. En sus momentos más
bajos, el viejo actor acude a casa de su ex-mujer, la gran Vanessa
Redgrave, en busca de un poco de ternura (tibios rescoldos de
su pasado), mientras intenta recuperar el tiempo perdido en
el aroma de un joven cuello femenino.
|
|
|
La
calculadora vejez enfrentada a la despreocupación juvenil
crea un llamativo contraste, como el de la blanca carne de la
Venus del Espejo con el oscuro paño en el que descansa.
|
|
| Dirección:
Roger Michell
|
|
Peter
O'Toole….Maurice
Leslie Phillips….Ian
Vanessa Redgrave…Valerie
Richard Griffiths…Donald
Jodie Whitaker….Jessie
|
|
| |
|
M.F
(19-02-2007)
|
LA
SCIENCE DES RÉVES. Michel Gondry
(La ciencia del sueño)
|
|
Es
sólo lunes y ya noto la mente llena: de productos, de
remesas, de "escaneos"... de novedades. ¡Al
cine!, me voy al cine. Esta tarde, a la sesión de las
cuatro. En este edificio, pocos, muy pocos, nos vamos a las
tres. Cada cual tiene su razón para quedarse.
¿Babel? No, mañana ¿La science des rêves?
Sí, esa sí. Búsqueda de sueños o
realidades que nos hagan sentir bien. Ciento cinco minutos,
atrapada en sus movimientos artesanales, en sus sueños,
en los míos, un barco, se habla de gatos. "Uno",
dos, tres estábamos en la sala, mientras suena la música,
todavía las luces apagadas, un ruido extraño a
mi lado, busco a oscuras en el suelo, una piedra que entrego
sonriente a "Uno" sentado en la primera fila, después...
mi imaginación y la lluvia.
|
|
| 1 |
|
| |
|
PAKUNIN
(13-01-07)
|
BABEL
A las razones ya dichas para ver esta película, añadiría
las siguientes aportaciones que me ha sugerido su visión: |
| Estamos
ante una película que su visión resulta a ratos
angustiosa, hay peligros que se ciernen sobre los posibles protagonistas
y vas teniendo la certeza de que va a suceder algo, y que se
puede empeorar la situación. Otra de sus virtudes es
mostrarnos como los débiles del mundo siempre se llevan
la peor parte, cuando hay dificultades no sólo no tienen
medios, no saben explicarse y además el poder es inflexible
con ellos, no les escucha. Es una buena muestra de la insolidaridad,
el egoísmo y la soledad, facetas que van siempre unidas. |
|
La
incomunicación alcanza la máxima expresión
y está plasmada de una manera magistral fundamentalmente
a través de una chica japonesa sordomuda.
No
estamos ante una película deprimente, no muestra nada
que no conozcamos ya. Tampoco da muchas esperanzas, aunque
muestra que la amistad y la mano que está dispuesta
a ayudarte está muy cerca, y como siempre no te das
cuenta.
|
|
|
| |
|
|
| Germinal
(28-12-06)
BABEL
|
 |
...
En el mundo global que, al parecer, nos encontramos hay hechos,
fortuitos o no, accidentes o incidentes que establecen una comunicación
continua entre diferentes puntos del planeta. Poco importa ya
que hablemos lenguas distintas (o que seamos sordomudos incluso);
el castigo bíblico de estar condenados a no entendernos
por pretender alcanzar lo inalcanzable, ha devenido en una condena
probablemente mucho más "perversa", la de,
en cualquier momento, en cualquier lugar, estar implicados en
un cambio de circunstancias, en una reacción equivocada,
en un riesgo cierto y mortal. Esto es BABEL, una excelente cinta
de González Iñarritu que os recomiendo... Marruecos,
USA, México, Japón son unidos de pronto por la
casualidad y ¡zas!... A los que hemos viajado, a los que
nos gusta viajar, nos dan ganas de no salir de casa, entendiendo
por "casa", no salir de la rutina, del pensamiento
ordinario, de los hábitos cotidianos, de nuestra seguridad...
Vedla... Por cierto, Brad Pitt ya no es sólo un "guaperas".
|
|
| |
| BORAT
|
Germinal,
noviembre 2006 |
|
Supongo
que los amigos cinéfilos ya estaréis un poco al
tanto del fenómeno "Borat". He visto la peli
y, efectivamente, es inaudito el trabajo realizado por el amigo
Sacha Baron Cohen. Resulta que haciéndose pasar por un
ciudadano "kazajo" se larga mandatado por su Gobierno
a tomar nota de la vida en los "E-E-U-U" (lo más
de lomás. El Imperio) y nos sacude un bombazo (cámara
al hombro, estilo Michael Moore) de lo que se encuentra. Es
verdad que él parte de una situación de "paletismo"
escalofriante, de una situación social cuasi prehistórica,
pero lo que se encuentra desde New York hasta Hollywood (cual
Quijote en busca de su Dulcinea. En este caso la exhuberante
Pamela Anderson), es sencillamente impresionante. ¿Dónde
está el verdadero paletismo? ¿Cuáles son
los valores que celosamente guarda la metrópoli? ¿Cuál
es la diferencia entre himnos? (genial la mezcla de la supuesta
letra del kazajo con la música del yanqui). ¿Cuál
es la diferencia entre la fiesta del "encierro del judío"y
el rodeo americano?... Los saludos, la comunicación,
los bailes, los homosexuales, las minorías (negros),
los jóvenes, las prostitutas, la
guerra, el dinero, la religión... Maravillosa, de verdad.
Cinéfilos y/o acratosos, anteponed su visionado, si podéis,
a cualquier otra. Creo que vais a pasar un buen rato.
|
 |
|
| |
| SCOOP,
de W. Allen... |
Germinal
(19-11-2006) |
|
Quizá
alguno se estuviera preguntando si todavía no había
visto a mi admirado Woody. Menos mal que AYANIMOF nos había
colgado ya una reseña sobre su nueva peli. No obstante,
y a pesar de suscribir lo dicho por Ayanimof, me resisto a no
comentar algo...
Efectivamente,
después de Match Point (magistral. Yo hasta me la he
agenciado en DVD para conservarla), puede que no cupiera hacer
otra "obra maestra" (tengamos en cuenta que Allen
nos lanza una obra por año, más o Menos). De modo
que Scoop (cavidad, hueco... siempre hay alguno) es una "variación"
sobre el mismo tema tratado en Match Point. En este caso Allen
aparece como actor y nos ha vuelto a descubrir que tras el "bombonazo"
Scarlett (una de las pocas rubias que me gustan), hay un pedazo
de actriz...
|
|
Id
a ver la peli si no lo habéis hecho aún y recordad
que cuando los Beatles hicieron Sargent Pepper´s no siempre
volverían a alcanzar esa cima, pero Yellow Submarine
o Let It Be no estaban mal ¿verdad?
|
|
| |
| LORCA,
EL MAR DEJA DE MOVERSE |
AYNADAMAR
(06-11-06) |
|
Película
documental minoritaria a la fuerza por cuanto, que yo sepa,
al menos en Madrid, se proyecta en sala y sesión únicas
de Lunes a Jueves en un solo pase. Director y guionista que
no conozco pero seguramente buenos.
Cualquier trabajo sobre Lorca provoca desde hace ya algunos
años cierto hartazgo. ¿Se habrá hablado
y escrito sobre el poeta? ¿Se habrán subido oportunistas
al simbólico carro de su recuerdo? Y, por cierto ¿Se
conoce su obra, obligado fuera, como enorme figura de la literatura?
Bien. A pesar de todo y con las lógicas reservas, entendí
la conveniencia de ver este film. Me sorprendió gratamente.
|
|
|
Con
una narración de hechos muy bien descritos, opiniones
de estudiosos y testimonios de allegados muy convincentes, ubicación
perfecta del contexto, y el acertado recurso a producciones
anteriores insertando escenas llevadas a la pantalla donde se
refleja fielmente determinadas situaciones de aquellos días
de Agosto 36; se compone un conjunto tan bien ensamblado, que
logra presentar un trabajo muy atractivo para el espectador
y alcanza perfectamente lo que entiendo que es su objetivo:
la necesidad de poner a cada uno en su sitio en el escenario
de aquel suceso donde nunca se reparará lo uficiente
la honra del poeta.
Tanto y tanto hemos revistado esta página de nuestra
historia que resulta complicado invitar se vuelva una vez mas
sobre ella. No obstante, considero muy recomendable visitar
la sala y sesión minoritarias.
|
 |
|
También me tomo la libertad de escoger el cuarto y último
poema de la composición "Llanto por Ignacio Sánchez
Megías" (1935) como humilde homenaje al poeta desde
esta revoltosilla tribuna. Gracias. |
No
te conoce el toro ni la higuera,
ni caballos ni hormigas de tu casa.
No te conoce el niño ni la tarde
porque te has muerto para siempre.
No te conoce el lomo de la piedra,
ni el raso negro donde te destrozas.
No te conoce tu recuerdo mudo
porque te has muerto para siempre.
El otoño vendrá con caracolas,
uva de niebla y monjes agrupados,
pero nadie querrá mirar tus ojos
porque te has muerto para siempre.
Porque te has muerto para siempre,
como todos los muertos de la Tierra
como todos los muertos que se olvidan
en un montón de perros apagados.
No te conoce nadie. No. Pero yo te canto.
Yo canto para luego tu perfil y tu gracia.
La madurez insigne de tu conocimiento.
Tu apetencia de muerte y el gusto de su boca.
La tristeza que tuvo tu valiente alegría.
Tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace,
un andaluz tan claro, tan rico de aventura.
Yo canto su elegancia con palabras que gimen
y recuerdo una brisa triste por los olivos.
