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un rincón en la memoria "nuestro cine"
(el de cada uno)
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Última
aportación el
8/03/08
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Esta
sección, al igual que el resto de las que componen ... un rincón
en la memoria, nace con la ilusión de que sirva de punto de
encuentro entre aquellas personas que tengan algo que compartir,
que quieran hacer participes a otros de sus recuerdos, sus emociones
ante la pantalla en la penumbra de una sala de cine.
¡Adelante!
no cortaros y poneros en contacto con nosotros. Será un placer.
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El
orden de las aportaciones es cronológico, una vez más, los primeros
serán los últimos y los últimos serán los primeros.
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EN
UN MUNDO LIBRE
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Germinal
(08-03-08)
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Han vuelto K. Loach y P. Laberty... Esta vez la cosa va de unas
mujeres que hartas de ser explotadas por hombres (o sea, lo
que suelen ser la mayoría de los hombres empresarios)
deciden montarse su propio negocio: Una agencia de trabajo temporal...
La cosa comienza muy bien, pero... Lo de siempre, una cosa lleva
a la otra y ¿necesariamente? acaban convirtiéndose
en explotadoras, sobre todo la prota, que termina haciéndose
despiadada... El poder, la pasta... En fin.
La
verdad es que salimos reflexionando sobre si ciertamente "nos
han ganado". Me refiero a ellos, a los malos, a los amos
del negocio. ¿Será que no hemos sido capaces de
desarrollar el internacionalismo?... Porque desde luego ellos
le están sacando el jugo a la globalización. Además,
merece comprobar que en los países que llevamos por delante,
lo van en todo, es decir, también en delincuencia empresarial
y en problemas laborales, sociales o de inmigración...
Peli
que hay que ver. Yo la vi en una sala y sesión (la de
las 7) que éramos media docena.
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Hitch
Iñurria. Enero 2008
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La nueva película de ANG LEE, realizada en China, Shanghay
concretamente, es otra película complicada y difícil
por su tema, de la que vuelve a salir airoso como ya lo hiciera
en "Broke Back Mountain" Nos relata una historia de
lujuria y pasión, masoquismo y dominación en los
tiempos de la invasión japonesa de China durante los
años de 1938 a 1942. Pero Ang Lee no se detiene en los
pormenores de la historia de la invasión japonesa en
su conjunto sino que se centra casi totalmente en la de dos
personas: Un ministro del Gobierno chino colaboracionista con
los japoneses dedicado a la captura y represión de los
contrarios a éstos y una joven china que huye a Honkong
al principio de la invasión y por amor a un exaltado
patriota chino intenta convertirse en una matahari romántica
para tratar de asesinar al citado colaboracionsita sobre la
base de seducirle y ser su amante. Como todo el grupo de espías
amateurs es pateticamente inepto, el intento fracasa en Honkong
pero lo intenta de nuevo en Shanghay cuatro años después.
Aunque la historia no tiene ningún suspense pues esta
narrada sin seguir las convenciones narrativas clásicas
y por lo tanto con saltos hacia atrás y adelante en el
tiempo, no desvelaré el desenlace, lo que si diré
es que consigue ser su amante; en esa relación él
intenta ejercer un dominio total por medio de vejaciones y hasta
violencia y unas cópulas exentas de ternura, más
bien todo lo contrario. Aunque acaba sintiendo por ella un sentimiento
que no llega a ser amor, pero tampoco sólo una pasión
sexual y por parte de ella lo que empieza por un fingimiento
total acaba siendo un sentimiento pasional total que se impondrá
a su obsesivo deseo de matarle por el bien de la causa china,
sacrificándose ella y también a sus patéticos
camaradas.
Ang Lee ha tenido que mostrar toda esa transformación
masculino-femenina a través de tres secuencias de sexo,
más explícito de lo habitual en el cine de hoy
día aún medido con baremos europeos y quizá
sólo comparable a las películas de Osima "El
imperio de los sentidos". Ang Lee planifica estas escenas
desde todos los ángulos posibles, con destreza y lentitud,
con delectación y ayudado por la gran interpretación
de los actores, el ya conocido Tony Leung y la neófita
Wei Tang, gran descubrimiento de Ang Lee, que consigue hacer
creíble y compleja la historia que de no haber sido así
podría haberse ido al traste, pues esas escenas y el
cambio que experimenta la protagonista femenina a través
de ellas, son la clave para la comprensión del desenlace
de la película y también causa de que la película
sea feminista, aunque por su tema no lo parezca, pero la protagonista
femenina triunfa sobre el torturador y duro, pero al final cobarde,
protagonista masculino.
Excelente y bella fotografía de Rodrigo Prieto y gran
partitura del emergente francés Alexandre Desplat. Bien
narrada y extraordinariamente planificada en resumen. Gran película,
intresante por su argumento, nada común en la cinematografía
actual.
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Siempre
la música
Por las calles de Dublín vemos a un músico que,
acompañado de su inseparable guitarra, interpreta durante
el día canciones conocidas a cambio de unas monedas.
Al caer la noche se atreve con sus propias composiciones y entona
su desgarrado lamento por la chica que le dejó, lo que
conmueve a una inmigrante checa que se gana la vida vendiendo
flores pero que sabe tocar el piano y es capaz de reconocer
el talento del joven cantautor callejero. Surge entre los dos
una suerte de complicidad cuyo nexo es la música hasta
el punto de llevarles a colaborar en una grabación.
El director dublinés John Carney, sin gran presupuesto
ni elaboradas coreografías, nos obsequia con un musical
atípico que cuenta a través de las canciones una
sencilla historia de amor. Tan sencilla como encantadora. Tan
subyugante como sus melodías hechas fotograma.
Excepto los muy duros de oído o de corazón, cualquiera
que se acerque a verla quedará prendado de sus imágenes
y de su hermosa música.
La música, siempre la música…
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ONCE
(Una vez)
(Léase: Guans. Nada que ver con cuponazos, ni extremos
izquierda)
Director: JOHN CARNEY.(Dublín-1972)
Protagonistas: GLEN HANSARD (Dublín-1970. Cantante, guitarrista,
compositor
y miembro fundador del grupo The Frames que ya cuenta con seis
álbumes de estudio publicados) y MARKETA IRGLOVA (Monrovia-1988).
Reside en Praga. Cantante,
compositora, pianista.
1
AYANIMOF
(18-11-07)
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| Robin
Hook (10-11-07) |
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Hubo
un tiempo en que a mí el director David Cronemberg me
recordaba a David Lynch. Algunos de los tonos que dominaban
sus películas me parecían "raros", algo
snobs incluso; originales, sí, pero me aburrían
a veces con tanta búsqueda de lo inquietante.
Han pasado los años y este canadiense va centrándose
de manera muy destacable; sus mensajes son mucho más
digeribles, su forma de contar, con mejor coherencia, su fuerza
visual más elevada. Todo esto no hace que su discurso
haya dejado de ser inquietante, sino que lo ha vuelto más
real y cercano, más creíble. Esa frialdad, tal
vez consustancial en alguien que viene de una geografía
y un clima como el de Canadá, que permanece constante
desde sus primeras pelis, remarca la amenaza y contribuye a
mantener la tensión en el espectador.
En esta película colabora el ambiente gélido del
invierno londinense, pues, aunque muy de pasada y con acertado
disimulo, el director nos deja saber que la acción transcurre
en Londres. Naomi Watts recorre la ciudad en su vieja motocicleta
mientras el frío aumenta su apnea existencial. Y es que
con las interpretaciones sensacionales que hacen los hombres
de la peli, bastante tiene con salvar la papeleta dignamente.
Desde luego, me quedo con la de Viggo Mortensen, hierático,
peligroso, humano, según la situación lo requiere.
Vincent Cassel, excelente en su papel, con un físico
a medida del mismo. El enigmático Armin Mueller-Stahl,
llena con su presencia la pantalla en otro personaje con "trastienda"
terrible y temible capacidad de fingimiento, que me recordó
en algo al del padre de " La Caja de Música".
Tres ases de la baraja, que bien llevados y con la elegancia
(por cierto, atención al vestuario masculino) que Cronemberg
añade con su manera de rodar, te van a hacer recordar
esta cinta.
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PROMESAS
DEL ESTE


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La
crudeza de la violencia, que abunda en sus manifestaciones físicas
y morales, puede sobrecogernos. Eso es señal de que está
bien hecho el guiso; nos lo comeremos encantados. Queda una
mínima oportunidad para el bien, un destello de bondad
en la dureza de la mirada de algunos de esos depredadores urbanos
sin escrúpulos. Menos mal, aunque hay quien dice que
es lo menos verosímil de toda la película. Total,
que no os conté nada del argumento de la cosa. Lo he
hecho a propósito para que vayáis a ver esta peli
que os recomiendo.
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SIETE
MESAS DE BILLAR FRANCES
Pues
en esta otra, cambiamos del protagonismo de los hombres al de
las mujeres. La primera de ellas es la directora Gracia Querejeta,
cuyo apellido ya va unido indisolublemente al mejor cine español
de las últimas décadas. Mujer con poca filmografía
aún, pero con muchos premios y calidad dentro, que discurre
entre el documental, el cortometraje y los largos. Sensible
en su mirada sobre la vida, en el reflejo de la realidad cotidiana,
sabe contruir personajes con fuerza para superar adversidades
de las que nadie se libra.
Es
de esto último de lo que trata Siete Mesas, de la capacidad
humana para salir de las situaciones por complicadas que se
pongan y de lo que lo facilita el apoyo de otros seres humanos,
alguien te hunde y alguien te rescata. La película es
un recital de dos actrices estupendas: Maribel Verdú
y Blanca Portillo. Un duelo incruento entre ambas, un complemento
al verismo de un guión muy bien conseguido, que nos hace
al final dudar de con cual de las dos nos quedamos.
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Hay riqueza, hay lecciones muy aprovechables para cada espectador,
hay profundidad en el planteamiento y excelente ambientación,
y también hay un número de secundarios arropando
la acción con una espontaneidad y tan bien retratados
e interpretados que no se concibe la peli sin ellos. Y hay un
niño con una expresión y una naturalidad, con
una cara de esas que raras veces se asoman por las pantallas,
como en El Sexto Sentido o en Secretos del Corazón, ¡Jopé
que niño!. Vamos que también deberíais
aflojar la pasta de la entrada para disfrutar de una magnífica
película española y cumplir, encantados y con
buen provecho, de la cuota de cine español obligada en
la pantalla.
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Le
métèque (27-10-07)
"Al Abordaje" nº 10
55.
DONOSTIA ZINEMALDIA - FESTIVAL DE SAN SEBASTIAN
Otro año más he estado en el Festival. Sólo
unos días, como siempre, pero, ¡oh¡, como
se disfruta inmerso en esas manadas de "marcianos"
del cine -me refiero a espectadores no al mundo de la farándula-,
haciendo colas inmensas para ver películas que a duras
penas conseguirán exhibirse, y de lograrlo, estar en
pantalla más allá de una ó dos semanas.
Bueno, sin más esto es lo que vi:
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L'AVOCAT DE LA TERREUR. Dir: Barbet Schroeder. Documental
sobre un personaje fascinante: Jacques Vergès, abogado
de militantes del FLN argelino en los años 60, y posteriormente,
de militantes de la ultra izquierda de todo tipo. Schroeder
nos lleva por los senderos más oscuros de la historia
reciente a través de esta enigmática figura. LO
MEJOR QUE VI EN EL FESTIVAL. Si algún día tienes
oportunidad de verla, no lo dudes, esto es cine de calidad excepcional.
- A THOUSAND YEARS OF GOOD PRAYERS. -Mil años
de oración. Dir: Wayne Wang. En la sección
oficial. Era razonable que ganase la Concha de Oro de esta edición.
Aunque, no vi todas las que competían, el prestigio del
director, un "amable" argumento que llega al corazoncito
y una narración dentro de cánones clásicos,
era difícil que no le tocase algún premio, y se
llevó el "gordo". Va de relaciones paterno-filiales,
por cierto, tema recurrente en gran parte de las pelis que he
visto este año. Para mí, UN FILM INTERESANTE,
PERO MENOR.
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-
DARLING. Dir: Johan Kling. Producción sueca, también
sección oficial. Que mala ostia me dejó esta peli.
Cuando me cuentan una historia de gente guapa y gente corriente,
por lo menos en el cine me gustaría que, de vez en cuando,
el futuro de esperanza sea para la gente corriente no para los
"guais". Pues aquí no, es la chica imbecil,
pero guapa, la que disfrutará de una segunda oportunidad.
Tengo que confesar que su realización era lo suficientemente
correcta como para alterarme: ME CABREÉ CON LA MORALEJA
DE LA HISTORIA.
- THE BLUE HOUR. Dir: Eric Nazarian. Usa. Esta la seleccioné
por su hipnosis: cuatro historias en una vecindad obrera de
L.A. Incluía una colaboración de Eric Burdon (cantando
en un pub). Nada remarcable. Por lo menos no me dormí.
- THE BIRD CAN'T FLY. Dir: Trhees Anna. Producción
sudafricana. Ésta la elegí por el país,
por su trama que se desarrolla en el desierto de Sudáfrica
y, además, porque la protagonista: Barbara Hershey siempre
me ha parecido muy "potente" (la Magdalena de LA ULTIMA
TENTACION DE CRISTO). Pues fue LO PEOR QUE VI DEL FESTIVAL.
- LADY CHATTERLEY. Dir: Pascale Ferran. Francia. Una
de las más esperadas por mí. Venía avalada
por muy buenas críticas de su país y muy premiada.
Me gustó, pero no me llenó. La estrenarán,
seguro.
- HONEYDRIPPER. Dir: John Sayles. Usa. Ves, ésta
que es un cuento narrado de forma convencional, me gustó
mucho. Tengo debilidad por Sayles, me parece un tío honesto.
Como su anterior film me había parecido muy poca cosa,
temía que estuviera en decadencia, pero no. IMPRESCINDIBLE
PARA AMANTES DEL BLUES Y DE LA MÚSICA EN GENERAL.