...
|
|
|
| |
 |
SCOOP
|
|
Divertimento
en clave menor que sabe a poco tras su magnífica "Match
point". No obstante nos permite pasar un buen rato (¡qué
no es poco!) y volver a ver a Woody Allen delante de la cámara,
representando su ya conocido personaje, esta vez disfrazado
de prestidigitador, que siempre obsequia con alguna frase inteligente
o irónico juego de palabras ("¿Hijos?, No
he querido tener hijos; los cuidas, te desvives por ellos y
cuando han crecido te acusan de padecer alzheimer"). Tambien
nos brinda la oportunidad de ver a Scarlett Johansson en un
personaje más entrañable y encantador que el de
seductora rubia platino que pretende adjudicarle la interesada
industria del celuloide. En definitiva esperemos que se trate
de un pequeño descanso humorístico antes de acometer
un nuevo proyecto de mayor enjundia.
|
|
 |
AYANIMOF
(02-10-2006) |
|
| |
|
Germinal
(16-10-06)
|
|
"El
viento que agita la cebada" (The wind that shakes the barley),
de Ken Loach.
|
Una
vez más, Loach, da un nivel extraordinario al utilizar
el cine como un medio de comunicación para algo más
que para el espectáculo que, siendo parte esencial de
este arte, no lo es todo. La obra de Loach es siempre una obra
"comprometida", sin ambages, sin autocensura, sin
concesiones comerciales, intentando reflejar lo que hay y lo
que todos sabemos o nos imaginamos. Se dice que en esta ocasión
ha levantado "ampollas" entre el "stablishment"
británico. Y ante esto, uno se pregunta, pero esta gente
¿qué querrá?... Los britanicos han sido
el, probablemente, "último imperio descarado",
digo descarado porque ahora, en nuestros días, los imperialistas
yanquis y sus adláteres utilizan justificaciones (guerras
preventivas, ataques defensivos, derrocamiento de tiranos...),
aunque perversas, pero justificaciones...
|
|
Y de esto trata la peli, del imperialismo británico (inglés)
en su vecina Irlanda, un imperialismo que aún colea en
Irlanda del Norte. Para ello, Loach y Laverty (el guionista
magistral que, por cierto, vive en Madrid), sitúan la
acción en la Irlanda de los años 20, a los pocos
años de la Gran Guerra (aquella que había dejado
más de 15 millones de muertos). Lo primero que nos enseñan
es a los "ocupantes" como matones y chulos de taberna,
después como militares que son unos "mandados"
y se limitan a cumplir las órdenes "legales"
de su gobierno, luego a los "colaboracionistas", los
acaudalados terratenientes a los que la presencia del dominio
mediante la fuerza infunde el suficiente miedo para la sumisión
de los pobres... Luego ponen encima de la mesa, la reacción,
la rebelión, la necesidad de responder organizados, la
necesidad de cumplir la disciplina, el hecho de saltar los límites
de los afectos, la amistad por el bien de conseguir los objetivos
(¿el fin justifica los medios? ¿para todos? ¿sólo
a veces?); las diferentes posturas de algunos curas de la tradicionalmente
católica Irlanda y la de la Iglesia Oficial...
|
|
Y,
al fin, las razones políticas de "soluciones prácticas"
de "negociación y concesiones" frente a los
que se han embarcado para soltarse del yugo del invasor, para
tener entidad propia, para los que prefieren morir de pie que
seguir viviendo de rodillas, para los que quieren ver el mundo
nuevo que llevan en sus corazones (ya sabéis, aquello
de si ganar la guerra o hacer la revolución, ¿nos
suena, verdad?)...
Buena ambientación, buena fotografía, actores
magníficos... (Irlanda, tú conoces el secreto)...
En fin, imprescindible, foreros. Quien no lo haya hecho, que
la vea.
|
|
|
| |
Germinal
(14-09-06)
Germinal (02-10-06) |
SALVADOR
|
|
...
Quienes entren en "Un rincón en la memoria",
apartado libros, aún pueden encontrar la reseña
que el 24 de febrero de 2002 hice sobre la aparición
de la obra "Cuenta atrás" de F. Escribano,
contando la vida (sobre todo lo relativo al final de sus días)
de Salvador Puig Antich... Mañana, 15 de septiembre se
estrena la peli "Salvador" basada en esta obra. Durante
este tiempo he venido siguiendo noticias sobre el proyecto.
También he seguido noticias sobre el empeño que
se tiene (muy especialmente la familia, claro) de que la causa
sea revisada y se reconozca el "error oficial", restableciendo
la memoria y el buen nombre de Puig Antich. Todos los dos de
marzo de cada año, y ya hace treinta y dos, he recordado
aquel día del 74. Era el corazón de la década
del cambio. Lo viví y lo recuerdo. Y lo que son las cosas,
intenté adquirir una entrada gratuita para el preestreno,
pero llegué tarde. Veré la peli. Ya hablaremos
de su calidad, pero ya es importante que el hecho se ponga sobre
la mesa de la opinión pública y que, nosotros
los interesados en la memoria libertaria, exijamos que se pida
perdón, que se rehabilite a estas víctimas también
¿o no?... Veré la peli y me quedaré en
la garganta un ¡Viva la Anarquía!
|
|
|
| Después
de ver la película, Germinal nos comenta: |
|
"...No
sé si comenté en el Foro que había recogido
una información en la página de Rebelión.org
de un grupo de gente reivindicando la memoria no sólo
de Puig Antich, sino de los componentes del MIL (recordemos
que J. Marc Rouillan aún está en prisión
en Francia. Desde 1987). En esta información se expresaba
una queja sobre lo que consideran una visión edulcorada
de la película. Bien, nunca llueve a gusto de todos.
Yo,
como ya he manifestado recuerdo aquellos asuntos porque en aquel
tiempo tenía 23 años y ya estaba en la ebullición
política en la Universidad. Desconozco los entresijos
de aquellos grupos de vanguardia (algún día deberíamos
hacer un debate sobre la ingenuidad de determinadas luchas y
momentos).
Sí
es cierto que en la vida sindical, en los datos bibliográficos
y en algunos testimonios he conocido algunas cosas más.
Por tanto, tengo una opinión formada, aunque, no digo
que no, quizá errónea.
La
película, basada en la narración de F. Escribano
(La cuenta atrás) es bastante fiel al relato y es, no
hay que olvidarlo, sólo una película (que además
ha optado a ser enviada a los Oscar. ¡Qué paradoja!,
por cierto), no se trata de un documental o de un reportaje
partidista.
Basándose
en lo que se basa, el relato de Escribano, me ha parecido muy
buena. Sé, porque lo he segudio siempre que ha aparecido
alguna noticia, que la familia en su día tuvo reparos
para consentir, y contribuir, a la publicación de la
biografía. Hoy, al parecer, han visto con muy buenos
ojos la realización de la peli. Seguramente piensan que
ayudará a la lucha que, desde hace años, mantienen
por la revisión del caso y la recuperación del
buen nombre de Salvador Puig Antich. Y en verdad, creo que la
peli puede contribuir a ello. Ahora, lo que debemos hacer, en
mi opinión, es reivindicar de nuevo esta figura, cosa
que si no, nadie va a hacer (y no sólo ésta figura,
sino todas las del movimiento libertario. Empujar todos, sin
partidismos). El viernes, sesión tarde/noche, en la sala
que yo la vi estábamos a un tercio de ocupación...
Me
ha gustado mucho. Una interpretación magnífica
(sobre todo, claro, la del Daniel Brühl. Pero también
la de Ulloa, la de Watling, la de Sbaraglia y la de los demás
un poco más noveles). El guión es muy fiel en
su resumen. La ambientación es muy buena (te traslada
a aquella época) y la música estupenda. Al final,
no grité de rabia, pero se me humedecieron los ojos mientras
Llach cantaba "... Y si canto trist"... Vedla y hagámosla
nuestra. Puig Antich murió y todos tuvimos un poco la
culpa (unos más que otros, claro) al no saber o poderlo
evitar, pero automáticamente, como Aquiles en aquella
Iliada que él leía, se convirtió en inmortal.
Como Sacco y Vanzatti, como Granado y Delgado, como tantos...
Por cierto, los sátrapas también "agarrotaron"
aquel 2 de marzo a H. Chez..."
Germinal
|
|
| |
| Germinal
(16-09-06) |
El
Capitán Alatriste
|
|
...
Al final, cuando al Tercio Viejo de Cartagena sólo le
quedan muertos, heridos y magullados, una delegación
de franceses del sitio de Rocroi se dirige a parlamentar bajo
bandera blanca... Vienen a decir algo parecido a que "dice
su Comandante que dado el enorme valor con el que han combatido
los españoles, están dispuestos a aceptar una
rendición con todos los honores"... El Capitán
Alatriste (magullado, pero todavía con algo de voz) es
uno de los pocos que puede contestar que "agradecen mucho
la consideración de su Comandante, pero que son un Tercio
Español y..."
Quizás ésa es la moraleja, tanto del relato como
de la película: El sentido del deber, de la lealtad,
del honor, de la valentía, a la hora de la verdad (que
se diría en términos taurinos), ha residido en
España, muy probablemente, siempre en el pueblo, mientras
los gobernates y sus adláteres han sido sátrapas,
déspotas, caprichosos, envidiosos, clerigalla, meapilas,
beatería, autócratas, conspiradores, corruptos,
etc. etc.
|
|
Una enorme producción la de Alatriste. No alcanza al
Señor de los Anillos, por ejemplo, por razones económicas
obvias, pero de verdad que es una gran producción. Los
actores (impresionantes, no sólo Mortensen, sino Cámara,
Echanove, Anaya, Ugalde, Noriega...), la fotografía,
el guión (que no es fácil. Se ha hecho a partir
de cinco volumnes publicados con un metraje de algo más
de dos horas), los efectos especiales (quizá es donde
se pueda notar más la escasez económica. Pues
una producción de este tipo con 20 millones de euros
da para lo que da), la ambientación, todo grandioso y
de calidad.
Se recomienda.
|
|
|
| |
| |
|
El
Taxista Ful
(El límite que nos impide vivir...)
|
AYANIMOF
(18.06.2006)
|
 |
Sobre
un fundido en negro oímos la voz del protagonista:
"A Barcelona vine con 12 años. Nos vinimos porque
la miseria era muy grande. Compartíamos un piso de
60 metros cuadrados más de 20 personas. Así
que cuando oigo hablar de la inmigración, pienso que
es lo mismo, sean las personas de un país o de otro”.
De esta manera comienza la película de Jordi Solé
(Barcelona 1968) inspirida en el caso real de un falso taxista
que recorría las calles de Barcelona, lo que le sirve
de hilo conductor para reflexionar sobre un drama cotidiano:
La precariedad. “La precariedad entendida como ese límite
que nos impide vivir. Un límite marcado por las condiciones
de vida impuestas por la mundialización de la lógica
inherente al capitalismo”.
Filmada
a modo de falso documental, denuncia la injusticia de una
sociedad que relega a los trabajadores que han cumplido cierta
edad y tienen la desgracia de quedarse en paro, a mendigar,
día tras día, un puesto de trabajo; lo que en
muchos casos hace caer a estas personas en un estado de desesperación,
de falta de estima, que les lleva a ser rechazados, incluso,
por sus seres queridos.
|
|
El
protagonista de este docudrama, en su intento por mantener la
dignidad y poder seguir alimentando a su familia, lleva a cabo
una idea absurda, tan absurda como el sistema que le oprime.
En su huida de la “justicia” entablará amistad con un
joven militante de grupos antisistema y, gracias a la solidaridad
de éste, descubrirá que hay otras opciones, otras
formas de vida, que poco a poco y no sin esfuerzo irá
entendiendo. El contraste entre la forma de ver el mundo del
protagonista y las personas que conoce, pertenecientes a organizaciones
que denuncian el sistema capitalista como la llamada: “Dinero
Gratis”, dará lugar a jugosos diálogos no exentos
de irónica autocrítica.
|
|
|
|
En
definitiva; ¿Qué puede hacer una persona con 52
años y sin trabajo en una sociedad que le ignora?
Tal vez tomar prestada una herramienta de trabajo, que en ese
momento no utiliza nadie, y atravesar la noche de la gran ciudad
tratando de agujerear la realidad.
|
|
|
|
¡¡¡¡SIGA
AL GORILA!!!!
(o "de cómo a Peter Jackson se le fue la olla")
|
Gato
Jazz (22-05-06)
|
|
Existió
una vez un gordito simpático que soñaba con contar
viejas historias. Aquellas que en su adolescencia le habían
hecho soñar. Aquellas que en su fuero interno deseaba
que alguien llevara a la pantalla de cine.
Este
gordito simpático creció, y como nadie se animaba,
y a él no se le daba en el fondo demasiado mal eso de
hacer películas, se dijo: ¿por qué no yo?
Y
se embarcó en la nada desdeñable tarea de filmar
no uno, sino tres sueños.
"Tres
anillos para los Reyes Elfos, bajo el cielo…"
|
|
 |
Y
al acabarlos, ni corto ni perezoso, se lió la manta a
la cabeza, y la emprendió contra el gorila más
"supervitaminado y mineralizado" de la historia del
cine: el mítico rey Gorila, el "Gran" King
Kong.
Si
servidor ya salió más cabreado que una mona del
estreno de "The Lord… por la ligereza y la irreverencia
con que el señor Jackson había tratado la obra
de Tolkien (posteriormente ya me he disculpado repetidas veces
con Mr.Peter: "reconozco mi error y te beso el culo"),
lo del gorila fue ya el acabose.
|
Y
es que uno no puede dejar la imaginación fuera del
cine, limitarse a abrir mucho los ojos y dejar entrar todo
lo que director y guionistas hayan tenido a bien servir en
35 milímetros. No.
Uno tiene que meter la imaginación dentro del cine,
y ponerse a "jorobar" la marrana mientras ve la
película.
(Aviso de las autoridades: si ven a alguien con imaginación
dentro de la sala, avisen al acomodador o al personal del
cine, que procederán a su expulsión inmediata
y tomarán las medidas que marca la ley).
Y
con la imaginación, los prejuicios. Y las dudas. O
Peter Jackson ha parido la broma más gloriosa desde
aquella del "¡ganarás el pan con el sudor
de tu frente!", o son ciertas las palabras que más
repetí (entre carcajadas eso sí), mientras duró
la proyección: "a Peter Jackson se le ha ido la
olla".
Puede
que haya tenido algo que ver que el gordito simpático
y bonachón, que recogió con carretilla y alpargatas
un millón de oscars hace nada, haya perdido peso, y
con los kilos esa apariencia de hobbit que lució en
un cameo memorable en la aldea de Bree.
O
también un casting demencial. ¿Adrien Brody de
aventurero intrépido?. Ya está bien que en El
Pianista de Polansky yo me pasara gran parte de la película
pensando cual de los miembros de Ketama era ese tío que
salía delgadito y con barba. Pero es que en el Gorilón
siempre que aparecía el Brody me lo imaginaba agarrado
a una lata de pepinos, y claro, eso rompe cualquier climax.
También pensaba en qué momento dejó de
crecer Billy Ellyot, para quedarse así de retaco.
Y eso que hay grandes aciertos. Un director de cine jeta donde
los haya, con la frescura y el carácter del mejor John
Houston. Parecían a punto de largarse a filmar la Reina
de África.
O Andy Serkins, el grandioso Smeagol, o Gollum, que borda su
papel de cocinero todoterreno. Escapa tú de una estampida
de dinosaurios en un desfiladero sin que te pisen para terminar
absurdamente devorado por una especie (¡esa es otra!)
de solitaria gigante.
Y
llegamos a nuestro prota, a King Kong. Si Jackson ha pretendido
transformar a Kong en tópico amante americano, felicidades,
bien por él. Porque lo ha conseguido. Crucero por mar,
patinaje sobre hielo, paseos por Central Park, y como colofón,
una cita en lo alto del Empire State. Parecía "Algo
para recordar".
Ya
en plena vorágine del absurdo, va Brody-Carmona y se
monta en un taxi y pronuncia la frase que para mí resume
el espíritu de toda la cinta: ¡siga al gorila!.
Y el taxista, cabal donde los haya, le manda a mamarla a Parla.
Mi
consejo es que Peter Jackson no deje las cosas a medias y que
cuando la novia del gorila salga del hospital, (cuando uno recordaba
a Jessica Lange seduciendo al gorila y esperaba algo a la altura
va la bella de turno y se pone … ¡a hacer malabares!.
Y menuda ensalada de hos… le mete el gorila a lo bobo mientras
se partía el trasero de risa. Entre eso, y los meneos
p'arriba y p'abajo que le arrea mientras pelea con los tres
dinoloquesean, la chica habrá necesitado cuando menos
un collarín), que cuando salga del hospital protagonicen
un final como se merece la historia:
Matrimonio
en las Vegas, y Cataratas del Niágara.
|
|
| |
|
Ro(V)in
Hook (24-04-2006)
|
V
DE VENDETTA
|
|
|
Esta
peli le gustará a nuestro amigo del foro Gato Jazz. Es
una muy buena adaptación a la pantalla de un comic de
David Lloyd sobre un futuro no muy lejano, lo que agrava la
inquietud que el asunto nos aporta, dominado por un ejercicio
del poder tiránico y fascistoide al que se ha llegado
aprovechando el terror colectivo general y los todopoderosos
medios de comunicación, especialmente visuales, de masas.
Terriblemente cercano, terriblemente familiar.
La mano en el guión y la producción de los hermanos
Wachowski se nota mucho y el espectador sale ganando de una
estética futurista pero nada distante, muy cuidada, perfectamente
adecuada para realzar el clima opresivo que preside y potencia
el conjunto del film. También una magnífica fotografía
contribuye al resultado final, con rojos, negros y blancos muy
equilibrados y vistosos. Buena banda sonora, bien integrada
en la imagen y subrayando la acción cuando hace falta.
|
|
Curiosamente
se trata de el debut en la dirección de un tal James
McTeigue, que sale francamente airoso y con nota del experimento
y al que me parece la tarea de producción ha llevado
en volandas. Solamente el diseño de producción
de todo lo relacionado con la máscara y traje del anónimo
protagonista, cargado de seducción en sí mismo,
ya merece más de un premio a mi entender.No tardaremos
en ver estas máscaras llenando los carnavales de nuestras
ciudades. Secundarios como John Hurt y Stephen Fry estan sensacionales,
Natalie Portman, nada principesca, coquetea con el auténtico
lado oscuro de la Fuerza y lo padece, y uno de esos actores
con cara de palo que tan bien lo hacen en cada uno de sus trabajos,
Stephen Rea, repite en el papel de investigador cuasi honrado
en un sistema que no le gusta pero que asume con profesionalidad.
El rostro de este hombre es de los más secos, anodinos
y tristones que recuerdo pero su talla como actor y su manejo
del mismo, le hacen admirable.
Película
para disfrutar de buenas escenas de acción y pelea, de
ambientes secretos exquisitamente subterráneos cargados
de objetos artísticos en un eclecticismo decorativo lujoso
y elitista, del morbillo de la investigación, de explosiones
como la del mismísimo Parlamento londinense, Big Ben
incluido, con un realismo impecable. Un héroe anónimo
tras su disfraz, atormentado, un fantasma del metro, un vengador,
un subversivo insumiso que no ha cerrado los ojos al peligro
que se asentaba en su sociedad como han hecho los demás,
tenaz, vírico ¿Será capaz de lograr algo
más que su vendetta?
Y
una película que deja poso y hace pensar en la actualidad,
en el camino por el que nos llevan o nos pueden llevar, a la
que puedes volver y sacarle punta en muchas ocasiones, pues
su contenido y las cargas de profundidad que aloja pueden tardar
en explotar.
|
|
Casualmente la V encerrada en un círculo se parece, si
le damos la vuelta, a una A encerrada en otro que nos puede
ser muy conocida. Sobre todo si se trata de una producción
de la Warner en colaboración con ANARCHOS Productions
Inc, otra casualidad?
Os animo a verla, a comentarla y a recordarla. A Eranos le aviso
que no le gustará. Pero él fue hippie y eso marca
a cualquiera.
|
|
|
| |
Ayanimof
(15-04-2006)
|
OTROS
TIEMPOS
|
|
|
Título
original:Les temps qui changent
Año:2004 Duración:90 min. Francia
Reparto:
Catherine Deneuve -Cécile
Gerard Depardieu -Antoine
Gilbert Melki -Nathan
Lubna Azabal -Nadia/Aicha
Malik Zidi -Sami
Tanya Lopert -Rachel
Jabir Elomri -Said
Nabila Baraka -Nabila
Nadem Rachati -Bilal
Dirección:
Andre Techine
Guión:
Andre Techine
Aurent Guyot
Ascal Bonitzer
Música:
Juliette Garrigues
|
|
Reflexión
sobre el paso del tiempo, sobre amor y renuncia, sobre la fuerza
de los sentimientos, sobre la obsesión. Recuperar el
tiempo perdido, volver al primer amor.
El autor ha elegido Tánger como escenario y a esta ciudad
fronteriza entre Africa y Europa, donde conviven personas aferradas
a su tradición con otras que miran hacia España
con el anhelo de atravesar la franja de agua que les separa,
acude Antoine con el pretexto de acelerar unos trabajos de construcción
pero con el secreto objetivo de volver a ver a Cécile,
su amor de juventud y su única gran pasión. Al
mismo tiempo que vemos como Sami, hijo de Cécile, que
necesita a Nadia para que dé equilibrio a su vida no
puede frenar su atracción hacia el joven Bilal. Ante
la frialdad y el rechazo de Cécile, casada con Nathan,
un médico judío, más joven que ella, Antoine
no dudará en recurrir a la brujería, a la magia
que parece redimirle en el último momento.
|
|
Los
simpatizantes del idioma de Victor Hugo tienen ocasión
de ver la película en V.O.
Conste que no es una película perfecta. Valiente, como
a veces el amor, pero no perfecta. Temeraria, como la pasión,
pero no perfecta. En cualquier caso siempre quedan esas pequeñas
nadas, como la canción que Cécile pone en su programa
radiofónico:
"Ce sont ces petits riens qui
me venaient de vous..."
|
|
|
| |
| Ayanimof |
(03-04-06)
|
|
Azul
oscuro casi negro
|
|
|
Ese color que a veces confundimos, lo que nos demuestra
que no siempre percibimos las cosas como son. El engaño.