- SHADOWS IN THE PALACE/ GOONG NYEO. Corea del Sur. No
pongo el nombre de la directora porque no creo que interese
su obra futura. La historia va de asesinatos y su investigación
en la corte medieval coreana. ¿Sería una especie
de "El nombre de la rosa"?. Pues no. Los ramalazos
de esoterismo y fantasía destrozan el resultado. A favor:
lujo de producción (palacios, vestidos, etc...). En contra:
todas las actrices parecían iguales. Imposible distinguir
fisonomías orientales en este film, y no es un tópico
en este caso. No creo que la estrenen.
- MATAR A TODOS. Dir: Esteban Schhroeder. Uruguay. No
esperaba gran cosa y, sin embargo, me gustó. Peli pequeña,
pero honrada. Con un guión interesante e informativo
sobre la represión en Chile, Uruguay y Argentina. Atención
a la actriz protagonista: Roxana Blanco.
- LE VENT DE LA NUIT. Dir: Philippe Garrel. Había
que ver algo de auténtica cinefilia. De este director,
creo, que no se ha estrenado nada en este país (yo solo
he visto LES AMANTS RÉGULIERS del 2005 en DVD con la
que ganó una Mostra de Venecia). En ambas, el fantasma
de Mayo del 68 está presente. El dolor y la tristeza
que emana de uno de los protagonistas: un arquitecto marcado
por la muerte de su esposa y ese mayo, hacen de este film una
obra de cierta "sabiduría". Elige algo de este
directo en tu videoclub ó compra un dvd si puedes, no
te arrepentirás.
-
BERLIN. Dir: Julian Schnabel. Documental sobre unos recitales
de Lou Reed en Brooklyn en Dic-2006 recuperando un álbum
del año 73, llamado como el título del film, que
nunca llegó a tocar en directo. ACOJONANTE. Imprescindible.
Inolvidable la colaboración de ANTONY (el de Anthony
& The Jonson).
- PADRE NUESTRO. Dir: Christopher Zalla. Usa. La acaban
de estrenar cuando escribo estas líneas. NO TE LA PIERDAS.
De lo mejor que vi. Para mí, por encima de la que ganó.
No te cuento nada más.
- WHERE GOD LEFT HIS SHOES. Dir: Salvatore Stabile. Usa.
Ambientada en Navidad y con niños: urticaria segura aunque
vaya de tema social. Alguna cosilla interesante. La estrenarán,
seguro. Peli para "buenas conciencias".
- DEATH AT A FUNERAL /Un funeral de muerte. Dir: Franz
Oz. G. Bretaña. Siempre se agradece un poco de relax
cómico entre tanta trascendencia; y ésta, por
lo menos, me hizo reír mucho en su primera parte, luego,
me interesó menos. La tienes en cartelera.
- CONTROL. Dir: Antón Corbijn. GB. Otra de la
que esperaba muchísimo, y otra que me dejó un
poco decepcionado. Muy premiada en Cannes. Va de biopic de Ian
Curtis, enigmático cantante suicidado de JOY DIVISION,
banda icono del post-punk inglés. Es en blanco y negro,
lo digo por si acaso. Excelente fotografía. RECOMENDABLE.
- MEDUZOT. Dir: Edgar Keret y otro. Israel. También
premiada en Cannes, motivo de mi selección. Pues no me
gustó nada. Que no me van las mezclas de realidad y fantasías.
Por lo menos era corta.
- FLAWLESS / Un plan brillante. Dir: Michael Radford.
La tienes en cartelera. ¿Algo? Michael Caine.
- CARAMEL. Dir: Nadine Labaki. Líbano. Premio
de la Juventud y del Público. Cinco mujeres en un salón
de belleza. Protagonizada por la directora. Un poco de todo:
costumbrismo, humor, drama, etc... Pero, tiene un cierto tufillo
¿será porque se desarrolla en la comunidad cristiana
de Beirut?. La van a estrenar, ya me dirás.
- SOUL CARRIAGE/ALMA CON DESTINO. Dir: Conrad Clark.
China/GB. Premio Nuevos Directores. Pues ésta, que durante
su proyección se salía el público en oleadas,
me pareció la más interesante por su lenguaje
cinematográfico, con una narrativa alejada de las propuestas
genéricas al uso. Mezcla de ficción y nueva realidad
de la China actual.
Por último, te voy a recomendar una que no vi en el festival,
sino después, pero si estuvo en Donosti: LUCIO. Documental
muy digno que no te debes perder.
Es todo.
Le métèque.
(Si
alguien quiere ampliar la información de alguna de las
películas comentadas, el firmante estará encantado
en contestar. Podéis escribir a: seccion.estatal@cgtbbva.net)
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Tras
el paréntesis veraniego, estos días otoñales
son de cine. El clima invita a ello y además es el momento
reservado a los estrenos por las distribuidoras. Como cada año
existen propuestas interesantes y vamos a hablar de dos de ellas.
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| Robin
Hook (15-10-2007) |
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La
primera es una película española de Iciar Bollaín,
Mataharis, título un tanto equívoco respecto del
contenido de la peli que suena a argumento distinto. El trabajo
como detectives de tres mujeres en nuestra país y en
nuestro tiempo, sirve para exponer a nuestra mirada problemas
de esta sociedad y provocar nuestra reflexión sobre temas
ricos y diversos. Los límites de la intimidad dentro
de la pareja, las diferentes interpretaciones que pueden darse
de la ocultación de algo, como nos pesa el pasado y la
vergüenza, dónde radica la confianza y si ésta
va delante del amor, ¿anulan los sentimientos a las preguntas?.
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El conflicto de valores morales y principios frente al todo
vale (" No somos jueces. No tenemos opinión. Hemos
de limitarnos a hacer nuestro trabajo"). El conflicto laboral
en el cual se infiltra una de las protagonistas está
muy cercano a la realidad, es cotidiano. Se habla de precarización,
abaratamiento, subcontratación etc... en el seno de la
estrategia de una multinacional. Os sonará sin duda el
lenguaje. Si teneis la paciencia o la cinefília necesaria
para resistir hasta el final de los títulos de crédito,
vereís en los agradecimientos a la CGT y a Eladio Villanueva
entre ellos. Bien marcados los papeles sindicales aunque el
resultado de la movilización peque de bienintencionado.
Efectivamente, muchos habrán enfrentado en algún
momento sus principios con su trabajo y habrán tenido
que tomar una decisión que marcará su futuro.
¿Qué es lo importante realmente? ¿Vale
todo con tal de trabajar, incluso en algo que te gusta?. Todos
tratamos de eludir el momento de enfrentarte a ese posicionamiento.
Esquivamos las circunstancias que nos llevarían al mismo,
pero si no lo lograsemos ¿qué es lo que haríamos?.
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El
vivir para trabajar, algo en lo que nos hemos instalado en nuestro
pueblo, con las jornadas más abultadas en Europa y la
sempiterna fama de vagos que nos acompaña como nuestra
sombra. Algo que no palían las ornamentales leyes de
conciliación de vidas familiares y laborales, algo que
se lleva por delante nuestra convivencia, nuestro amor y hasta
nuestro desarrollo humano y cultural. Matrimonios enmudecidos,
acabados, vidas sombrías instaladas en la rutina laboral.
¿Está ahí nuestra independencia, nuestra
liberación como seres humanos?.Trampas en las que es
muy fácil caer y muy difícil salir.