El destino. Desafiar al destino a base de engañarnos.
Jorge, el protagonista, asume lo que el destino le ha
deparado, se siente responsable de ello hasta que inopinadamente
conoce a una mujer que le hace replantearse su vida. Tal
vez podría dejar toda esa carga que le atenaza,
obviar todo lo que los demás esperan de él
y dejarse llevar por el deseo.
Primer largometraje de Daniel Sánchez Arévalo
(premiado por diversos cortometrajes) interpretado por
jóvenes y convincentes actores. Drama con golpes
de humor, como la vida misma.
Azul oscuro, pero en la oscuridad si abres bien los ojos,
si sabes dilatar las pupilas, puedes captar algo de luz.
Azul oscuro, muy oscuro a veces, casi negro, pero en el
fondo Azul.
|
|
|
|
| |
| |
| (08-03-2006) |
Rosario
Pi (primera directora española del cine sonoro español)
|
 |
Nacida
en Barcelona en 1899 fue desde siempre una mujer emprendedora.
Presidenta de la productora Star Films, su primera producción
sería un mediometraje (61 m) dirigido por Edgard Neville,
¡Yo quiero que me lleven a Hollywood! Edgar Neville explica:
"Doña Rosario, a pesar de una ligera enfermedad
que le hacía andar con un bastón, tenía
alma de productora, pero carecía, desgraciadamente, de
cuenta corriente. Nunca se pudo averiguar cómo movilizaba
cada diez o quince días un operador, unas cajas de negativo,
unos proyectores y demás personal técnico que
necesita una película, por modesta que sea. Ni yo ni
los artistas cobrábamos un céntimo, y lo hacíamos
todo por afición, por ayudar a esta atrevida señora".
En
1935 dirige su primera película El gato montés
y en 1938 (plena guerra civil) Molinos de viento.
|
|
| |
|
Germinal
|
(22-02-2006) |
BUENAS
NOCHES, Y BUENA SUERTE
|
|
Hasta
ahora la imagen que teníamos de Clooney era de la de
uno de los guaperas simpáticos de Hollywood. Un buen
chaval. Bueno, pues nos ha hecho llegar esta peli en la que
se nos muestra, además, como un creador muy interesante.
Dicen
los críticos que el presupuesto del filme es una bagatela,
unos siete millones de dólares. Y la verdad es que sí,
que para lo que se gastan los yanquis en hacer superproducciones,
no es dinero.
Con
un guión magnífico y unos actores también
magníficos (Clooney se muestra en un segundo plano, probablemente
intencionado) rueda una película en blanco y negro y
muy bien ambientada, con una música exquisita. Es la
época de la caza de brujas en USA, o sea, la persecución
del mundo intelectual (cine, música, periódicos...)
por el senador McCarthy.
Se
me antoja que vista desde el punto de vista europeo ésta
es una película de las que llamaríamos "comprometida".
Creo también, que es una película que vemos de
forma muy diferente las personas politizadas y las que no lo
están tanto (esto lo podemos discutir).
|
|
|
|
Para
los politizados, nosotros, puede mover a unas reflexiones que,
así que pasen las décadas, no cambian, es más,
puede que estén de rabiosa actualidad. La censura de
hoy, en el mundo occidental, no es, desde luego, de una paranoia
tan explícita como la que se muestra en la peli, pero
existe. Ya lo creo. Ahí estamos hoy día tratando
de "controlar" los medios, aupando a los autores que
"interesan" y "hundiendo" a los que no.
Manipulando la información....Y tratando de definir,
en fin, qué o qué deja de ser la libertad de información,
¿dónde empieza y acaba?
Vedla
(sobre todo ahora que esta prohibido fumar. Veréis por
qué).
|
|
| |
|
GERMINAL
(20-02-2006)
MUNICH
|
En
1972, en las Olimpiadas de Munich, un grupo de palestinos cometieron
un atentado en la Villa Olímpica contra atletas israelíes.
La película, como dice el cartel de anuncio, narra los
hechos que vinieron después.
|
 |
Es
decir, el gobierno de Israel presidido por G. Meir, decidió
responder al atentado localizando y "ajusticiando"
a los 11 palestinos que, supuestamente, planearon o cometieron
los sucesos.
Spielberg
pone encima de la mesa el conflicto palestino-israelí.
La lucha de cada uno por su territorio, las razones para ello,
la lucha armada pura y dura (porque quizás no queda otra,
al menos en ese momento), los servicios secretos, las mafias
que hacen negocio de estos conflictos y que "trabajan"
tan tranquilos para el que mejor paga, los fundamentalismos,
las resistencias, el "ojo por ojo"...
Sinceramente
no creo que Spielberg necesite hacer cosas como ésta
por dinero (supongo que le sobra), de modo que quiero pensar
que detrás está su interés como creador
que lanza un grito de protesta, de "basta ya", de
que esto no puede seguir así... Al parecer ya ha levantado
una gran polémica en diferentes sectores (hasta nosotros
en Occidente, llegan antes y más los de los judíos,
pero también los habrá levantado entre palestinos).
|
|
Como
no puede ser de otra forma, el filme está muy bien hecho,
con un guión, creo, muy bien adaptado y una música
(de J. Williams) espléndida. Los actores también
están excelentes (muy bien Eric Bana, el Héctor
de Troya).
Vedla
y, a ver si aparte de algún Oscar, merece que polemicemos.
|
 |
|
| |
| PAKUNIN
(06-02-2006) |
BROKEBACK
MOUNTAIN
(en terreno vedado)
|
|
|
Es
una interesante película y no porque sea muy premiada.
Hay que despejar falsas ideas, es una historia de amor entre
vaqueros homosexuales que no quieren reconocer su condición
dado el entorno social que les rodea. Los acontecimientos se
desarrollan entre 1963 y 1975, una época donde la condición
de homosexual en el ambito rural y tradicional norteamericano
no estaba nada aceptado. Hay una lucha feroz entre la llamada
vida "normal" y la pasión y el amor entre estos
dos hombres. Además la película nos muestra los
sentimientos de las esposas de estos dos vaqueros y su relación
con los hijos.
|
|
Los
paisajes y los escenarios elegidos combinan perfectamente los
elementos de belleza, opresión y desolación en
la vida de los protagonistas. El ritmo lento y monotono a veces,
nos muestra la vida rutinaria de trabajo, vuelta al hogar, hijos
y esposa, con el único horizonte de la escapada para
encontrar la relación que de verdad les llena.
|
|
 |
El
director es Ang Lee que tiene en su carrera unos trabajos interesantes
y de temática muy diversa ("El banquete de boda",
"Comer, beber, amar," "Sentido y sensibilidad",
"La tormenta de hielo", "Tigre y Dragón",
etc).
En una palabra que es buena esta película, puede parecer
larga pero no lo es, una historia de amor vivida por homosexuales.
|
|
| |
| Germinal
(16-11-05) |
MATCH
POINT
|
|
Quizá
alguno de los que entráis en "un rincón para
la memoria" ya me habréis leído mi incondicionalidad
con W. Allen. Pues sí, en cuanto he podido me he metido
para el cuerpo Match Point.
|
|
Sólo
unas pequeñas pinceladas que añadir a la magnífica
y entrañable reseña de Ayanimof. Esta
vez nos encontramos con un Allen apartado de su "vis"
cómica y de su inteligente manejo del sarcasmo. Nos encontramos
con un Allen que, desde lo cotidiano, como siempre, nos propone
un ejercicio filosófico lleno de rigor. Combinando algo
tan de moda como el tenis con un argumento de F. Dostoiesky
(igual me falta alguna letra) nos hace "viajar" hacia
una polémica interesante: ¿Es más importante
y decisivo el camino de la toma de decisiones, que tanto ha
preocupado a psicólogos y terapeutas, o todo al final
depende del puro y simple azar?...
|
 |
 |
|
Vedla.
Maravillosos actores, claro está. Música, como
siempre. Y Scarlett, aunque a mí las rubias no me dicen
mucho, ¡Preciosa y genial! Igual Allen a redescubierto
a Marilyn...
|
|
| |
| AYANIMOF
(07-11-2005) |
|
MATCH
POINT
(La música del azar o como ganar un "tie-break"
a cualquier precio)
|
 |
15
a nada.- Woody
cambia de campo. Ciertamente sus últimas obras se antojaban
un tanto reiterativas y mostraban un evidente cansancio. El
primer tanto a favor de Allen es haber sabido cambiar de escenario
trasladándonse a Londres. Filmar a la orilla del Támesis
le sienta de maravilla y el elenco de actores británicos
cumple con acierto su cometido.Inquietante Jonathan Rhys-Meyers.
Encantadora en su fragilidad Emily Mortimer.
30
a nada.- La
trama, con su engañoso comienzo en clave de comedia,
vira hacia un turbio drama. Y así podemos observar,
en esta adaptación libre de "Crimen y Castigo"
de Dostoievski, como se va complicando la ascensión,
en la alta sociedad británica, del desclasado protagonista
(profesor de tenis), a causa de su desmedida ambición,
víctima de sus bajas pasiones.
|
|
40
a nada.- La
película nos habla tambien del azar, de lo que puede
la suerte influir en el destino de nuestras vidas. Sin embargo,
estoy seguro de que no fue por azar que Allen eligiera como
única actriz no británica a Scarlett Johansson,
turbadora desde su primera aparición. Más bien
quedaría prendado tras ver su ensoñador trabajo
en "Lost in translation". Nuevo y gran acierto del
entrañable director.
|
|
|
Juego
para Woody.-
Una más que agradable sorpresa, este reencuentro con
el gran realizador, no tanto, quizás, para los que ya
habíamos disfrutado con su obra de 1989 "Delitos
y Faltas". En esta última entrega deja constancia
de su inspirada madurez retomando el tema de la culpabilidad,
del crimen sin castigo, denunciando esta sucia sociedad en la
que, a diario, se cometen crímenes que no son castigados
e incluso en más de una ocasión se ven generosamente
recompensados. El metraje pasa por primera vez de las dos horas.
Contiene las escenas de sexo más apasionadas de su carrera,
resueltas, eso sí, con elegancia. Y como golpe final
para conseguir el tanto definitivo: la música. Nada de
jazz, que es cambiado acertadamente por fragmentos de ópera
que se erigen en el subrayado perfecto a este drama contemporáneo
con que nos obsequia el viejo amigo Woody Allen.
|
 |
|
| |
GERMINAL
(05-11-2005)
Esta
vez como he andado listo, quiero decir rápido, pues
anoche fui al cine invitado por El País, que nos invita
de vez en cuando a los suscriptores, eso sí, como digo,
si andamos rápidos y nada más ver el anuncio
llamamos
solicitando entradas.
La
peli se llama "El jardinero fiel". Me pasó
lo que nos advierte R. Hook hablándonos de El Método,
que salí cabreado. Y pensando algo así como, "hay
que ver lo que está pasando y yo discutiendo de beneficios
sociales y de
oficinas sfp".
|
|
La
peli está dirigida por Fernando Meirelles, el de "Ciudad
de Dios", y el guión está basado en una novela
de John Le Carré. Los principales protagonistas son Ralph
Fiennes y Rachel Weisz.
Cuando
acabó la proyección, la sala, llena de suscriptores
de El País (os podéis imaginar que tipo de "ganado")
quedó enmudecida. Daba la impresión de que habíamos
asistido a un "golpazo", bellísimo creo yo,
pero golpazo. La dirección es buena, el guión
también, la interpretación magnífica
y la música impresionante.
|
 |
Pero
hete aquí, que hoy veo el anuncio de su estreno en el
periódico y en el mismo recogen algunas apreciaciones
de los críticos de diferentes medios y han optado por
resaltar que es una historia de amor o de acción. Bueno.
También es una peli que denuncia la intervención
canallesca de las multinacionales farmacéuticas (en este
caso) en Africa, los modos del reparto de alimentos, la explotación
laboral (si se le puede llamar laboral), la precariedad de infraestructuras,
la hipocresía de los gobiernos occidentales al mirar
a "otro lado" ante formas de dominio medieval (esta
vez con armas automáticas)...
|
|
Vedla,
disfrutad de sus paisajes, de los rostros de sus gentes, escuchad
la música y... cabreaos, que el mundo nuevo que llevamos
en nuestros corazones da para más que para beneficios
sociales (perdón por la demagogia).
|
|
| |
|
Robin
Hook (28-10-2005)
|
|
|
Hay un tipo de cine cuya virtud es, precisamente,
la de no diferenciarse de la realidad cotidiana. Si buscas evasión,
no vayas a ver esta estupenda película o volverás
el lunes a trabajar con la depre entre las cejas, salvo que
seas delegado sindical, en cuyo caso, resulta una formación
de obligado cumplimiento su visionado, y, además, ya
estarás hecho al sufrimiento.
|
|
Un inteligente argumento, cargado de trampas,
que mantiene tu interés hasta un final que dista de resultar
evidente y del que no cometeré la torpeza de facilitarte
siquiera una pista. Excelente labor de actores, diálogos
intensos y naturalidad expresiva. Decorados fríos y que
favorecen la opresión de los personajes realzando las
tensiones entre los mismos. Contrapunto musical con algunas
concesiones humorísticas que se agradecen. Buen guión
y buena mano en la tarea de dirección y en el montaje.
En resumen, equilibrio que se traduce en que al espectador se
le hace corta una película que se desarrolla exclusivamente
en interiores y que en algo recuerda "Doce hombres sin
piedad".
Es de esas que dan que pensar durante muchos días,
de las que vuelves a visitar con la memoria de cuando en cuando.
Personajes que pareces conocer, bien definidos y encajables,
incluso, con modelos a imitar en esta sociedad de triunfadores
(?) y divinos de la muerte. Ejecutivos gladiadores, ratas
del tamaño de Godzilla dispuestas y entrenadas para
sobrevivir a base de alimentarse de entrañas ajenas,
trepas tramposos atrapados en su propia trampa, prestigio
social bien pagado a ritmo de "maricón el último",
humillados gusanos ansiosos de humillar, póker de deshumanizados
humanos de la cultura del éxito, gentes de pulso firme
para moverse en el mundo de la empresa machacando a cualquiera
sin miramientos, pisoteadores de sentimientos y dignidades;
si esto no es directamente fascismo, se le parece mucho.
Podría haberse titulado "La parada de los monstruos"
si Tod Browning no hubiese llegado antes, con la particularidad,
de que estos nos dan más miedo.¡ Ojalá
pudiesemos pensar que se trata de mera ficción!.
Si nuestros directivos tienen la mitad de las características
de los protagonistas hemos de optar sin remedio por:
a) Prejubilarnos cuanto antes.
b) Consumir en los servicios la mayoría de nuestra
jornada.
c) Presentar toda la batalla colectiva posible, sin reparar
en armamento.
Personalmente, mucho antes de ver "El método"
había elegido la tercera opción, pero, si aún
no te habías decidido, esta película te dará
el empujón definitivo.
|
|
| |
 |
MIDNIGHT
COWBOY-John Schlesinger-(1969)
-Jon Voight//Dustin Hoffman
|
|
A
través de la ventanilla del autocar vemos a Joe Buck
abrazando el cuerpo inerte de su amigo Rizzo, vestido con una
camisa de palmeras que, en la parada anterior, le había
comprado para que complementara su sueño de llegar a
Florida. La tristeza azul de los ojos de Joe se mezcla con los
reflejos de la playa, símbolo del dorado sueño
de Rizzo, que ha conseguido alcanzar sólo su cuerpo,
pues la vida se la ha escapado durante el largo trayecto.
|
 |
AYANIMOF
(12-10-2005) |
|
Les
rêves trompés. Broken dreams. Aferrarse a un sueño,
en la desesperación, aunque nos vaya la vida en ello.
Joe Buck ha dejado su mísero trabajo de friega platos,
en un perdido pueblo de Texas, para ir a Nueva York, convencido
de que su agraciado físico hará que las señoras
de la gran ciudad caigan rendidas y le recompensen generosamente
sus favores. Pero desde que inicia el viaje la terca realidad
le irá golpeando. Las personas a las que se dirige no
muestran mayor interés en él. Así que se
aferra a su radio portátil como a una especie de talismán.
Ya en la ciudad que nunca duerme, irá de un desengaño
en otro, hasta acabar convertido en un cowboy de medianoche
ofreciéndose en la calle 42. En su desorientación
se topa con Rizzo, un patético personaje (una especie
de Lazarillo de Tormes urbano) que sobrevive de la picaresca
forjada en la inmundicia de tan injusta sociedad. Son dos perdedores
que se unen en su fracaso, entablan amistad, y caminan juntos
por el bulevar de los sueños rotos, perseguidos por los
recuerdos de una triste infancia. Unen sus escasas fuerzas para
seguir adelante, comparten una vivienda tan condenada como ellos
y combaten el frío bailando en su desvencijado hogar.
|
 |
|
Cuando
parece que la cosa empieza a mejorar que, por fin, Joe podrá
vivir de sus habilidades con las mujeres, la salud de Rizzo
entra en un estado crítico y nuestro vaquero decide hacer
realidad su sueño, empeña su querida radio e incluso
vende su sangre para comprarle medicinas y dos billetes para
el viaje en autocar a Florida, tierra soñada por Rizzo,
el cual asegura que el Sol le sanará y que Joe encontrará
tantas clientas como quiera.Se completa el círculo, y
este segundo viaje ya sabéis como acaba ( ¿ o
no?).
La belleza de las inolvidables escenas de esta película,
tan inolvidables como sus dos personajes principales, se ve
incrementada por la hermosa canción de Fred Neil que
interpreta de forma magistral Harry Nilsson:
"Todo el mundo me habla
No oigo una sola palabra de lo que dicen
Tan sólo el eco de mi mente…
…Voy a donde el sol sigue brillando
sobre la copiosa lluvia
Donde el clima hace juego
con mi ropa…"
En cualquier caso, ¡que importa!, mis botas seguirán,
siempre, reluciendo, porque, lo creáis o no, soy el Cowboy
de la medianoche.
|
|
| |
| |
AYANIMOF
(01-10-2005) |
BLOW
UP (1966)-Michelangelo Antonioni |
| |
The
Yardbirds
|
|
Una
escena :
Hay películas que pertenecen a una época determinada,
que se muestran rehenes del tiempo en que fueron creadas.
Sin embargo, algunas conservan un extraño encanto.
Por ejemplo, una que no dudo en revisitar cuando tengo ocasión.
Tal vez porque soy aficionado a la fotografía, también
por la presencia de una joven, Vanessa Redgrave (¡que
señora!),
|
 |
|
|
|
por la acertada banda sonora de Herbie Hancock, pero sobre todo
por una escena que justifica, por sí sola, su visión:
el protagonista entra en una especie de local nocturno. Nada
más abrir la puerta un creciente zumbido de guitarra
lo invade todo. Keith Ralf se acerca al micrófono y comienza
a cantar de forma hipnótica. La cámara nos muestra
a los espectadores como una especie de zombis con la mirada
fija en el escenario. Mientras nuestro hombre trata de abrirse
paso entre el estático personal, la canción alcanza
su punto máximo de ebullición y la yuxtaposición
del sonido, "in crescendo", de las dos guitarras,
te golpea en algún recóndito lugar del cerebro
dejándote pegado al respaldo del asiento. Sólo
vuelves en tí cuando empieza a fallar uno de los amplificadores
y Jeff Beck, desesperado, lo golpea con su guitarra. Por supuesto,
se trata de The Yardbirds interpretando su Stroll on.. El otro
guitarrista es Jimmy Page, poco antes de iniciar su glorioso
vuelo en Zeppelín, pero eso es otra historia.
|
| |
|
|
| |
| PAKUNIN
(05-10-05) |
|
PRINCESAS
Fernando León de Aranoa
Me
sentí inquieto, nervioso, emocionado, molesto, le acabé
cogiendo manía al dichoso sonido del móvil.
Bueno, pues todo eso lo consigue la película Princesas
de León de Aranoa. Desasosiego esa es la sensación,
la palabra que la define. Creo que eso debe ser cine, no me
extiendo, ya está todo dicho, es una película
impecable en todos sus apartados: dirección, actrices,
guión, música, etc. Hubiera sido fácil
cargar las tintas en la violencia, pero sin embargo de una
manera sutil, sin mostrarla consigue transmitirla. No es una
historia bonita, no puede serlo, es una de las muchas historias
que viven aquellas personas que nos rodean, aunque la mayoría
de las veces sean para nosotros "invisibles", nos
molesta. Desde luego la prostitución sigue siendo un
asunto que si no es ya tabú como en otras épocas,
procuramos pasar de él o hacer un chiste fácil.
Es una asignatura pendiente, para todos y todas, y esta es
una buena ocasión para empezar el debate.
|
|
|
| |
| GERMINAL
(29-09-05) |
|
PRINCESAS
Fernando
León nos ha vuelto a poner en las pantallas una de las
historias habituales con las que, nos guste o no, convivimos.