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La
tarea interpretativa de las tres protagonistas, Najwa Nimri,
María Vázquez y Nuria González es muy remarcable,
componiendo sus personajes desde la actualidad y dotando a los
mismos de una cercanía y un realismo completo. A mi me
gustó en especial el de Nuría Gonzalez, la de
más edad, mujer con un rostro impagable para la vida
insatisfecha y tediosa que lleva su personaje, alguien eficiente
y práctica en conflicto con su sensibilidad más
profunda.
Conclusión: película recomendable en la que uno
agradece y reconoce lo necesaria que es la mirada femenina para
ayudarnos a entender las cosas importantes de la vida y rectificar,
sin miedo, los errores que todos llevemos dentro.
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Totalmente diferente es la peli de Neil Jordan "La Extraña
que hay en ti", con Jodie Foster como protagonista. Neil
Jordan pasea su veteranía por todo el metraje, este hombre
sabe hacer cine, sabe mover la cámara, domina los ambientes
(me gustó la fotografía de exteriores nocturnos
que crea y acompaña el climax necesario en cada momento).
Es una obra muy completa, no exenta de algo parecido al fatalismo
tierno presente en otras pelis de Jordan, p.e. Monna Lisa. Jordan
aprovecha la ciudad de Nueva York, para narrar con buen pulso
otro gran conflicto moral: hasta qué punto resisten nuestros
valores morales el ejercicio gratuito del mal. Es bien distinto
hablar de la bondad como espectador, que cuando uno ha pagado
un precio terrible ante la maldad.
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Para
ello nos enfrenta a la agresión brutal que sufre la protagonista,
sensible locutora que describe con otra mirada el pulso de la
ciudad, por parte de unos pandilleros de barrio. Ella se libra
de la muerte pero pierde al novio con el que va a casarse. Como
describe el director las dudas, el cambio y el derrumbe de los
valores de esa mujer (el terror inicial posterior a la agresión,
que la impide salir a la calle de nuevo, está francamente
bien) es algo que muestra su buen oficio y en lo que la no menos
gran experiencia y calidad como actriz de Jodie Foster, le ayuda
considerablemente.
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En
este punto, la película toma elementos de otras como
Taxi Driver de Martin Scorsese (presente en muchos momentos
hasta que uno no pueda desprenderse de la idea de que Jordan
le homenajea con este film) e incluso, de alguna nota de la
serie Harry el Sucio, o El justiciero de la ciudad de la noche
con Charles Bronson. La venganza, sentimiento que todos llevamos
dentro en una u otra medida, se instala en la acción,
pero Jordan establece su contrapunto ético en la figura
del inspector de policia, oyente del programa de la protagonista,
que, siempre ese pequeño azar que marca el futuro como
si todo estuviese escrito en alguna parte, la ha visitado fugazmente
mientras ella estaba en coma víctima de la paliza recibida.
Amor, compasión, admiración, afecto?. Todo lleva
a un desenlace bien resuelto, en que el conflicto moral habrá
de decidirse y, en este punto, también puede aproximarse
a la comentada anteriormente de Mataharis, ¿qué
es lo justo? ¿qué hacer?. Pero eso ya tendreis
que ir a ver la película para opinar por vosotros mismos.
Todos llevamos un extraño dentro, nadie se conoce lo
suficiente.
Todos somos capaces de hacer cosas que no se nos pasarían
ni por la cabeza. Descartemos afirmaciones categóricas
sobre nuestro modo de ser y roguemos para que no llegen las
circunstancias precisas para ello, y, si llegasen, que en nuestro
guión aparezca, como aquí, una nimia circunstancia
que nos brinde la posibilidad de escapar.
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Sonata
para un buen hombre
"Usted
es una buena actriz"
"Y usted, un buen hombre"
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¿Puede
un buen hombre hacer algo malo?. ¡Sí, claro!.
¿Puede un buen hombre, convencido de servir a una causa
justa, hacer daño a otro hombre?. ¡Sí, claro!.
¿Puede la belleza del arte, representada en el sonido
de un piano, unir, de alguna manera, a dos buenos hombres de
diferente ideología. ¡Sí, claro!
¿Puede un buen hombre, tratando de redimir su mala acción,
ayudar a otro hombre?
¡Sí, claro!.
¿Puede un buen hombre, que trata de ayudar a otro hombre,
poner en peligro el cargo,
que tanto trabajo le ha costado conseguir, hasta el punto de
perderlo?. ¡Sí. claro!
¿Puede que aún queden buenos hombres en este mundo?…
¡Sí, claro!.
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| LA
VIDA DE LOS OTROS(2006) Florian Henckel-Donnersmarck
(Para
más información léase el acertado comentario
de Robin)
Ayanimof (07-04-07)
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Robin
Hook (24-03-07)
LA
VIDA DE LOS OTROS
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Valorada,
con toda justicia a mi modesto entender, película alemana.
Ganadora de un buen número de premios del cine europeo,
también al otro lado del charco, los norteamericanos,
dueños de la mayor industria del cine tras ese fenómeno
hindú que es Bollywood, decidieron premiarla.
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Cine de nuevo para movernos a la reflexión. Realidades
históricas y sociales, muy cercanas en el tiempo, que
han marcado nuestras últimas décadas con su mensaje
incuestionable. Conceptos ideológicos que llenaron el
siglo XX como el comunismo, la construcción del socialismo,
la subordinación del individuo a esa idea. Ilusión
defraudada, traicionada, el cambio que ampara y levanta nuevas
oligarquías dictatoriales. Melodía escrita desde
las más bajas pasiones humanas, esas que mueven los hilos
de este títere que, finalmente, somos todos nosotros.
Resultado no buscado o sí, según nuestro grado
de análisis político: Dictadura y degradación
moral, una vez más. Esta cinta, con inteligencia y apariencia
de sencillez, cosa bien difícil de conseguir en el cine
sin un buen guión, fotografía, montaje, dirección
artística, música y trabajo de un buen equipo
muy bien dirigido, con bajo presupuesto y una labor de actores
excelente, nos enfrenta a la dureza de la realidad en una sociedad
comunista dictatorial y nos hace, una pequeñísima
concesión para la esperanza, aunque sin milagros artificiales,
en un final que devuelve una porción de equilibrio, de
equidad moral a toda la historia.
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Me
gustan, ya lo he dicho otras veces, las pelis "matrioskas",
esas que tienen varias más en su interior que al espectador
no le importaría descubrir cuando finalizan, aunque ello
representase embarcarse en una sesión continua sucesiva.
La interpretación de los tres protagonistas principales,
actores para mí desconocidos, es excelente. En especial
la del capitán Wiesler, Ulrich Mühe, calculadamente
contenida, coherentemente fría, distante del espectador
pero atrapando siempre su atención. Tanto el intelectual
"oficial", el actor Sebastián Koch, como su
actriz amante, interpretada por Martina Gedeck. Sus interpretaciones
no nos permitan más que alcanzar a ver partes de su personalidad,
suficientes para situarles, y que nos abren el interés
de profundizar en las zonas de ellos y de su historia que nos
dejarían conocer y entender mejor sus comportamientos,
sus sentimientos. Se diría que el director Florian Henckel
Donnersmarck no ha querido que salgamos de nuestro papel de
mirones en una sala oscura desde la que contemplamos lo que
les sucede a unas personas en un tiempo y bajo unas circunstancias
condicionantes, para que, tras el desenlace de la historia,
volvamos a revisarla en nuestro interior, aposentemos su mensaje,
y obtengamos nuestras conclusiones.