Una de esas situaciones a las que todos nos referimos con eufemismos,
con sonrisas, cómplices o no... Puestos a utilizar eufemismos,
él ha utilizado uno encantador, "Princesas".
El debate está servido. ¿Hablamos de sordidez?
¿Hablamos de algo deleznable? ¿Hablamos de necesidad?...
Hay personajes para todos los gustos.
La
peli es sencilla a la par que magistral, probablemente se
trate del cine heredero de los realismos español e
italiano. Buen cine, buen guión, buenos actores...
y las princesas, preciosas... Vedla.
|
|
|
 |
LAS
MUJERES INVISIBLES (Fernando León de Aranoa) "Princesas
"
Las
mujeres invisibles no existen, no trabajan en la casa de campo
cada noche, no pasean casi desnudas entre sus árboles
asombrados, como de bosque encantado venido a menos. Podréis
verlas allí, haciendo equilibrios sobre la cuerda floja
de sus arcenes, paseando inestables, hermosas, entre el caudal
lento y metalizado de los coches. Podréis verlas, pero
en realidad no estarán ahí. No tienen papeles
que lo demustren, que les den la identidad y la vida, el derecho
a caminar por las calles sin miedo a los uniformes. Tampoco
su trabajo existe, aunque pagan a diario los altos impuestos
de la precariedad, la triple cuota diaria de la persecución
y el dolor, triple por mujeres, por ilegales, por putas. Tienen
tantos jefes al día como clientes abrazan su fe y los
riestgos laborales que asumen son tan grandes que de saberse,
harían enrojecer a sindicatos, ministros y primeros
de mayo
Las
mujeres invisibles carecen además de voz. Oiréis
a muchos hablr en su nombre, nunca a ellas. Cuando las quieran
salvar, cuando las quieran proteger, cuando las quieran esconder,
cuando las quieran echar, tampoco podréis escucharlas,
porque nadie les pregunta, nada, nunca.
|
Sin
embargo, cada noche, en la casa de campo, sale vaho de sus bocas
cuando ríen, reunidas en torno a la hoguera cómplice
de su conversación. Si escucharais con atención
las oiríais hablar con una ternura desacostumbrada de
sus novios, de sus hijos, de lo que la vida tiene aún
reservado para ellas; las oiríais discutir, prometer,
lamentarse a veces, aunque discretamente, sin perjuicio de la
alegría. Si escucharais, las oiríais también
celebrar su cumpleaños un día, con un pollo rostizado
comprado a los ambulantes que frecuentan sus espacios. Luego
el brindis emocionado, cerveza y plástico, las palabras
que se anudan en la garganta, los aplausos y las risas, los
bolsillos de la memoria cedidos ya a fuerza de tanta ausencia.
Mientras,
a su espalda, el horizonte soberbio de la ciudad, con sus
torres de cristal, duerme tranquilo, ajeno a todo, también
a su propia fragilidad. Pero allí arriba, arriba, está
la vida, hablando en muchas lenguas distintas el idioma común
de la esperanza. Son las mujeres invisibles. No las podréis
ver pero son, tal vez, lo único real.
|
|
| |
| |
AYANIMOF
(06-08-05)
REVISITAR
EL BUEN CINE. REVISITAR LA BELLEZA
Tres
colores: Rojo. El color de la fraternidad, de la solidaridad.
En cada fotograma el rojo, en cada fotograma: la vida, con
sus muchos contras y algún pro, pero vida al fin. Vidas
que se cruzan, que se entrelazan, como esos cables telefónicos
del comienzo, como si girasen en una noria sin fin. Pero siempre
hay esperanza. A pesar de que su avanzada enfermedad le anunciaba
que el fin estaba cerca, quiso Kieslowski regalarnos este
canto final a la esperanza representado en la figura del juez,
que vive aislado, renegado del mundo, y sólo disfruta
espiando las miserias ajenas reflejadas en conversaciones
telefónicas.
Nunca somos del todo dueños de nuestras vidas. Estamos
sometidos a diversas influencias y también al azar.
Sí, al azar (pregúntale a Paul Auster). Y es
por azar, por una inopinada circunstancia que el juez recibe
la visita de una enigmática joven, Valentina, que le
hará replantearse su postura, que le devolverá
la fe en la humanidad, o al menos en algún ser humano.
Nunca sabe uno. A veces lo vemos todo tan oscuro que llegamos
a convencernos de que ya no queda esperanza. Craso error.
Hay que seguir adelante ("walk on, walk on with hope
in your heart and you'll never walk alone) porque de vez en
cuando la vida toma conmigo café. Sí, de veras.
Y está tan bonita que (no te lo puedes imaginar) da
gusto verla.
En una escena, ella le cuenta que está muy preocupada
por la vida que lleva su hermano, por sus problemas de drogadicción,
y se muestra desesperada:-¿Qué puedo hacer?-
"Sea"- .-¿Cómo?- Sí, que sea
usted misma. Lo mejor que puede hacer por los demás
es: ser usted misma. Gran enseñanza, condensada en
tres letras. Más de una vez nos hemos visto inmersos
en algo parecido y efectivamente si nuestra desesperación
nos lleva a dejar de ser nosotros mismos, a caer también
en la degeneración de nuestra forma de ser, poco podremos
ayudar.
Y así vemos como el juez se redime a través
del amor que empieza a sentir por la joven. Abandona incluso
su voluntario encierro. Sale. Se enfrenta de nuevo a la vida
y propicia que la protagonista coincida en su viaje con un
joven, cuyas conversaciones telefónicas ha espiado.
Auguste, una especie de alter ego del juez. El juez con treinta
años menos. Se siente feliz contribuyendo a que la
persona que le ha devuelto la esperanza conozca a alguien
con quien vivir hermosos momentos.
Tres colores: Rojo. Una vez vista la película, el color
de la belleza.
|
|
| |
| |
Germinal
(04-07-2005)
"Tapas"
J. Corbacho y J. Cruz.
Buena
de verdad. Se trata de una peli tragicómica que, partiendo,
de un retrato muy auténtico de lo cotidiano, nos puede
permitir elucubrar o filosofar con "qué pasaría
si... o que pasa si me reconduzco, rectifico y veo".
En fin.
Otra
cosilla ya no se puede ver. Ha sido la representación
de Julius Caesar bajo la dirección de D. Warner. ¿Actores?,
qué deciros. La escuela inglesa es lo que es (y eso
que la argentina en nuestro entorno no le va a la zaga). ¿El
montaje? Parece ser que a ciertos "entendidos" no
les hagustado mucho. A mí me ha encantado. ¿El
texto?, pues bueno, después de ver estas cosas a uno
le dan ganas de quedarse en Shakespeare. Ahí está
todo ya, demás, en vigor. Y mira que ha llovido...
|
|
| |
|
RAKEL
(02-06-2005)
HABANA
BLUES, dirigida por Benito Zambrano
Es
una historia centrada en el mundo de los músicos en
Cuba, concretamente en la Habana. Dos amigos, Ruy y Tito,
sueñan con triunfar. Y justo cuando están preparando
su primer concierto, aparecen unos productores españoles
que les proponen grabar discos fuera de Cuba con determinadas
condiciones, oferta que les hará cuestionarse su vida,
sus afectos y pondrá a prueba su gran amistad.
La
película está hecha en tono semidocumental,
con lo que nos transmite, de forma magistral, la vida cotidiana
de la Isla, con las carencias motivadas por el largo bloqueo
económico que vienen padeciendo los cubanos, al mismo
tiempo que se nos muestra la gran vitalidad y alegría
de vivir que tienen, resaltando sobre todo la enorme dignidad
con la que afrontan una vida de precariedad.
Es
un canto a la amistad y a los sentimientos profundos que se
dan en las relaciones entre ellos, mostrando el especial cariño
que hay entre nieto y abuela, hermanos, hijos, primos o amigos,
tan lejos del individualismo e indiferencia instalados en
los países del "mundo capitalista", donde
se poseen muchas cosas, pero se carece de las fundamentales:
dignidad y alegría de vivir.
Benito
Zambrano estudió cine en Cuba y dice que con esta película
ha querido hacer un homenaje a ese país que le dio
tanto. También dice que no ha querido hacer un filme
de buenos y malos. Por ello plasma, sin juzgarlos, tanto a
los que quieren salir de la isla con la esperanza de un mundo
mejor, como a los que quieren quedarse, entendiendo que allí
están sus raíces y su "modus vivendi",
a pesar de la falta de medios con que se encuentran.
La
música es el hilo conductor de la película,
mostrándonos una sociedad viva. Dice Zambrano que "fue
a Cuba en busca de trovadores y cantautores y se encontró
con un mundo contracultural, potente, casi marginal y underground
de grupos de rock, hip-hop, reggae y heavy metal, una juventud
creativa y superviviente, que se mueven en pocos espacios,
pero muy poderosos". Es una radiografía de Cuba,
sobre todo de la realidad social de buena parte de la juventud,
que a pesar de las dificultades económicas, están
viviendo al margen de la revolución, buscando espacios
de libertad a través de la música.
La banda sonora es sensacional, con 18 temas originales cautiva
desde el inicio hasta el último título de crédito
que aparece en pantalla, dejando a los espectadores clavados
en los asientos hasta escuchar la última nota.
|
|
| |
HABANA
BLUES
Es
la segunda película de Benito Zambrano, director de
Solas (1999) y desde luego no decepciona. Continua explorando
las relaciones humanas y los sentimientos a través
de historias que enganchan en un clima cotidiano. No es solo
una película musical, aunque la música que se
hace en la isla y que es tan alternativa como la que podemos
escuchar en cualquier lugar del mundo esta presente, y es
diferente a la que podíamos esperar. Hay una historia
de fondo, donde hombres y mujeres viven su vida, aman y sueñan.
En ningún momento, y es una tentación, se convierte
en un panfleto anticastristas, aunque salen algunas pinceladas
de la miseria que se vive en la isla. La Habana, con sus miserias
y grandezas solo es un telón de fondo sobre el que
se desarrolla la vida Tampoco es un canto a Cuba, en todo
caso destacaría la dignidad y la entereza de los protagonistas
para vivir sus sueños y para afrontar los retos que
presenta la vida.
|
|
| |
|
PAKUNIN
(11.04.05)
ENTRE
COPAS
Es
una magnífica
película dirigida por Alexander
Payne y protagonizada en sus principales papeles por Paul Giamatti,
Thomas Haden Church y Virginia Madsen. La historia nos presenta
a dos prototipos de hombres: Miles, es un escritor fracasado,
catador de vinos, divorciado, traumatizado, incapaz de olvidar
a su antigua pareja y de disfrutar de las maravillas que le
rodean. Por otro lado Jack, un actor fracasado a punto de casarse,
catador de mujeres y sin ningún complejo ante los problemas
que ofrece la vida. Una bonita historia en la cual todos podemos
vernos r eflejados
en unos casos por excesiva timidez y falta de valoración,
y en otros casos por exceso de autosuficiencia. Los dos personajes
encerrados en si mismo, olvidan que pueden herir a las personas
que les rodean. Una divertida historia donde nos invitan a disfrutar
de la vida sin necesidad de hacer méritos, aceptándonos
tal y como somos. Una película que merece la pena ver
en compañía para poder comentar después.
|
|
| |
|
AYANIMOF
(07.02.05)
MILLION
DOLLAR BABY
(La Espléndida Madurez de Clint Eastwood)
Quien
acuda a ver esta película pensando en un Rocky en versión
femenina se llevará una sorpresa, pues la historia que
se nos cuenta, basada en un relato corto, 40 páginas,
de un exparcheador de boxeadores (los que se dedican a curarles
las heridas entre un asalto y otro), llamado Jerry Boyd , con
magnífico guión de Paul Harris, utiliza el mundo
del boxeo como máscara, haciendo del cuadrilátero
una metáfora de la vida y sus heridas de difícil
cicatrización. De hecho Frankie, memorable personaje
atormentado que caracteriza de
forma magistral un veterano Eastwood , experto en cortar las
hemorragias de sus pupilos para que puedan combatir en el siguiente
asalto, es incapaz de cerrar esa herida profunda, producida
por la negativa de su hija a contestar las cartas que semanalmente
envía y que le son irremediablemente devueltas. Una herida
que no para de supurar y que le hace acudir diariamente a la
iglesia en búsqueda de consuelo. Ha cometido algún
grave error en el pasado, que el espectador desconoce y que
su hija es incapaz de perdonarle. Este hecho ha provocado su
distanciamiento del resto de los mortales, aplicando para sí
el lema que repite a todos sus boxeadores: ¡Protégete!.
Su única relación con el mundo es a través
del gimnasio que regenta, por el que pululan personajes marginales
en busca de un sueño que difícilmente conseguirán,
como es el caso del enternecedor Peligro y a cuyo mantenimiento
le ayuda su viejo amigo Scrap (que encarna con su habitual maestría
Morgan Freeman). A este gimnasio llega una chica, Maggie, de
miserable existencia, dispuesta a cambiar su suerte triunfando
en tan duro deporte. Frankie mantiene su lema de protegerse
y la despacha con un: "Yo no entreno a chicas", pero
la tenacidad de la muchacha, ayudada por Scrap, que resiste
sus desprecios y las mofas de los compañeros, le hace
cambiar de opinión. Digamos que, por primera en 23 años,
baja la guardia y se verá obligado a afrontar las consecuencias.
Algunas
claves de la película son:
-REDENCION: La que Frankie, por fin, encuentra en esa especie
de adopción de Maggie que viene a llenar
el doloroso vacío de la ausencia de su verdadera hija.
-TENACIDAD: La que tiene Maggie (inolvidable interpretación
de Hilary Swank) que se aferra a su última oportunidad
de cambiar su miserable existencia.
-AMISTAD: La que existe entre Scrap y Frankie aunque nunca
se lo digan. (Dos seres golpeados, dentro y fuera del ring,
que ocultan sus sentimientos)
-AMOR: El que se establece entre Maggie, que busca alguien
que crea en ella, atormentada por la pronta pérdida
de su padre y el rechazo de su madre, y Frankie que encuentra
en Maggie a la hija perdida.
 Cine
en estado puro, filmado con maestría, con esa sobriedad
, esa aparente sencillez de la que hace gala
Clint Eastwood. Magníficos interiores en claroscuros
cuando el protagonista, curtido en mil batallas, tiene que tomar
la decisión más difícil de su vida, a sabiendas
de que haga lo que haga, nunca volverá a ser el mismo.
Nada volverá a ser igual. Las luces y las sombras que
le atenazan.
Eastwood resuelve la película con valentía. Nos
regala algo más de dos horas de cine clásico,
nos hace tomar partido, nos pone contra las cuerdas. Filmada
en sólo 37 días y con un presupuesto cuatro veces
inferior al de El Aviador; ahora que en Hollywood imperan los
efectos especiales, las superproducciones pretendidamente históricas,
encarnadas por guapitos de moda, muy poco creíbles para
este humilde aficionado, o las biografías descafeinadas
con las que pretenden que nos interesemos por la vida de multimillonarios
cuya mayor preocupación era la de pilotar aviones y seducir
mujeres famosas; la película de Eastwood nos habla de
las relaciones humanas, de la soledad, de personajes reales,
que se mueven a ras de tierra, que saltan a diario al ring de
la vida, aferrados a un sueño que se les escapa.
|
|
| |
|
(26-11-04)
Rejas
en la memoria (2004)
Documental en el que hablan las víctimas del franquismo.
Imágenes de archivo, algunas inéditas, testimonio
de políticos, periodistas e historiadores sobre los sucesos
en más de 100 campos de concentración en los que
se obligó a trabajos forzados sólamente por pensar
diferente.
Hay
motivo (2004)
 Treinta
y dos cortometrajes de tres minutos, temas que van desde la
manipulación de los medios de comunicación al
problema de la educación, la sanidad, los malos tratos
o la inmigración.
http://www.haymotivo.com/es/cortos.html
|
|
| |
|
A.Citta
(19-08-04)
LA
GRAN SEDUCCIÓN
(Una comedia irresitible que nos habla del aislamiento y
la dignidad humana... Un cuento universal)
Al
final todo se sabe. 
Un
grupo de gente cansada, aburrida de su destino en un lugar
perdido, desea salir de su abatimiento, buscar su dignidad.
Construyen una falsa realidad, investigan, mienten, actúan.
Todos participan con una fuerza y energía que dan envidia.
A través de una mentira logran que se entienda
su verdad y modificar su tediosa vida.
Después, si la película continuara ¿serían
capaces de autogestionar la nueva fábrica construída
con la misma creatividad? o ¿dejarían de luchar
y se someterían a cada vez más horas de trabajo
convertidas ya en tedio y aburrimiento?
|
|
| |
|
 AYANIMOF
(26-04-04)
EL
PRINCIPIO DE ARQUÍMEDES
(Principio, y fin, de los mandos intermedios)
Ver ficha técnica
Algunas
mañanas, un compañero situado a mi izquierda,
física que no ideológica, a modo de chanza, pregunta:¿Sabes
tú si lo de Viriato fue crimen o asesinato?
Yo siempre le contesto: "Está muy claro, tío,
le mataron 3 mandos intermedios".
Precisamente una mando intermedio (gran hallazgo para los empresarios
en el escalafón laboral) es el eje sobre el que gira
la historia de Belén Gopegui convertida en recomendable
película bajo la dirección de Gerardo Herrero.
Sonia, tal es el nombre de la protagonista, comienza a plantearse
si merece la pena su ritmo de vida, que la está alejando
de sus seres queridos, en pos del éxito profesional,
mientras se deteriora cada vez más su relación
familiar.
En una escena, que define perfectamente este sentimiento, la
vemos mirando con fijación a un exprimidor industrial
de naranjas ( de esos que tienen en ciertas cafeterias) y ,sin
necesidad de palabras, leemos en su mirada lo que se está
preguntando:
¿Cuánto más me van a exprimir? ¿
A cuantos más tendré que exprimir para seguir
escalando?. A partir de aquí las cosas se van complicando
cuando su amiga Rocío a la que ella ha recomendado para
un puesto en la empresa se convierte en su competidora. Pero
no voy a contaros más; tan sólo destacar una escena
, protagonizada de forma excelente por Vicky Peña, que
venciendo el miedo se decide, por fin, a hablar de manera tan
clara y sencilla como emotiva, soltando toda la frustración
acumulada, al comprobar que sus muchos trienios de entrega a
la empresa sólo sirven para que la quieran eliminar sin
ningún miramiento.
Gerardo Herrero dirige buscando la máxima naturalidad.Tanto
es así que, en algunas ocasiones, los actores miran directamente
a la cámara y te hablan. Sí, te hablan a ti que
estás en el tramo final de tu vida laboral y un poco
de vuelta de todo, pero tambien y sobre todo a ti que estás
comenzando o llevas ya algunos años en este mundillo
y sientes la tentación, si es que no has caído
ya en ella, de dejarte llevar por los cantos de sirena del éxito
profesional y la escalada rápida, en el escalafón,
a cualquier precio.
En definitiva, si sientes que eres algo más que un número,
si te niegas a ser otro ladrillo más en el muro, si estás
convencido de que la dignidad no es sólo una palabra...
¡ Haz caso a Germinal y no dejes de verla¡
|
|
| |
|
Germinal
(22-04-2004)
"El
principio de Arquímedes"... (Para flotar hay que
empujar)...
Es una peli para nosotros, los de la CGT, pero también
para los que se emocionan y no les importa que se les escape
una lágrima, para los que piensan que un beso es revolucionario,
para los que creen que hay que ir más allá de
la negociación, para los que consideran que un trabajo
no es el lugar en el que se sufre, para los que no quieren ser
exprimidos, para los que no quieren ser víctimas, para
los que luchan contra los aprovechados, para los que gustan
de la verdad, para los que piensan en defenderse, para los que
a lo personal oponen lo colectivo, para los que aman la literatura,
para los que los hijos no son una carga, para los que la nómina
abultada no es un éxito, para los que están contra
la optimización de resultados, para los que piensan que
los humanos no somos recursos, para los que pueden contribuir
por pequeño que sea su esfuerzo, para los que no estamos
locos de "su" locura, para los que creen que el Estado
les explota... para los que, seguramente son pocos, pero TIENEN
UN NOMBRE. No dejéis de verla
|
 |
|
| |
 |
Luis
García Dadebat (09-02-2004)
21
GRAMOS
Al
parecer según las creencias de alguna cultura antigua,
en el momento de expirar el peso del cuerpo humano disminuía
en 21 gramos. Este parece ser el peso del alma. Es un
asunto curioso.
El
director mexicano Alejandro González de Iñárritu
reflexiona sobre la existencia y la muerte desde unos
personajes unidos por un suceso trágico en el
que, de una u otra forma, se ven todos envueltos.
Es el segundo largometraje de éste director.
El primero fue Amores perros. También participó
con 11 minutos en el largometraje colectivo "1.09.01.
11 de septiembre".
21 gramos me parece una película muy recomendable.
Durante 125 minutos Iñárritu muestra un
sentido particular de la vida y de la muerte, muchas
veces vehemente y apasionado.