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Se
describe y radiografía como es una dictadura, sus claves,
su control, su asfixia; como se mueve y funciona orientada a
un único objetivo: anular todo tipo de libertad, impedir
el peligro del pensamiento crítico, del juicio imparcial,
del criterio personal. En eso reside el riesgo para todas las
dictaduras de cualquier corte que han sido a lo largo de la
historia. Y a ello enfrentaran todos los medios y formas para
impedir, erradicar, coartar y aplastar cualquier factor que
promueva los valores individuales que comportarían la
aniquilación del sistema. Guerra entre este y los individuos
cuyo patrón no se considera adecuado, aquellos potencialmente
peligrosos que se apartan de la conducida masa, esa que, por
miedo, presión económica, incluso creyendo de
buena fe en la necesidad del sistema, colabora en su organización,
desarrollo y pervivencia.
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"Somos
el escudo y la espada del Partido", se les inculca a los
funcionarios disciplinados y amorales, encargados, eficazmente,
de reprimir a sus conciudadanos, vecinos, compañeros,
familiares y compañeros sentimentales si hace al caso.
Terriblemente real de nuevo.
El arranque de la película, el interrogatorio, la clase
impartida, los gestos, la eficacia exenta de toda perspectiva
moral propia, la pulcritud de ese probo capitán, brillante
en su asqueroso cometido, pone los pelos de punta. Trabajo bien
hecho, frente a la habilidad para trepar de su compañero
y, más tarde, superior.
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Si
tienes información de cada individuo, tienes control
sobre él, una importante ventaja para someterle
(la escena de la vecina y la mirilla, es un buen ejemplo).
Una sociedad permanentemente vigilada, cuyos datos se
manejan, no una ficción por desgracia, ni una hipótesis
creativa. La República Democrática Alemana
del año 1.989 y su policía política,
la Stasi, están ahí, ancladas en la historia
cercana y explicando los problemas sociales que aún
hoy enfrentan los alemanes como resultado de una herencia
maldita que marcó su pasado siglo con una locura
colectiva cuyos efectos se negasen a desaparecer.
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Muchos
de esos pulcros ciudadanos de la R.D.A. seguirán
pagando toda su vida el tributo personal por esos años
de control, adoctrinamiento y coacción que padecieron
inmerecidamente quizá, víctimas de la confusión
instalada a lo largo del siglo XX, de los intereses ajenos
y de las circunstancias que marcaron el rumbo de la historia
convulsa de su nación.
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Otro
aspecto que mueve nuestra reflexión, es aquel sobre
cuales son los factores que modifican la mentalidad y
de ahí, el comportamiento del eficaz capitán
Wiesler. Tal vez en su caso, es una persona ceñida
más por la creencia del valor de su trabajo, al
que ha entregado toda su vida, pagando el precio de la
soledad y el desarraigo, que por una carga ideológica
interiorizada que si encajaría con el personaje
del intelectual afecto al régimen, el cambio, viene
de la mano de algo tan primario como el amor, la atracción
física, el factor sexual, la mujer y su fuerza,
en definitiva.
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Esa
fuerza incalificable que produce que, desde el poder encarnado
en su ministro, hasta la reacción al mismo, todo
gravite sobre ese misterio femenino, ese poder último,
pese a que la tragedia devore a la parte más débil,
sacrificio redentor presente que se resuelve dentro del
tono natural que preside toda la narración en imágenes.
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Poder
y debilidad, peso y contrapeso, tiovivo en movimiento continuo,
fascinación perpetua.
Película pues, entretenida y de calidad. De emociones
y miradas conmovedoras que las transmiten y engrandecen. De
interiores ramplones que subrayan la ramplonería de todo
el conjunto social, de arte viviendo en montones de libros desordenados,
de vidas y gentes reducidas a interminables hileras de expedientes
en estanterías de archivo, de tomas de conciencia y de
los cambios profundos que los humanos, incluso sorprendidos
y resignados, somos capaces de afrontar y asumir. De miedos
inducidos, de cobardías y valor, de vileza y grandeza,
de amor y de cómo la vida evoluciona, aunque pueda sabernos
a poco, cuando la " Sonata para un Hombre Bueno" se
interpreta correctamente.
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Ayanimof
(6-03-07)
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Goodbye
America
(Hasta siempre "Granpa")
Me
atrevería a afirmar que la gran mayoría de personas
que lean este artículo, máxime si rondan o han
superado ya los cincuenta años (y disfrutan de tan magnífica
edad), reconocerían al instante la siguiente frase: "Y
Al Lewis como el abuelo".
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Claro, el final de la presentación de los entrañables
personajes de La Familia Munster, estrenada en nuestra televisión
en 1965, en la que aparecía la hermosa Ivonne de Carlo
(Lily), Fred Gwynne(Herman) y el inolvidable "Granpa"
, ese drácula irónico y bonachón, al que
daba vida Al Lewis. Para los seguidores de series televisivas
de aquellos años diré que Fred Gwynne ya había
coincidido con Al Lewis en una serie anterior: Car 54,
where are you?, aquí conocida como "Patrulla 54".
Tuvieron que pasar unas cuantas décadas para que en el
año 2003 el director de cine Sergio Oksman, que pretendía
hacer un reportaje sobre Pacífica Radio, emisora fundada
en 1949 en Berkeley (California), asistiera al programa que
Lewis estaba realizando en dicha emisora y, seducido por
su magnetismo, le convirtiera en el protagonista de la cinta.
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De
esta manera, podemos ver al nonagenario actor, sentado frente
al espejo, mientras le maquillan para volver a representar el
personaje que le hizo granjearse el cariño de toda una
generación, rememorando con envidiable lucidez y portentosa
memoria, sus vivencias como activista de izquierdas en USA ante
hechos tan determinantes como "La caza de brujas de McCarthy",
La guerra de Vietnam (donde recuerda que sólo enviaban
a negros, hispanos o blancos muy pobres pero ni a un solo hijo
de congresista) o los atentados de 11/09/2001, al tiempo que
nos deleita con jugosas anécdotas. El montaje intercala
primeros planos de Al, siempre saboreando un habano,
con imágenes de archivo y, cuando termina, deja el regusto
amargo de no poder seguir disfrutando con las memorias de tan
envidiable anciano.
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VENUS
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AYANIMOF
(28-02-07)
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Un
septuagenario actor, de mermada salud, se siente revivir ante
la inopinada llegada de Jessie (convincente Jodie Whitaker),
hija de una sobrina de su amigo Ian, que esconde su inseguridad
bajo un aparente descaro.
De
esta manera Maurice (excelente Peter O'Toole bordando una interpretación
irónica y conmovedora, mejor en v.o. para disfrutar con
su dicción) se aferra al último vagón del
último tren que pasa por su vida y lo hace con todas
sus fuerzas, con las que le quedan, hasta agotarlas.