El puzzle formado por los personajes y complementado
con saltos adelante y atrás en el tiempo, se
va componiendo en nuestras cabezas en un tránsito,
a veces convulso, entre la desesperación y la
esperanza.
|
|
|
| |
|
Germinal
(31-12-2003)
Cita
anual con Woody Allen y su nueva novela, perdón película,
"Todo lo demás" (Anything else)...Realmente
se debería titular, "Qué difícil es
ser bueno", te pueden terminar llamando terrorista... Ah,
por cierto, sale una actuación de Diana Krall. No dejéis
de verla, qué más os puedo decir?
|
 |
|
| |
BOWLING
FOR COLUMBINE
Miedo. Miedo a un posible enemigo exterior. Miedo al
vecino.
Miedo a todo. La cultura del miedo que ha empujado a
un pueblo,
el de los Estados Unidos de América, a armarse
hasta los dientes.
Esto es lo que refleja Michael Moore en su admirable
documental
de dos horas de duración que se ven sin pestañear.
Y así nos cuenta que el miedo que sienten los
norteamericanos se remonta a la época en que
la población de esclavos llegó a ser de
cuatro millones.
Pero en esto llegó Samuel Colt (1863) con un
invento llamado revólver que permitía
efectuar hasta seis tiros seguidos, algo imposible hasta
ese momento. Con tan bonito artefacto los blancos del
Sur mantuvieron la esclavitud 25 años más.
Además fue una gran ayuda para exterminar a los
indios. Por el miedo fundaron el Ku Klux Klan
y poco después la Asociación Nacional
del Rifle, que pretendía que las armas las tuvieran
exclusivamente los blancos, de tal forma que gran parte
de los 250 millones de pistolas y fusiles existentes
en USA son propiedad de los blancos que viven atrincherados
en barrios residenciales donde acaban empleándolas
contra ellos mismos.
|
|
Esta
paranoia se fomenta desde los medios de comunicación
y las declaraciones de un presidente que amenaza con
un imperio del mal dispuesto a atacarles. Desgraciadamente
esta locura tratan de exportarla a todo el planeta pasando
de las pistolas a los misiles y las bombas nucleares.
Algo que tristemente estamos volviendo a comprobar con
esta maldita guerra pues la consecuencia que deben de
estar sacando muchos países es la siguiente:
"Armate lo más que puedas para que no te
ataquen".
Así nos encontramos en el año 2003 con
unos paises que cada vez gastan más en armamento
mientras en otros la población muere a diario
de inanición.
El
curioso título se basa en el hecho de que los
dos estudiantes que entraron disparando en el instituto
de enseñanza secundaria de Columbine en 1999
y asesinaron a doce estudiantes y un profesor, habían
estado por la mañana en su clase de bolos.
Bowling for Columbine. Jugando a los bolos en Columbine.
Bowling for Irak. Jugando a los bolos en Irak.
¡Ya podrán!. Que fácil es hacer
pleno (en seres humanos) con "bombas racimo".
¡QUE VERGÜENZA!
AYANIMOF
|
|
|
|
|
|
|
|
Las
Horas
Tres mujeres. Un día. Tres vidas en un día
Buena música envolviendo las tres vidas
Buena interpretación
Lenta e inteligente.
Al final... una sola historia.
|
|
|
| "Las
horas" |
The
hours |
EE.UU.,
2002, 114' |
|
Dirección
Stephen Daldry
|
Producción:
Scott Rudin, Robert Fox
|
Guión:
David Hare, basado en la novela de Michael Cunningham
|
|
Fotografía:
Seamus McGarvey
|
Música:
Philip Glass
|
Montaje:
Peter Boyle
|
|
Protagonistas:
Nicole Kidman, Meryl Streep, Julianne Moore, Ed
Harris, Toni Colette, Claire Danes, Jeff Daniels,
Stephen Dillane, Miranda Richardson, John C. Reilly
y Allison Janney
|
|
Género
Drama
|
|
A.Citta
|
|
|
|
|
|
|
|
|
UNA
CASA DE LOCOS
La
película de Cédric Klapisch trata el tema
de la convivencia entre estudiantes con la beca Erasmus,
con un argumento en el que siete universitarios de distinta
nacionalidad comparten piso en Barcelona.
La
historia principal que vamos siguiendo es la de un joven
francés estudiante de economía que viaja
a Barcelona con la beca Erasmus y comparte piso con
otros seis estudiantes: un alemán, un italiano,
una inglesa, una belga, una española y un danés.
Pese
a que pueda parecer que se pasa por encima de los personajes
sin profundizar mucho en ellos, yo creo que lo que hace
la película es meter al espectador en la piel
del protagonista, sufriendo todas sus dudas y observando
|
|
su
evolución desde que coge ese avión para
España hasta que regresa a París, y dentro
de ese papel sólo profundiza en los personajes
que tienen una mayor relación con Xavier, el protagonista
francés, que son Wendy, la estudiante inglesa,
y la estudiante belga con la que comparte habitación.
De
ese modo nos pone en una situación en la que
nosotros, los espectadores, sabemos lo mismo que Xavier
y además llegamos a sentir como él esa
tristeza cuando se marcha de España o ese agobio
horrible, al final de la película, cuando se
ve sentado en un despacho para el resto de su vida.
Situación en la que todos pensamos "¡huye!",
y no nos decepciona.
Además
esta película tiene el encanto cotidiano y acogedor
de las películas francesas, que hace sentir cómodo
al espectador durante dos horas, en las que seguro pasarás
un buen rato, y no te arrepentirás de haber ido
a verla.
Dafne
|
|
|
|
|
|
|
"Un
final made in Hollywoood" de W. Allen.
Antes que nada una confesión: Aunque parezca una
vulgaridad, me encanta el Cine. Por comodidad y quizá
por la televisión voy muchísimo menos de
lo que me gustaría. Como además tengo una
perra maravillosa a la que me cuesta dejar sola (me entenderán
quines tengan perro), pues la verdad es que voy poco.
Pero cuando llega la cita anual de Woody, casi que lo
dejo todo y acudo de inmediato a ver que me cuenta.
Yo me quiero imaginar al Sr. Allen escondido tras sus
gafas y que de pronto, aunque la regularidad con que lo
hace parezca un encargo, se le ocurre un chiste. Va y
llama a su Productor habitual, se lo cuenta y deciden
llamar a los del Casting y se hacen una peli que, una
vez más, resulta maravillosa y que pone a los críticos
en el brete de intentar descifrar algo nuevo. Los de su
País han optado directamente por ponerle a "caer
de un burro". Aquí, los de Europa, nos limitamos
a decir que genial, maravilloso, que recuerda mucho a
tal y cual, incluso hay alguno que le saca defectos.
|
|
|
Esta vez el elenco de actores es poco conocido, salvo
G. Hamilton al que le propina un papelito magnífico,
pero vaya trabajito que se hacen.
El guión encierra la ceguera como moraleja (por
cierto, el final del chiste, estupendo). Una ceguera psicosomática
nos sirve para ver cómo un director genial venido
a menos tras inmensos fracasos, tanto personales como
profesionales, es capaz de transformarse desde ese estado
de invalidez transitoria. Y así, el Sr. Allen,
nuestro amigo Woody que anda estos días por aquí
"alucinando" con premios y príncipes
se nos vuelve a mostrar como el gran iconoclasta que es,
el estupendo ácrata que lleva dentro. La ironía
y el desenfado amigos. Esas sí que son armas peligrosas.
Hacedme caso, moved el culo y vedla.
Germinal
|
|
|
|
|
|
|
He
visto la película" LOS LUNES AL SOL" y sin
menoscabo de una buena interpretación por todos los actores,
el guión me ha parecido pésimo. ¿Todavía
da de si la plañidera de FULL MONTY?
MESSIDOR
|
|
|
|
|
|
LOS
LUNES AL SOL de Fernando León
Hay
una escena en la película en la que uno de los
protagonistas (magníficio Javier Bardem) se encuentra
a una conocida que lleva al médico a su pequeño
hijo. Santa (el nombre del personaje de Bardem) le coge
el sobre de las radiografías, que según
le dice la madre son del brazo del niño, y con
cara seria las mira al tiempo que la madre le pregunta
si es médico. No, contesta él, trabajé
en un hospital...Tras un breve silencio, concluye "a
mi me parecen normales"...
Se me antoja, quizás sea sólo lo que me
parece a mi, que eso es lo que pretende hacer Fernando
León con su película, una radiografía
del paro y lo que es más, que parezca normal. Esa
para mí es la moraleja, que el fenómeno
del paro se ha instalado en nuestras vidas y parece "normal"
y claro, como es normal, es lógico, inevitable,
¿o no?
|
|
Como nos tiene acostumbrados con sus anteriores trabajos,
Fernando León hace buen cine con poco presupuesto
(como me decía un amigo quizás estemos
ante el Ken Loach español). Hay varios de los
actores que ni siquiera son conocidos por el gran público.
El guión es espléndido. Asistimos a una
película de las llamadas corales en la que se
cruzan diferentes historias partiendo de un grupo de
compañeros despedidos de unos astilleros. El
del Comité ha puesto un bar con la indemnización,
alguno ha encontrado otro trabajo y los más se
dedican a deambular y sobrevivir con el vino, con los
sablazos, con no pagar o con la que gana su mujer en
un contrato temporal. Se nos va mostrando cómo
los parados pasan a formar una "casta" en
el entramado social y cómo comienzan a "acostumbrarse"
y a "abandonarse" hasta llegar al suicidio,
a tener miedo por la mujer que les abandona o se plantea
hacerlo porque no aguanta, por no ser jóvenes
o por no ser "sujetos activos" y no tener
derecho a un crédito (memorable la secuencia
del Banco).
Dicen los de El País en la publicidad de la peli
que entretiene, que divierte, que emociona...Yo creo
que también deprime, al menos si se ve solo.
Así que quizás sea recomendable ir acompañado
de alguien agradable...En cualquier caso, una peli muy
recomendable. He dicho.
Germinal.
|
|
|
|
|
|
"Los
lunes al sol"
Un
lunes, un compañero me dice que tengo que ver
la última película de Fernando León
de Aranoa, "Los lunes al sol" ya
que en los títulos del final aparece un agradecimiento
a la CGT.
He
visto la película. La sonrisa es casi constante.
Si
vas a verla, intenta "ser" los personajes.
Observa lo que ocurre en ese espacio real para ellos.
|
|
|
|
Si
en algún momento quisieras atravesar la pantalla
para colocar objetos en espacios vacíos (una
toalla), no porque lo material sea lo importante, si
no por lo que significa esa ausencia.
O
si notas que tu cuerpo es dominado por la indignación.
Entonces
al salir del cine deberías preguntarte por
qué esos sufrimientos sin sentido y deberías
perder el miedo implicándote en su solución.
ANITYA
|
|
|
seccion.estatal@cgtbbva.net