A
pesar del inicial rechazo de la desorientada joven y del abismo
generacional que les separa, se va creando, entre ambos, una
complicidad no exenta de cierto morbo. En sus momentos más
bajos, el viejo actor acude a casa de su ex-mujer, la gran Vanessa
Redgrave, en busca de un poco de ternura (tibios rescoldos de
su pasado), mientras intenta recuperar el tiempo perdido en
el aroma de un joven cuello femenino.
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La
calculadora vejez enfrentada a la despreocupación juvenil
crea un llamativo contraste, como el de la blanca carne de la
Venus del Espejo con el oscuro paño en el que descansa.
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| Dirección:
Roger Michell
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Peter
O'Toole….Maurice
Leslie Phillips….Ian
Vanessa Redgrave…Valerie
Richard Griffiths…Donald
Jodie Whitaker….Jessie
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M.F
(19-02-2007)
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LA
SCIENCE DES RÉVES. Michel Gondry
(La ciencia del sueño)
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Es
sólo lunes y ya noto la mente llena: de productos, de
remesas, de "escaneos"... de novedades. ¡Al
cine!, me voy al cine. Esta tarde, a la sesión de las
cuatro. En este edificio, pocos, muy pocos, nos vamos a las
tres. Cada cual tiene su razón para quedarse.
¿Babel? No, mañana ¿La science des rêves?
Sí, esa sí. Búsqueda de sueños o
realidades que nos hagan sentir bien. Ciento cinco minutos,
atrapada en sus movimientos artesanales, en sus sueños,
en los míos, un barco, se habla de gatos. "Uno",
dos, tres estábamos en la sala, mientras suena la música,
todavía las luces apagadas, un ruido extraño a
mi lado, busco a oscuras en el suelo, una piedra que entrego
sonriente a "Uno" sentado en la primera fila, después...
mi imaginación y la lluvia.
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PAKUNIN
(13-01-07)
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BABEL
A las razones ya dichas para ver esta película, añadiría
las siguientes aportaciones que me ha sugerido su visión: |
| Estamos
ante una película que su visión resulta a ratos
angustiosa, hay peligros que se ciernen sobre los posibles protagonistas
y vas teniendo la certeza de que va a suceder algo, y que se
puede empeorar la situación. Otra de sus virtudes es
mostrarnos como los débiles del mundo siempre se llevan
la peor parte, cuando hay dificultades no sólo no tienen
medios, no saben explicarse y además el poder es inflexible
con ellos, no les escucha. Es una buena muestra de la insolidaridad,
el egoísmo y la soledad, facetas que van siempre unidas. |
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La
incomunicación alcanza la máxima expresión
y está plasmada de una manera magistral fundamentalmente
a través de una chica japonesa sordomuda.
No
estamos ante una película deprimente, no muestra nada
que no conozcamos ya. Tampoco da muchas esperanzas, aunque
muestra que la amistad y la mano que está dispuesta
a ayudarte está muy cerca, y como siempre no te das
cuenta.
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| Germinal
(28-12-06)
BABEL
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...
En el mundo global que, al parecer, nos encontramos hay hechos,
fortuitos o no, accidentes o incidentes que establecen una comunicación
continua entre diferentes puntos del planeta. Poco importa ya
que hablemos lenguas distintas (o que seamos sordomudos incluso);
el castigo bíblico de estar condenados a no entendernos
por pretender alcanzar lo inalcanzable, ha devenido en una condena
probablemente mucho más "perversa", la de,
en cualquier momento, en cualquier lugar, estar implicados en
un cambio de circunstancias, en una reacción equivocada,
en un riesgo cierto y mortal. Esto es BABEL, una excelente cinta
de González Iñarritu que os recomiendo... Marruecos,
USA, México, Japón son unidos de pronto por la
casualidad y ¡zas!... A los que hemos viajado, a los que
nos gusta viajar, nos dan ganas de no salir de casa, entendiendo
por "casa", no salir de la rutina, del pensamiento
ordinario, de los hábitos cotidianos, de nuestra seguridad...
Vedla... Por cierto, Brad Pitt ya no es sólo un "guaperas".
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| BORAT
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Germinal,
noviembre 2006 |
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Supongo
que los amigos cinéfilos ya estaréis un poco al
tanto del fenómeno "Borat". He visto la peli
y, efectivamente, es inaudito el trabajo realizado por el amigo
Sacha Baron Cohen. Resulta que haciéndose pasar por un
ciudadano "kazajo" se larga mandatado por su Gobierno
a tomar nota de la vida en los "E-E-U-U" (lo más
de lomás. El Imperio) y nos sacude un bombazo (cámara
al hombro, estilo Michael Moore) de lo que se encuentra. Es
verdad que él parte de una situación de "paletismo"
escalofriante, de una situación social cuasi prehistórica,
pero lo que se encuentra desde New York hasta Hollywood (cual
Quijote en busca de su Dulcinea. En este caso la exhuberante
Pamela Anderson), es sencillamente impresionante. ¿Dónde
está el verdadero paletismo? ¿Cuáles son
los valores que celosamente guarda la metrópoli? ¿Cuál
es la diferencia entre himnos? (genial la mezcla de la supuesta
letra del kazajo con la música del yanqui). ¿Cuál
es la diferencia entre la fiesta del "encierro del judío"y
el rodeo americano?... Los saludos, la comunicación,
los bailes, los homosexuales, las minorías (negros),
los jóvenes, las prostitutas, la
guerra, el dinero, la religión... Maravillosa, de verdad.
Cinéfilos y/o acratosos, anteponed su visionado, si podéis,
a cualquier otra. Creo que vais a pasar un buen rato.
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| SCOOP,
de W. Allen... |
Germinal
(19-11-2006) |
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Quizá
alguno se estuviera preguntando si todavía no había
visto a mi admirado Woody. Menos mal que AYANIMOF nos había
colgado ya una reseña sobre su nueva peli. No obstante,
y a pesar de suscribir lo dicho por Ayanimof, me resisto a no
comentar algo...
Efectivamente,
después de Match Point (magistral. Yo hasta me la he
agenciado en DVD para conservarla), puede que no cupiera hacer
otra "obra maestra" (tengamos en cuenta que Allen
nos lanza una obra por año, más o Menos). De modo
que Scoop (cavidad, hueco... siempre hay alguno) es una "variación"
sobre el mismo tema tratado en Match Point. En este caso Allen
aparece como actor y nos ha vuelto a descubrir que tras el "bombonazo"
Scarlett (una de las pocas rubias que me gustan), hay un pedazo
de actriz...
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Id
a ver la peli si no lo habéis hecho aún y recordad
que cuando los Beatles hicieron Sargent Pepper´s no siempre
volverían a alcanzar esa cima, pero Yellow Submarine
o Let It Be no estaban mal ¿verdad?
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| LORCA,
EL MAR DEJA DE MOVERSE |
AYNADAMAR
(06-11-06) |
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Película
documental minoritaria a la fuerza por cuanto, que yo sepa,
al menos en Madrid, se proyecta en sala y sesión únicas
de Lunes a Jueves en un solo pase. Director y guionista que
no conozco pero seguramente buenos.
Cualquier trabajo sobre Lorca provoca desde hace ya algunos
años cierto hartazgo. ¿Se habrá hablado
y escrito sobre el poeta? ¿Se habrán subido oportunistas
al simbólico carro de su recuerdo? Y, por cierto ¿Se
conoce su obra, obligado fuera, como enorme figura de la literatura?
Bien. A pesar de todo y con las lógicas reservas, entendí
la conveniencia de ver este film. Me sorprendió gratamente.
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Con
una narración de hechos muy bien descritos, opiniones
de estudiosos y testimonios de allegados muy convincentes, ubicación
perfecta del contexto, y el acertado recurso a producciones
anteriores insertando escenas llevadas a la pantalla donde se
refleja fielmente determinadas situaciones de aquellos días
de Agosto 36; se compone un conjunto tan bien ensamblado, que
logra presentar un trabajo muy atractivo para el espectador
y alcanza perfectamente lo que entiendo que es su objetivo:
la necesidad de poner a cada uno en su sitio en el escenario
de aquel suceso donde nunca se reparará lo uficiente
la honra del poeta.
Tanto y tanto hemos revistado esta página de nuestra
historia que resulta complicado invitar se vuelva una vez mas
sobre ella. No obstante, considero muy recomendable visitar
la sala y sesión minoritarias.
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También me tomo la libertad de escoger el cuarto y último
poema de la composición "Llanto por Ignacio Sánchez
Megías" (1935) como humilde homenaje al poeta desde
esta revoltosilla tribuna. Gracias. |
No
te conoce el toro ni la higuera,
ni caballos ni hormigas de tu casa.
No te conoce el niño ni la tarde
porque te has muerto para siempre.
No te conoce el lomo de la piedra,
ni el raso negro donde te destrozas.
No te conoce tu recuerdo mudo
porque te has muerto para siempre.
El otoño vendrá con caracolas,
uva de niebla y monjes agrupados,
pero nadie querrá mirar tus ojos
porque te has muerto para siempre.
Porque te has muerto para siempre,
como todos los muertos de la Tierra
como todos los muertos que se olvidan
en un montón de perros apagados.
No te conoce nadie. No. Pero yo te canto.
Yo canto para luego tu perfil y tu gracia.
La madurez insigne de tu conocimiento.
Tu apetencia de muerte y el gusto de su boca.
La tristeza que tuvo tu valiente alegría.
Tardará mucho tiempo en nacer, si es que nace,
un andaluz tan claro, tan rico de aventura.
Yo canto su elegancia con palabras que gimen
y recuerdo una brisa triste por los olivos.
...
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SCOOP
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Divertimento
en clave menor que sabe a poco tras su magnífica "Match
point". No obstante nos permite pasar un buen rato (¡qué
no es poco!) y volver a ver a Woody Allen delante de la cámara,
representando su ya conocido personaje, esta vez disfrazado
de prestidigitador, que siempre obsequia con alguna frase inteligente
o irónico juego de palabras ("¿Hijos?, No
he querido tener hijos; los cuidas, te desvives por ellos y
cuando han crecido te acusan de padecer alzheimer"). Tambien
nos brinda la oportunidad de ver a Scarlett Johansson en un
personaje más entrañable y encantador que el de
seductora rubia platino que pretende adjudicarle la interesada
industria del celuloide. En definitiva esperemos que se trate
de un pequeño descanso humorístico antes de acometer
un nuevo proyecto de mayor enjundia.
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AYANIMOF
(02-10-2006) |
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Germinal
(16-10-06)
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"El
viento que agita la cebada" (The wind that shakes the barley),
de Ken Loach.

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Una
vez más, Loach, da un nivel extraordinario al utilizar
el cine como un medio de comunicación para algo más
que para el espectáculo que, siendo parte esencial de
este arte, no lo es todo. La obra de Loach es siempre una obra
"comprometida", sin ambages, sin autocensura, sin
concesiones comerciales, intentando reflejar lo que hay y lo
que todos sabemos o nos imaginamos. Se dice que en esta ocasión
ha levantado "ampollas" entre el "stablishment"
británico. Y ante esto, uno se pregunta, pero esta gente
¿qué querrá?... Los britanicos han sido
el, probablemente, "último imperio descarado",
digo descarado porque ahora, en nuestros días, los imperialistas
yanquis y sus adláteres utilizan justificaciones (guerras
preventivas, ataques defensivos, derrocamiento de tiranos...),
aunque perversas, pero justificaciones...
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Y de esto trata la peli, del imperialismo británico (inglés)
en su vecina Irlanda, un imperialismo que aún colea en
Irlanda del Norte. Para ello, Loach y Laverty (el guionista
magistral que, por cierto, vive en Madrid), sitúan la
acción en la Irlanda de los años 20, a los pocos
años de la Gran Guerra (aquella que había dejado
más de 15 millones de muertos). Lo primero que nos enseñan
es a los "ocupantes" como matones y chulos de taberna,
después como militares que son unos "mandados"
y se limitan a cumplir las órdenes "legales"
de su gobierno, luego a los "colaboracionistas", los
acaudalados terratenientes a los que la presencia del dominio
mediante la fuerza infunde el suficiente miedo para la sumisión
de los pobres... Luego ponen encima de la mesa, la reacción,
la rebelión, la necesidad de responder organizados, la
necesidad de cumplir la disciplina, el hecho de saltar los límites
de los afectos, la amistad por el bien de conseguir los objetivos
(¿el fin justifica los medios? ¿para todos? ¿sólo
a veces?); las diferentes posturas de algunos curas de la tradicionalmente
católica Irlanda y la de la Iglesia Oficial...
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Y,
al fin, las razones políticas de "soluciones prácticas"
de "negociación y concesiones" frente a los
que se han embarcado para soltarse del yugo del invasor, para
tener entidad propia, para los que prefieren morir de pie que
seguir viviendo de rodillas, para los que quieren ver el mundo
nuevo que llevan en sus corazones (ya sabéis, aquello
de si ganar la guerra o hacer la revolución, ¿nos
suena, verdad?)...
Buena ambientación, buena fotografía, actores
magníficos... (Irlanda, tú conoces el secreto)...
En fin, imprescindible, foreros. Quien no lo haya hecho, que
la vea.
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Germinal
(14-09-06)
Germinal (02-10-06) |
SALVADOR
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...
Quienes entren en "Un rincón en la memoria",
apartado libros, aún pueden encontrar la reseña
que el 24 de febrero de 2002 hice sobre la aparición
de la obra "Cuenta atrás" de F. Escribano,
contando la vida (sobre todo lo relativo al final de sus días)
de Salvador Puig Antich... Mañana, 15 de septiembre se
estrena la peli "Salvador" basada en esta obra. Durante
este tiempo he venido siguiendo noticias sobre el proyecto.
También he seguido noticias sobre el empeño que
se tiene (muy especialmente la familia, claro) de que la causa
sea revisada y se reconozca el "error oficial", restableciendo
la memoria y el buen nombre de Puig Antich. Todos los dos de
marzo de cada año, y ya hace treinta y dos, he recordado
aquel día del 74. Era el corazón de la década
del cambio. Lo viví y lo recuerdo. Y lo que son las cosas,
intenté adquirir una entrada gratuita para el preestreno,
pero llegué tarde. Veré la peli. Ya hablaremos
de su calidad, pero ya es importante que el hecho se ponga sobre
la mesa de la opinión pública y que, nosotros
los interesados en la memoria libertaria, exijamos que se pida
perdón, que se rehabilite a estas víctimas también
¿o no?... Veré la peli y me quedaré en
la garganta un ¡Viva la Anarquía!
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| Después
de ver la película, Germinal nos comenta: |
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"...No
sé si comenté en el Foro que había recogido
una información en la página de Rebelión.org
de un grupo de gente reivindicando la memoria no sólo
de Puig Antich, sino de los componentes del MIL (recordemos
que J. Marc Rouillan aún está en prisión
en Francia. Desde 1987). En esta información se expresaba
una queja sobre lo que consideran una visión edulcorada
de la película. Bien, nunca llueve a gusto de todos.
Yo,
como ya he manifestado recuerdo aquellos asuntos porque en aquel
tiempo tenía 23 años y ya estaba en la ebullición
política en la Universidad. Desconozco los entresijos
de aquellos grupos de vanguardia (algún día deberíamos
hacer un debate sobre la ingenuidad de determinadas luchas y
momentos).
Sí
es cierto que en la vida sindical, en los datos bibliográficos
y en algunos testimonios he conocido algunas cosas más.
Por tanto, tengo una opinión formada, aunque, no digo
que no, quizá errónea.
La
película, basada en la narración de F. Escribano
(La cuenta atrás) es bastante fiel al relato y es, no
hay que olvidarlo, sólo una película (que además
ha optado a ser enviada a los Oscar. ¡Qué paradoja!,
por cierto), no se trata de un documental o de un reportaje
partidista.
Basándose
en lo que se basa, el relato de Escribano, me ha parecido muy
buena. Sé, porque lo he segudio siempre que ha aparecido
alguna noticia, que la familia en su día tuvo reparos
para consentir, y contribuir, a la publicación de la
biografía. Hoy, al parecer, han visto con muy buenos
ojos la realización de la peli. Seguramente piensan que
ayudará a la lucha que, desde hace años, mantienen
por la revisión del caso y la recuperación del
buen nombre de Salvador Puig Antich. Y en verdad, creo que la
peli puede contribuir a ello. Ahora, lo que debemos hacer, en
mi opinión, es reivindicar de nuevo esta figura, cosa
que si no, nadie va a hacer (y no sólo ésta figura,
sino todas las del movimiento libertario. Empujar todos, sin
partidismos). El viernes, sesión tarde/noche, en la sala
que yo la vi estábamos a un tercio de ocupación...
Me
ha gustado mucho. Una interpretación magnífica
(sobre todo, claro, la del Daniel Brühl. Pero también
la de Ulloa, la de Watling, la de Sbaraglia y la de los demás
un poco más noveles). El guión es muy fiel en
su resumen. La ambientación es muy buena (te traslada
a aquella época) y la música estupenda. Al final,
no grité de rabia, pero se me humedecieron los ojos mientras
Llach cantaba "... Y si canto trist"... Vedla y hagámosla
nuestra. Puig Antich murió y todos tuvimos un poco la
culpa (unos más que otros, claro) al no saber o poderlo
evitar, pero automáticamente, como Aquiles en aquella
Iliada que él leía, se convirtió en inmortal.
Como Sacco y Vanzatti, como Granado y Delgado, como tantos...
Por cierto, los sátrapas también "agarrotaron"
aquel 2 de marzo a H. Chez..."
Germinal
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| Germinal
(16-09-06) |
El
Capitán Alatriste
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...
Al final, cuando al Tercio Viejo de Cartagena sólo le
quedan muertos, heridos y magullados, una delegación
de franceses del sitio de Rocroi se dirige a parlamentar bajo
bandera blanca... Vienen a decir algo parecido a que "dice
su Comandante que dado el enorme valor con el que han combatido
los españoles, están dispuestos a aceptar una
rendición con todos los honores"... El Capitán
Alatriste (magullado, pero todavía con algo de voz) es
uno de los pocos que puede contestar que "agradecen mucho
la consideración de su Comandante, pero que son un Tercio
Español y..."
Quizás ésa es la moraleja, tanto del relato como
de la película: El sentido del deber, de la lealtad,
del honor, de la valentía, a la hora de la verdad (que
se diría en términos taurinos), ha residido en
España, muy probablemente, siempre en el pueblo, mientras
los gobernates y sus adláteres han sido sátrapas,
déspotas, caprichosos, envidiosos, clerigalla, meapilas,
beatería, autócratas, conspiradores, corruptos,
etc. etc.
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Una enorme producción la de Alatriste. No alcanza al
Señor de los Anillos, por ejemplo, por razones económicas
obvias, pero de verdad que es una gran producción. Los
actores (impresionantes, no sólo Mortensen, sino Cámara,
Echanove, Anaya, Ugalde, Noriega...), la fotografía,
el guión (que no es fácil. Se ha hecho a partir
de cinco volumnes publicados con un metraje de algo más
de dos horas), los efectos especiales (quizá es donde
se pueda notar más la escasez económica. Pues
una producción de este tipo con 20 millones de euros
da para lo que da), la ambientación, todo grandioso y
de calidad.
Se recomienda.
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El
Taxista Ful
(El límite que nos impide vivir...)
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AYANIMOF
(18.06.2006)
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Sobre
un fundido en negro oímos la voz del protagonista:
"A Barcelona vine con 12 años. Nos vinimos porque
la miseria era muy grande. Compartíamos un piso de
60 metros cuadrados más de 20 personas. Así
que cuando oigo hablar de la inmigración, pienso que
es lo mismo, sean las personas de un país o de otro”.
De esta manera comienza la película de Jordi Solé
(Barcelona 1968) inspirida en el caso real de un falso taxista
que recorría las calles de Barcelona, lo que le sirve
de hilo conductor para reflexionar sobre un drama cotidiano:
La precariedad. “La precariedad entendida como ese límite
que nos impide vivir. Un límite marcado por las condiciones
de vida impuestas por la mundialización de la lógica
inherente al capitalismo”.
Filmada
a modo de falso documental, denuncia la injusticia de una
sociedad que relega a los trabajadores que han cumplido cierta
edad y tienen la desgracia de quedarse en paro, a mendigar,
día tras día, un puesto de trabajo; lo que en
muchos casos hace caer a estas personas en un estado de desesperación,
de falta de estima, que les lleva a ser rechazados, incluso,
por sus seres queridos.
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El
protagonista de este docudrama, en su intento por mantener la
dignidad y poder seguir alimentando a su familia, lleva a cabo
una idea absurda, tan absurda como el sistema que le oprime.
En su huida de la “justicia” entablará amistad con un
joven militante de grupos antisistema y, gracias a la solidaridad
de éste, descubrirá que hay otras opciones, otras
formas de vida, que poco a poco y no sin esfuerzo irá
entendiendo. El contraste entre la forma de ver el mundo del
protagonista y las personas que conoce, pertenecientes a organizaciones
que denuncian el sistema capitalista como la llamada: “Dinero
Gratis”, dará lugar a jugosos diálogos no exentos
de irónica autocrítica.
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En
definitiva; ¿Qué puede hacer una persona con 52
años y sin trabajo en una sociedad que le ignora?
Tal vez tomar prestada una herramienta de trabajo, que en ese
momento no utiliza nadie, y atravesar la noche de la gran ciudad
tratando de agujerear la realidad.
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